Christian Alliana - Periodismo de Rock

Critica de disco Diego Mizrahi - Basico (04-07-10)

2011-07-05T07:53:00.001-03:00

Básico

En su nuevo disco, Diego Mizrahi se anima por primera vez al canto y se vuelca hacia un costado más cancionero.

Diego Mizrahi es conocido en el ambiente rockero por su virtuosismo como guitarrista que lo llevó a tener un programa propio de TV y a ser un referente en cuanta clínica de guitarra exista. Paralelamente a ello, el hombre nacido en Buenos Aires fue editando distintos discos entre los que se destacan Songs of the Ring (2001), tributo al escritor J.R. Tolkien, y 18 Kilates (2004) entre otros. Ahora, en su nueva producción discográfica, Diego se anima a cantar por primera vez abandonando así los álbumes instrumentales y entrega diez canciones que van más allá del virtuosismo.
El comienzo con “Juegas con fuego” marca ya la diferencia con respecto a trabajos anteriores con su ambiente pop rock y una clara inclinación hacia un costado cancionero que se acrecienta en “Una mañana distinta” en donde dominan las acústicas. En “Noche bizarra”, con predominio de los vientos, y en “Aunque no duermas”, Mizrahi saca a relucir su rock and roll mientras “Vendedor de humo” llama la atención con sus guitarras a lo U2.
“Última oportunidad” es una bonita balada de amor, con una de las mejores letras del disco y donde la voz de Diego rinde óptimamente, teniendo en cuenta que al ser su primera experiencia como cantante aún todavía le faltan algunos ajustes para llegar a un gran nivel en ese aspecto. “Un tipo básico” presenta un riff que será del agrado de muchos guitarristas y “Para aquellos que están solos” muestra nuevamente el costado sensible del artista. En el cierre, “I can´t falling in love”, un viejo clásico popularizado por Elvis Presley, y “Jet lag”, ambas instrumentales, nos hacen acordar que este es el álbum de un guitarrista y allí Mizrahi se despacha con su ya conocido virtuosismo.

Básico nos presenta a un Diego Mizrahi abocado al formato canción (ya sea rock, balada o más acústico) y no tanto a demostrar su virtuosismo, que por cierto está presente pero en menor medida que en trabajos anteriores. Todo ello hace que este álbum pueda ser apreciado por un público más heterogéneo y no solamente por músicos.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Los Natas - Solodolor (08-06-11)

2011-07-05T07:50:00.002-03:00

Solodolor

Los Natas se despachan con un álbum de rarezas y covers.

La historia de Los Natas cuenta con varias perlas que hacen del grupo una especie única: sus discos son editados internacionalmente, tanto en CD como en vinilo, y giran asiduamente por Europa entre otros grandes logros. Además, son de las pocas bandas que se mantienen constantemente en movimiento sobre todo en el ámbito discográfico (teniendo en cuenta que la mayoría de los grupos tardan entre tres y cuatro años en sacar álbumes nuevos).
Luego de Nuevo orden de la libertad (2009), el trío integrado por Sergio Ch en voz y guitarra, Gonzalo Villagra en bajo y Walter Broide en batería entrega ahora un disco que se puede dividir en tres partes: los cuatro temas con invitados, los dos firmados sólo por Los Natas y los tres en que Solodolor toma la posta (allí a Sergio Ch se le suman el bajista Billy Anderson, el cantante Topo Armetta y el baterista Gustavo Rowek).
El comienzo con Ricardo Iorio poniéndole su voz a “El ass de espadas”, la castellanizada versión de “Ace of spades” de Motorhead, golpea directamente en los nervios. Boom Boom Kid suma su punky en “No time” de los californianos T.S.O.L y a partir de “I don´t mind the pain” de Danzig comienza el rock stoner al que Los Natas nos tienen acostumbrados. También hay espacio para una nueva mirada sobre clásicos propios como “Rutation, naciste así” y “Soma”, que se convierte en una de las más destacadas del álbum.
A mitad del disco, el Topo Armetta se acopla al trío en los covers enganchados de “Thumb” y “Green Machine”, ambos de Kyuss y luego vuelve a cantar en los temas de Solodolor. En esas canciones predomina un sonido más pesado, lindante con el metal tal como lo demuestran “Sunday Horse” y “The battle of Mocha Poo”. Sin embargo, el cierre con “La balada de Solodolor” sorprende por su introspección y tranquilidad aunque nunca pierde el pulso rockero.

Preciado por fans y coleccionistas, Solodolor representa una rareza con varias perlas que justifican su inclusión en la discografía de Los Natas.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Carajo - El mar de las almas (17-05-11)

2011-05-18T10:06:00.003-03:00

El mar de las almas

En su cuarto álbum de estudio Carajo llega a una saludable madurez.

A una década de su formación, Carajo aplica en El Mar de las almas (2010) toda la experiencia adquirida en el intenso rodaje que los mantuvo activos en todos estos años. Así, en esta nueva producción, se nota mejor que nunca el aprendizaje absorbido tanto en estudio como en vivo, dando como resultado un disco maduro.Como no podía ser de otra forma, la banda suena muy poderosa y agresiva, con un Marcelo “Corvata” Corvalán pudriendo su voz al máximo acompañado por el sonido abrasivo de su bajo, la guitarra ecléctica de Hernán “Tery” Langer y la batería aplanadora de Andrés Vilanova. El mar de las almas da la bienvenida de manera tétrica con el llanto de una niña y un arreglo de cuerdas que la va atravesando y desde allí en adelante, salvo pequeños pasajes, todo es furia como lo demuestran “Ácido” y “Luna herida”. Las típicas guitarras con efectos de Tery aparecen en “Una nueva batalla” y “Fantasmas” pero Carajo también se da un espacio para experimentar con diferentes climas tal cual se escucha en el excelente instrumental “Limbo”. La melodía de “Frágil” y el canto rapeado de “Virus anti amor” descomprimen un poco el ambiente general opresivo del álbum y sirven para descansar el oído no acostumbrado al metal. El final con “El mar de las almas” muestra la solidez de la banda secundada aquí también por unos interesantísimos arreglos de cuerdas.

En El mar de las almas, Carajo saca a relucir toda su experiencia y ratifica por qué es una banda referente del ñu metal argentino. Con una potencia avasallante pero sin dejar de lado los buenos arreglos, el trío tiene bien en claro sus objetivos y lo ratifica disco tras disco.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Yo,tu,el y ella - Soltar y saltar (17-05-11)

2011-05-18T10:03:00.002-03:00

Soltar y saltar

Yo, tu, el y ella presenta un gran primer disco con variados estilos y muy buenas canciones.

El cuarteto conocido como Yo, tu, el y ella se formó en 2008 y en 2010 editaron su primer larga duración denominado Soltar y Saltar. Esta placa, integrada por once temas, se destaca por su versatilidad y una excelente producción que realza aún más el poder de las canciones. Lo primero que llama la atención es la impecable voz de Karina Aguilar, que encuentra su clímax en pasajes dulces como la bossa “Ambulancia”, donde el invitado Pala suma su canto, o en el tema que le da nombre al disco, un funk con varios matices. Por su parte, “Soñar en blues” muestra a una banda más que afilada, con una soberbia demostración instrumental en la cual el hammond de Hernán Míguez adquiere una preponderancia fundamental.Dentro de la variedad estilística que caracteriza al álbum existe una coherencia implícita marcada por el respeto hacia las buenas melodías y el cuidado en la producción. Por eso es que Yo, tu, el y ella puede pasar sin sobresaltos de las influencias folk, como en “Buscador de promesas”, a “Instintos”, un instrumental con reminiscencias al jazz fusión en donde el bajo fretless de Leandro Marino pisa fuerte.El costado pop del grupo se oye en composiciones como “Princesita” y “La música en el alma” mientras que “Ilusiones compartidas” los acerca al terreno de las baladas antes que llegue el final con un estupendo juego de sintetizadores en “El tren”.

Soltar y saltar es más que un auspicioso debut para Yo, tu, el y ella. A través de sus once temas invita a esperanzarse con un segundo trabajo aún mejor y demuestra que las bandas nuevas pueden hacer las cosas bien desde el minuto cero.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Revancha - Incontrolable (04-04-11)

2011-05-18T10:00:00.002-03:00

Incontrolable

Primer disco de Revancha, un cuarteto de Mataderos con poder en las venas.

Formado en 2007, Revancha se subió casi de casualidad a un escenario por primera vez en 2008 y desde allí comenzó a transitar el duro camino del under hasta llegar a este primer álbum. Desde el grito primal que se observa en la tapa hasta todo el arte interno del librito, predispone a los oyentes a un disco de metal duro, con poco respiro y mucha densidad. Sin embargo, cuando uno escucha los nueve tracks de Incontrolable, el resultado es mucho más rico que el prejuicio inicial.¿Hay distorsión y ganas de romper todo? Sí, por supuesto. “A corazón pateado” y “Accionistas de ocasión” son buenos ejemplos de ello. Pero, afortunadamente, Revancha puede ponerse climático en algunos pasajes de “Aplacamente”y coquetear con las baladas de estadio como en “Mi lado oscuro” (con destino de hit entre sus seguidores). El guitarrista Damián Cammarano saca chapa en “El camino verdadero” y “El placer de la derrota”, siempre bien secundado por la poderosa base rítmica conformada por el bajista Alejandro Ulmi y el baterista Renzo Cejas. Por su parte, el cantante Ariel Meregone se desenvuelve correctamente tanto en las partes más agresivas como en las secciones lentas. Para el final del álbum quedan la melodía amable de “Contraflor al resto” y el cover punk de “Ellos dicen”, un clásico de La Polla Records, muy bien interpretado por el combo de Mataderos.

Con letras que incitan a no bajar los brazos y critican fuertemente a los que estupidizan a la sociedad, Revancha logra un buen trabajo de rock duro, con impronta metalera pero que no deja de lado los arreglos sutiles.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Binaural - Detras de la linea del mar (14-03-11)

2011-05-18T09:57:00.003-03:00

Detras de la linea del mar

Interesante disco debut para Binaural.

Binaural se define en su página web como una banda indie pero si alguien sólo asocia esa palabra a lo acústico y soft, en este caso la onda viene por otro lado. Integrado por Nicolás Domínguez en Batería, Julio Vitulano en guitarra y coros y Federico Beber en voz y guitarra (a los que se suman el bajista Fabio Romero y el productor Pichu Serniotti en la grabación) el grupo destila influencias que atraviesan el pop y el grunge. El disco golpea de entrada con las violas potentes, bien al frente de “Verbo” y en “Nuevo mar” muestran una faceta más amable y radial al igual que en el buen corte de difusión “Luz sin fin”. “Perfume eléctrico” y “Kamikaze” dan cuenta del ida y vuelta entre lo pesado y lo tranquilo que se da a través de todo el álbum, algo característico en las producciones de Pichu Serniotti ya desde sus épocas de Cabezones. La parte vocal también muestra un interesante cuidado tal como se escucha en la constante interacción entre Federico Beber y Julio Vitulano.Por su parte, el arte del álbum gira en al título del mismo y las fotos muestran distintos peces que habitan en las profundidades marinas mezclados con imágenes de los músicos en plena grabación.

En nueve temas, Binaural logra un buen disco debut con atrayentes pasajes pop y mucha furia guitarrera.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Perro Ciego - Pelafustan (22-02-11)

2011-05-18T09:54:00.002-03:00

Pelafustan

Perro Ciego presenta su cuarto disco de estudio.

Con varios años en la ruta, los salteños de Perro Ciego encuentran en Pelafustán una saludable madurez. El disco empieza con el tandem “Amanecido” – “Dejó de llover” que parece ubicar a la banda en la línea de rock stone trillado tan común en estos tiempos. Sin embargo, a partir de “Singular” el grupo empieza a levantar vuelo con buenas dosis de rock and roll, mid tempos melancólicos (“Dos jardines”) y mucha onda funk como lo demuestran “Olas” y “Pelafustán”, en donde los vientos aportan buenos arreglos.
“Perdidos” recuerda al rock and roll clásico (el cual tiene en Blues Motel uno de sus principales exponentes), con las guitarras del cantante Marcelo Dique y Martín Aguilera entrando y saliendo constantemente y Leandro Escobar aportando su precisa armónica. También vale destacar la inclusión de Mario Teruel de Los Nocheros quien suma su guitarra española en varios temas derribando así cualquier barrera entre el rock y el folklore.
Sobre el final, la banda liderada por el bajista Carlos Vega saca a relucir toda su crudeza en temas como “Tu alegría” y “Boggie del Café”, mostrando así ser buenos aprendices de rock tradicional.

El cuarto disco de Perro Ciego va de menor a mayor y termina consolidándose como un buen exponente de rock and roll.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Contravos - Contravos (15-02-11)

2011-05-18T09:51:00.002-03:00

Contravos

En su disco debut, Contravos aporta un poco más de reggae a la abundante escena local.

Nacido como un proyecto solista del tecladista Marcelo Telechea, cuando éste vio la necesidad de tocar sus temas en vivo decidió convocar a distintos músicos y así fue como Contravos se convirtió en una banda integrada por Gabriela Jurado (voz y saxo alto), Maximiliano Papa (bajo), Maximiliano Calello (guitarra), Pablo Loban (batería) e Isabel Vargas (coros) que ahora edita su disco debut homónimo.Musicalmente se plantan en el reggae y desde allí se mueven un poco entre el ska (“Contravos”), el dub (“Buscando la paz”) y el roots. La voz de Gaby Jurado transmite mensajes positivos, de paz y comunión y se amolda a lo que el resto de la banda entrega: un excelente trabajo de arreglos y teclados de parte de Marcelo Telechea, una base sólida entre el bajo y la batería y unos interesantes aportes del guitarrista Maximiliano Calello. En su costado exclusivamente reggae el grupo puede atravesar ritmos lentos como en “Revolución”, alcanzar clímax fumones (“Camino”) o incluso en “Hoy ya no hay dudas” acercarse a melodías más alegres. De esta manera, en los diez temas que integran el álbum Contravos muestra su manera de entender un género que está demasiado de moda en nuestro país y que, debido a esto, resulta complicado encontrar una banda que supere la homogeneidad en que suele caer la escena local.

Contravos representa un buen debut para el grupo liderado por Marcelo Telechea y Gaby Jurado. Tomando como base al reggae, el sexteto tiene buenos momentos musicales y se anima también al ska.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Blues Motel - N/D Ateneo (02-04-11)

2011-05-18T09:45:00.003-03:00

La otra garra

Blues Motel presentó Siglo Desastre en el ND Ateneo.

El sábado por la medianoche Blues Motel arribó nuevamente al precioso N/D Ateneo para mostrar en sociedad su décimo álbum, Siglo Desastre (2010). Luego de un par de ciclos acústicos sobre finales del año pasado, la banda liderada por el cantante Gabriel Díaz y el guitarrista Adrián Herrera regresó al formato eléctrico en una noche en donde quedó demostrada una vez más la vigencia del grupo.Apenas pasadas las doce, el sexteto que completan Nacho Piedrabuena en segunda guitarra, Ariel Herrera en bajo, Sebastián “El perro” Voyatjides en teclados y Maxi Larreta en batería salió a escena con la premisa de dar a conocer Siglo Desastre de principio a fin. Así fueron pasando en orden las doce canciones que integran el disco, desde “Cien veces por día” hasta llegar a “Buscando el don”. Se destacaron principalmente “Cuando el tiempo se detenga”, con su riff setentoso, “Parece mentira”, con una gran parte instrumental en la que Voyatjides se lució con el Hammond y “Piso en falso” que promete convertirse en un clásico más.En esta primera etapa, el público escuchó atentamente y festejó los temas más rockeros como “Andanzas” pero la verdadera algarabía se vivió luego del intervalo cuando llegaron los recuerdos. “Good times, bad times” de Led Zeppelin sorprendió a más de uno y sirvió para engancharla a “Tus minis”, un histórico perteneciente a Un tajo en la oreja (1998). La infaltable “Ángel”, acompañada de “Esperando morder” y “Rock and roll en la carretera” fueron de las más coreadas antes del final con una trilogía emocionante: “La mañana después”, “El indio” y “Brujos”.

En dos horas de show, Blues Motel presentó su décimo disco de forma completa y luego sacó a relucir su experiencia con varios clásicos que siguen confirmando por qué es una de las mejores bandas de rock and roll del país. La ocasión también sirvió para comenzar a vender un EP con cuatro temas que quedaron afuera de Siglo Desastre y que se consigue únicamente en los recitales del sexteto.

Christian Alliana para www.elbondi.com

2011-02-04T07:43:00.000-03:00

Los Mejores Recitales del 2010

Los Enanitos Verdes - Teatro N/D Ateneo (13-09-10)

Eso de que nadie es profeta en su tierra, Los Enanitos Verdes lo habrán escuchado muchas veces. Sin embargo, a la gente que llenó el N/D Ateneo en Agosto para ver al grupo liderado por Marciano Cantero, esto poco le importó ya que gozó de principio a fin con una banda que suena impecable y que pone su experiencia al frente de todo. Hits y no tanto se sucedieron en una gran noche que sirvió para recordar que Los Enanitos son tan argentinos como el dulce de leche.

Cobertura completa y fotos: http://www.elbondi.com/musica/2010-09-10.4701/cobertura.php?cobertura=4701

Chau Pekin - La Trastienda (24-04-10)

En algún momento iba a pasar...tantos años de remarla en el under iba a traer su reconocimiento. Y eso sucedió el 24 de abril cuando Chau Pekín llegó a La Trastienda para presentar su disco debut, Las horas no pasan lentas, y confirmar que son cosa seria. Con una puesta de escena excelente, que incluyó un cambio de vestuario para que los integrantes del grupo emularan a la vecindad del Chavo del 8, la banda de Villa Crespo brindó un gran show en un gran año para ellos.

Cobertura completa y fotos: http://www.elbondi.com/musica/2010-04-4.4493/cobertura.php?cobertura=4493

Los Mejores Discos del 2010

2011-02-04T07:31:00.003-03:00

Los Mejores Discos del 2010

Javier Malosetti - Ten

El debut de Electrohope, la nueva banda capitaneada por Javier Malosetti, no puede ser mejor. Un combinado de jovenes talentos se unen al ex bajista de Spinetta y le otorgan un aire renovado a su música. Con rasgos más rockeros que en sus anteriores trabajos, Malosetti entrega un disco directo, con el espíritu jazzero de siempre pero un poco más abierto a oídos no tan entrenados. Las versiones de "Money for nothing" de Dire Straits y "Disco Inferno" de The Trammps se ubican dentro de lo mejor del álbum pero también se destacan sus propias composiciones como la conmovedora "Albie & Ally".

El comentario completo en: http://www.elbondi.com/discos/2010-09-21.4712/disco.php?cobertura=4712

Los Rancheros - Estimulante

Seguramente Los Rancheros te suenen de haberlos escuchados en la primera mitad de los noventas (imposible olvidar el hit "Cuando un amor se termina") y no mucho más. Es que luego de ese boom, la banda se separó unos cuantos años pero se volvieron a juntar en 2007 y el año pasado editaron Estimulante, un nuevo trabajo discográfico. Allí el grupo se destaca en las baladas pero también muestra una performance interesante en ritmos latinos y canciones pop que lo hace digno de esta mención entre lo más destacado del año.

El competario completo en: http://www.elbondi.com/discos/2010-09-28.4718/disco.php?cobertura=4718

Percobarocho – Condicionando al destino

La combinación de buenas letras, grandes canciones y rock poderoso suele ser letal. Si a eso se le suma que esas canciones vienen incluidas en un ingenioso packaging, la oferta es casi irresistible y eso es lo que pasa con el tercer álbum de Percobarocho. Un destacado trabajo de producción y melodías bien al frente hacen que valga la pena prestarle atención a este disco y a esta banda.

El comentario completo en: http://elbondi.com/discos/2010-10-25.4773/disco.php?cobertura=4773

La Buenos Ayres Blues Band – Escondido

¿Quién dijo que el blues está perdido? La Buenos Ayres viene a ofrecer su corazón. Y sí, a pesar de que tuvieron que pasar diez años para que plasmen su música en un disco, finalmente La Buenos Ayres Blues Band hizo su debut a lo grande. Si te gusta el blues, Escondido te va a encantar y si no sos amante de ese género, acá tenes una buena puerta de entrada. Y no te pierdas de prestarle atención a las letras porque allí reside un gran atractivo.

El comentario completo en: http://www.elbondi.com/discos/2010-12-16.4844/disco.php?cobertura=4844

Critica de disco Hadobaco - Espíritus del camino (22-12-10)

2010-12-30T07:52:00.002-03:00

Espíritus del camino

La banda de nombre mitológico hace su debut con un álbum de guitarras fuertes.

Cuenta la historia que el nombre Hadobaco proviene de dos dioses mitológicos greco-romanos: Hades, el Dios de los muertos y Baco que es el Dios tracio del vino, quien además tenía influencias sociales y beneficiosas. Y la banda en su trayectoria ha tenido que lidiar con duros golpes que podrían haberla hecho desaparecer (la muerte de su primer líder y cantante fue uno de esos golpes) pero supo renacer hasta quedar conformada por sus actuales integrantes quienes este año grabaron Espíritus del Camino, su debut discográfico.
Luego de una introducción espacial, las guitarras pesadas de Nicolás Collebechi y Alejandro Savisky dan comienzo a “Chacal” y marcan el hilo conductor de todo el disco. En “Sueños y realidades” aparecen los riffs junto con los punteos con el wah wah que terminan de condimentar ese rock duro que Hadobaco lleva adelante. “Ellos, los dignos” junto a “Ya no más” sirven para bajar un cambio, reforzar la voz de Hugo Hanzel con coros y ponerse un tanto más climáticos.
La crítica a la política imperialista yanqui se hace carne en la oscuridad de “Imperio” mientras que en “Arancha” la letra relata las aventuras de una mujer sin muchas pretensiones. Las acústicas mandan en “Te dejaste llevar”, lo más parecido a una balada que tiene el álbum, y se diferencian claramente de las dos partes eléctricas de “Soledad” y las guitarras combativas de “Mundo tomado”. El final llega con el tema que da título al disco y que muestra a la banda en un plan más íntimo e introspectivo.

Espíritus del camino es un álbum de guitarras duras, con cercanía al metal e ideal para los amantes del hard.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Heroes del Asfalto - Enfermo de Rock (20-12-10)

2010-12-30T07:44:00.002-03:00

Enfermo de rock

Héroes del Asfalto enciende su motor a bordo del viejo carro del hard rock.

Si decimos que el nombre de la banda proviene de un tema de Riff y el baterista golpeaba los parches en dicho grupo, ya tenemos resuelto el 90% de la incógnita que nos puede representar Héroes del Asfalto. Sin embargo, sería injusto decir que la actual agrupación liderada por Michel Peyronel es una copia de Riff ya que en Enfermo de rock se animan a explorar algunos otros estilos aunque sin apartarse mucho del hard rock que identifica al ex ladero de Pappo.
En la trilogía del comienzo integrada por “Sin salida”, “Enfermo de rock” y “Coctel de redención”, los Héroes del Asfalto siguen la línea del clásico rock rutero: guitarras entrecortadas, letras que hablan de motos y chicas y una crudeza que permite imaginar a la banda en vivo. Hasta allí no hay muchas novedades pero a partir de “Rita dinamita” la cosa comienza a versatilizarse un poco más, allí aparece un tratamiento un tanto más pop y hasta aires reggae. Las acústicas marcan el comienzo de “Vuelvo a Marte”, una prolija balada eléctrica, mientras en “Noches blancas en la Nueva Havana” se atreven a imaginar una nueva era de manipulaciones genéticas.
“Bienvenida a mi pasado” sorprende por la inclusión del bandoneón, “Hombre de la frontera” contiene una de las mejores letras del álbum y “Por la Ruta 40” es un rock and roll clásico homenaje a la legendaria ruta que une todo el país de norte a sur. En “Desorientado” el grupo que completan Juan Tarjan en voz, Ponch y Jean-Jacques Peyronel en guitarras y Garfield Candenas en bajo se despacha con un estupendo blues al que el saxo invitado de Pablo Puntoriero le aporta sensualidad. Sobre el final aparece “Amante desalmado” un viejo tema de Riff, con música de Pappo, que permanecía inédito.

El primer disco de Héroes del Asfalto sienta sus bases en el hard rock y desde allí se expande por momentos hacia terrenos más amplios como las baladas y ciertos arreglos tangueros y reggaes.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco La Buenos Ayres Blues Band - Escondido (16-12-10)

2010-12-30T07:41:00.002-03:00

Escondido

Fiesta de blues local en el primer disco de La Buenos Ayres.

Oriunda de Lomas de Zamora, La Buenos Ayres Blues Band es una banda con diez años de existencia y un gran rodaje en el under que incluye presentaciones junto a grandes artistas del blues local como La Mississippi y Las Blacanblus. En Escondido, su primer disco, el grupo saca a relucir su experiencia en doce temas con un gran trabajo de producción y letras picantes que retratan la vida urbana y los vaivenes del amor.
Lo primero que se destaca en Escondido son los vientos a cargo de Mauro Rodríguez y Matías Mazzucco ya que cumplen un importante papel en todo el álbum, al frente en temas bluseros como “No sabes” o más rockeros como “Te invito a bailar”. Las influencias boogie dicen presente en “El desocupado” mientras que la sensualidad de bar nocturno llega acompañada de la armónica de Federico Rodríguez en “La piedra”.
La voz invitada de Silvana Yaques se luce en “El único remedio” donde la banda se acerca un poco al jazz y Maxi Hermosilla desgarra su guitarra en el solo de “Parque otoñal”. Las letras son un gran atractivo ya sea pintando un clásico paisaje barrial en “Mi barrio”, anhelando el amor en la acústica “Necesito” o bien retratando el ambiente cabaretero de Constitución (“Trece pesos”).

La Buenos Ayres brinda un buen puñado de canciones bluseras en su primer disco y se destaca por sus letras urbanas y cotidianas. La vasta experiencia de la banda se hace notar en la producción y corona así un gran debut.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Lumbre - El nido de los ojos y el oido (06-12-10)

2010-12-09T08:54:00.002-03:00

El nido de los ojos y el oído

Lumbre presenta un disco experimental en el que combinan poesía y sonidos.

La historia de Lumbre comienza en el 2001 cuando se disuelve El Negro y su maquinita de afeitar y los mismos integrantes comienzan una nueva etapa bajo otro nombre y otro concepto. De esta manera, Oke, Christian Stella y Elvio Antonaccio editan en 2007 el primer disco, Bajo la avenida hay un río, mientras continúan con las presentaciones en vivo. Luego del alejamiento de Oke, ingresa Hernán Calvo Pardo y la banda queda definitivamente establecida para grabar su segundo álbum, El nido de los ojos y el oído, integrado por diez canciones de corte experimental.
A lo largo de la placa dominan los sonidos experimentales sobre los que la banda se acopla en algunos casos poniendo al frente la voz (“Mil poemas”) y en otros, saliendo adelante con guitarras eléctricas como en “Caminata virtual”. Aires lúgubres, influencias hindúes y hasta reminiscencias spinetteanas aparecen en “Pies maderosos”, “Día” y “Kamikaze” respectivamente. “El viento que pasa” es un instrumental que conecta bien con “Traigan un poco de amor” donde asoman tintes jazzeros.
Por su parte, las letras hablan tanto de cuestiones existenciales como de amor, y en “Homenaje a Tupac Amaru” se permiten recordar e invocar al gran luchador inca. La poesía es parte central de El nido de los ojos y el oído, ya que las palabras cumplen una función primordial en cada tema.

El segundo disco de Lumbre se caracteriza por explorar sonidos experimentales y por su poesía que convierten al álbum en una interesante extrañeza y abierta sólo a aquellos oyentes ávidos de material distinto, alejado de toda veta comercial.

Cobertura Adicta - N/D Ateneo (03-12-10)

2010-12-09T08:50:00.001-03:00

Pop Art

Adicta festejó sus diez años en el N/D Ateneo

El pasado viernes a la medianoche, Adicta festejó una década de vida junto a sus seguidores en el teatro N/D Ateneo. Y si bien al llegar al recinto en la boletería se podía leer un cartel anunciando que ese día no iba a estar disponible el nuevo disco de la banda, esto no empañó en lo más mínimo la celebración. El público heterogéneo que sigue al grupo brindó su buena predisposición en todo momento y aportó lo suyo desde abajo.
“Love me” fue la encargada de abrir el show a puro pop para que luego “Allí estaré” pusiera a todos los presentes de pie e incluso invite a la mayoría a abandonar sus lugares y olvidarse por un rato de los estrictos reglamentos teatrales. Las guitarras punzantes a cargo de Julián Fraus, el bajo grueso de Diego Rodríguez y el pulso correcto del baterista Sergio Sotomayor comenzaron a destacarse a partir de “Quise la gloria”. Pero como buena banda de pop, en Adicta lo que mandan son los teclados y las programaciones llevadas adelante por el histórico Rudie Martínez, quien junto al cantante Toto son los destinatarios de todas las miradas.
En el repaso de estos diez años, el grupo alternó canciones de todas sus épocas desde “Febo”, incluido en Shhh (2000) hasta “Antes de irme” de la placa doble Cátedras (2008). Incluso hubo lugar para un estreno: “Nadie sin ti” que será incluido en el álbum que por problemas de imprenta no pudo ver la luz el mismo día del show. Tampoco faltó el feliz cumpleaños cantado por la gente y, aunque entre tema y tema hubo muchos baches, la sensación de festejo invadió el lugar de principio a fin.

En poco más de una hora y media, Adicta dio un repaso de su década de vida ante un público incondicional que se subió al tren de la alegría pop.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Toponauta - Un dia marcado (29-11-10)

2010-12-09T08:45:00.002-03:00

Un día marcado

Los santafesinos de Toponauta lanzan su tercer disco de estudio.

Instalado en Buenos Aires desde el 2004, Toponauta nace como trío en el 2001 en la ciudad de Santa Fe y cuenta con dos discos y un EP en su haber. Un día marcado es su tercera placa discográfica y allí, el ahora cuarteto integrado por Francisco Cantero en voz y guitarra, Cesar Cantero en bajo, Sebastián Furman teclados y Sebastián Quintanilla en batería muestra una faceta pop rock con buenos arreglos instrumentales y de voces.
El comienzo con “Ladrón” va dando señales del camino que transitará el disco: melodías pop y programaciones apoyando las bases se suceden en los tres minutos que dura el tema. El álbum también cuenta con un par de hits ocultos, de esos que pueden servir para musicalizar series de televisión, como “Mi Karma” (no casualmente compuesta para el corto Tema de otro de Leanza y Tomiozzo), o bien para sonar en cualquier radio como “Abro la herida”, que cuenta con un gran trabajo instrumental.
Las guitarras rockeras asoman en “Caracolas” mientras que la pasividad llega con “Jardín de oro”, de cepa spinetteana, y “En llamas”, de interesante estirpe jazzera. La influencia beatle se hace presente en “El ombú” y “Un día marcado” en donde se aprecia un minucioso cuidado en los arreglos.

La tercer placa de Toponauta se destaca por un detallista trabajo de producción que realza aún más los temas de impronta pop.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Las Trampas de Lily - Todo de nuevo (15-11-10)

2010-11-16T09:03:00.002-03:00

Todo de nuevo

Las Trampas de Lily transitan el camino de la canción folk-rock en su tercer disco.

Nacido hace casi diez años en la ciudad de Río Gallegos, provincia de Santa Cruz, Las Trampas de Lily es un grupo que se asienta en las bases del rock y desde allí se deja llevar hacia distintos matices que pueden incluir el folk, la balada y hasta el punk entre otros. Con dos discos bajo el brazo (La calle que brilla de 2005 y Escucho las voces de 2007), este año el cuarteto integrado por Miguel Jancich en guitarra y voz, Duffy D en bajo, Marcelo Merlino en teclados y Fernando Jasen en batería editó Todo de Nuevo, producido artísticamente por Ulises Butrón.
Estas diez nuevas composiciones se reparten en apenas media hora como si hubiera una urgencia por escupir sentimientos casi sin descanso. Es que las letras retratan historias de amor desafortunadas, casi siempre en primera persona, que buscan la identificación en el oyente. Por su parte, la música ambienta esas historias con sonidos folk en donde las guitarras acústicas y los teclados y hasta las circunstanciales armónicas adquieren un papel primordial. Las guitarras eléctricas, procesadas en varios casos por distintos efectos, le dan a los temas el infaltable toque de energía.
“A veces no alcanza”, “La fiebre” y “Todo de nuevo” son las mejores representantes del disco, en donde se reúnen los distintos matices pero sin dejar de lado el costado más rockero del grupo. En el tema que cierra el álbum, “La cadena”, los de Río Gallegos se ponen aún más intimistas y reflexionan sobre la rutina en la que vivimos en una balada interpretada por el piano y la voz.

En Todo de nuevo, su tercer trabajo discográfico, Las Trampas de Lily expresan melancolía y desamor y lo conjugan con toques folk que también se combinan con guitarras rockeras.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Paul McCartney - Estadio River (11-11-10)

2010-11-16T08:58:00.003-03:00

Magical mistery Paul

Paul McCartney regresó a la Argentina luego de diecisiete años y brindo dos conciertos memorables. El Bondi estuvo el jueves en la cancha de River y te cuenta todo lo que pasó.

Como esos sueños que uno anhela y parece que nunca van a llegar pero finalmente se hacen realidad, así se vivieron los dos conciertos que ofreció Paul McCartney su segunda visita al país. Luego de su primera presentación el miércoles por la noche, el fervor por el ex beatle no decayó en ningún momento y más de cuarenta mil personas se juntaron nuevamente el jueves en la cancha de River para ver al mito viviente que representa este señor inglés, considerado uno de los compositores más importantes de la historia.

Pasadas las siete y media de la tarde, subió a escena el ex cantante de Los Piojos, Andrés Ciro Martinez, junto a los guitarristas de su nueva banda, Los Persas, para interpretar un par de temas en formato acústico. Ante un público que lo respetó pero que no se interesó demasiado en el set, Ciro entonó algunos clásicos de su ex grupo como “Al Atardecer”, “Amor de perros” y “Tan solo”, además de “Insisto” y “Noche de hoy”, pertenecientes a su etapa actual solista. En media hora, el cantante cumplió un nuevo sueño como aquella vez de 2006 que, junto a Los Piojos, teloneó a los Rolling Stones.
Pasado el crédito local, ahora sí ya estaba todo listo para el show de Paul McCartney, que se hizo presente a las nueve y cuarto de la noche y luego del correspondiente saludo arrancó el show quemando naves con “Magical Mistery Tour”. Ahí nomás, pegadita, sonó “Jet” y otra gema beatle, “All my loving”, que sirvió para preguntarse nuevamente cómo hace para cantar así de afinado mientras realiza ese histórico walking en el bajo. Como no podía ser de otra manera, Sir Paul alternó temas de sus distintas etapas e intercaló potencia (“Drive my car”, “Live and let die”) con tiernas baladas como “The long and winding road” y “My love” entre otras.
También hubo espacio para los homenajes comenzando por “Purple Haze” de Hendrix sobre el final de “Let me roll it”, seguido por “Give peace a chance” de John Lennon enganchada a “A day in the life” y el recuerdo de George Harrison en la excelente versión de “Something” con ukelele incluido. Y la nostalgia fue uno de los principales motivos por los cuales gente de distintas edades se acercaron a River para emocionarse hasta las lagrimas con himnos como “Eleonor Rigby”, la abolerada “And I love her” y las acústicas “Blackbird” y “Yesterday”.
Con un buen sonido (a veces condicionado por el intenso viento) y un gran juego de luces, la banda integrada por Rusty Anderson y Brian Ray en guitarras, Paul Wickens en teclados y el carismático Abraham Laboriel Jr. en batería fue el soporte ideal para que Macca sienta sus espaldas bien cubiertas e interactúe con el público en un español guionado que le sirve para meterse a todos en el bolsillo (como si hiciera falta) con frases como “ustedes son buena onda” o “estamos muy contentos de estar nuevamente acá”.
Y como toda gran fiesta merece un final a toda orquesta, Paul se encargó que esto sea así regalando ocho temas seguidos de Los Beatles entre los que se encontraron “Hey Jude” (y el “nananaranana” coreado por absolutamente todos los presentes), el riff mortal de “Day Tripper”, el proto heavy metal “Helter Skelter” y la versión reprise de “Sgt. Pepper” junto a los temas finales del disco Abbey Road.

A sus 68 años, Paul McCartney volvió a la Argentina para brindar un concierto antológico, de esos que uno nunca quiere que terminen y que son una caricia al alma. Con canciones de su etapa solista y los infaltables clásicos de Los Beatles, el bajista inglés repasó durante casi tres horas buena parte de su carrera dejando a los presentes con la sensación de haber sido parte por un momento de un pedazo grande de la historia de la música.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotografo: Beto Landoni

Critica de disco Esonoes - Aun (01-11-10)

2010-11-16T08:45:00.003-03:00

Aún

El disco debut de Esonoes se distingue por sus distintas paletas sonoras y la búsqueda constante del clima perfecto.

En el 2004, el contrabajista Lisandro Fiks, el baterista Emanuel “Kiki” Gaggino, el guitarrista Santiago Lesca y el tecladista Agustín Insausti tenían un grupo, Papanegra, marcado por una impronta rockera y que tuvo la oportunidad de grabar una versión de “Cantata de puentes amarillos” de Luis Alberto Spinetta en Una celebración del rock argentino, el box set dirigido por Litto Nebbia y que recién vio la luz este año. En el 2008 Santiago Lesca dejó la banda y, a partir de allí, el resto de los integrantes, focalizándose en la utilización de nuevos recursos sonoros que permitan explotar aún más su condición de multiinstrumentistas, forman Esonoes.
En Aún los arreglos de cuerdas y vientos son una constante como así también las diferentes atmósferas por las que atraviesan los temas. De un arranque pop rock guitarrero como “Irreal” pueden pasar a un clima intimista con predominio total del piano como en “Donde aclara” o “La liebre”, donde el que manda es el violín. Dentro del amplio abanico por el que se mueve Esonoes, también hay espacio para un pseudo bolero con influencias tangueras (“Quién”) y un gran blues llamado “Me puso blus”.
Si bien el disco se caracteriza por canciones en las que intervienen distintas paletas sonoras y cada arreglo parece cuidado a la perfección, el trío no se olvida de sus orígenes rockeros y se despacha con “Adentro”, un rock and roll crudo. El pop vuelve de la mano de “Espiral” y el rockabilly “Elefante rosa”, que se destaca por el juego de voces, pone punto final al álbum.

Esonoes ofrece en Aún un interesante primer disco en el cual se mezclan elementos de pop, rock, tango y jazz, todos hilvanados por cuidadosos arreglos y una amplia instrumentación.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Percobarocho - Condicionando al destino (25-10-10)

2010-11-16T08:41:00.003-03:00

Condicionando al destino

La suma de grandes canciones, buenas letras y rock maduro da como resultado el tercer disco de Percobarocho.

Diez años pasaron desde la formación de Percobarocho en la ciudad de Avellaneda y luego de dos discos en el camino, en este 2010 editaron Condicionando al destino cuya portada y arte interior homenajea al histórico Bar El Progreso de Barracas. Además el packaging se destaca por tener la posibilidad de convertirse en almanaque y contener una completísima ficha técnica, además de las letras.
En el plano musical, la banda integrada por Fernando Rimmaudo en voz y guitarra, Martín Rodríguez Monti en guitarra, Gonzalo Zapata en bajo, Matías Dhers en armónica, Anibal Buonarcorso en teclados y Facundo D´Angelo en batería hace hincapié en un rock sólido, en algunos momentos crudo y en otros más tranquilo. Pero si hay algo que nunca desaparece en los doce temas del álbum es el cuidado por la canción, destacándose así las melodías y la función de cada instrumento.
El álbum arranca a toda máquina con el riff de “Sin rumbo” y un interesante trabajo de guitarras. “Guardianes de turno” sigue ese camino con una buena línea melódica en la voz y el agregado de la armónica junto al piano. En “Nada” aparece un aire más denso acentuado por la voz de Anibal Buonacorso y los coros casi líricos que aporta la invitada Joana Gieco mientras que Matías Dhers se pone al frente del micrófono en “Así es la vida” y coquetea con un fraseo cercano al rap.
Percobarocho también muestra su costado sensible en temas como “El progreso”, dedicado al bar homónimo, y “Vacíos conocidos”, una canción ideal para que las chicas se suban a los hombros de conocidos y extraños en cada show del grupo. En “Brazos equivocados” los vientos formados por Franco Boroccioni en saxo tenor y Lucas Colamussi en trompeta suman potencia mientras que en “Para todos” y “Tu mundo” los arreglos de cuerdas imprimen tensión y acompañan de manera épica el cierre del disco.

En Condicionando al destino Percobarocho demuestra que es posible hacer rock con buenas melodías, letras interesantes y un buen trabajo de producción.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco La Ponderosa - Sigo, sigo, sigo (25-10-10)

2010-11-16T08:39:00.003-03:00

Sigo, sigo, sigo

La Ponderosa apunta al rock and roll directo en su segundo material discográfico.

Nacida hace diez años en Berazategui, La Ponderosa es una banda que comenzó su historia interpretando covers de grandes artistas del rock nacional e internacional como Pappo, Sumo, The Beatles, Eric Clapton, Bob Dylan y The Rolling Stones. En 2001 el grupo grabó su primer álbum homónimo y este año registró Sigo, Sigo, Sigo con su nueva formación: Marcos Ferreirone en voz, guitarra y coros; Federico Varela en primera guitarra, voz y coros, Maximiliano Kucharski en bajo y coros, Gustavo Núñez en armónicas y Mariano Assad en batería.
El disco atraviesa distintas vertientes pero siempre bajo el paraguas del rock and roll. En casi cuarenta minutos coexisten la crudeza del rock más directo (“Algo de mí”, “Resulta que”) con vertientes country (“Calavera de la noche”) y pinceladas cancioneras de la escuela Calamaro (“Jueves santo”, “Otra vez”). Las guitarras se mantienen bien al frente interactuando continuamente entre ellas y la armónica se suma como refuerzo en varias ocasiones como ocurre en “Noche de gloria”.
Lo más destacable llega cuando la banda se aleja de la influencia directa de los Stones y se acerca al folk dylaniano ya que allí logra muy buenos resultados (“El tren pasó”). Por su parte, las letras reflejan situaciones cotidianas que mezclan el barrio, los amores y algunos vicios aunque por momentos esto hace que caigan en lugares comunes.

El segundo álbum de La Ponderosa reafirma el camino del rock and roll que toma el grupo y encuentra sus mejores momentos en los pasajes folk.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco La Saga de Sayweke - Hipnotico Affair (18-10-10)

2010-10-25T10:56:00.002-03:00

Hipnótico Affair

La Saga de Sayweke regresa con un interesante giro en su carrera.

Es muy raro encontrar en Argentina bandas que se dediquen completamente a la experimentación artística sin importarles cual es la tendencia del mercado para poder vender más y alcanzar el éxito. La Saga de Sayweke es uno de esos grupos que, desde sus comienzos en 1993, siempre se mantuvieron al margen de lo establecido, transitando un camino paralelo que los lleva a hacer siempre lo que se les da la gana.
En todos estos años de trayectoria editaron cuatro discos y un EP y cambiaron de formación varias veces. Sin embargo, Claudio Quartero, bajista y líder histórico del combo platense, nunca claudicó a su proyecto y desde 2004 decidió que era hora de dejar las palabras de lado dejándole así el camino a la música instrumental. Hipnótico Affair es el primer paso en esta aventura y, según la propia banda, “es el más anárquico de los CD que hemos hecho por haber logrado hacer de nuestro talento una profesión”.
En poco más de media hora, La Saga te invita a pasear por distintas texturas sonoras y estados de excitación (“Ultravioleta”) mezclados con tensas calmas. Guitarras acústicas dan toques más soft mientras que hay un gran uso de las programaciones, que van y vienen a lo largo de todos los tracks imprimiendo sonidos progresivos y floydianos. Partiendo de la premisa de que para ellos lo neurótico, insomne y patético se convierte en canción, los platenses profundizan una búsqueda que va más allá del rock, llegando a intrincadas fusiones que pueden incluir canzonettas (“Décimo primer barroco”) y coqueteos folklóricos (“Nostalgias de etanol”).
El tándem integrado por Claudio Quartero (encargado de todos los instrumentos armónicos) y Leandro Sánchez (encargado de todos los instrumentos percusivos), únicos músicos que grabaron el álbum, logra su mejor entendimiento en “Con mis ojos”, una bonita canción con exquisitos violines y grandes colchones de teclados, todo sostenido por una interesante base rítmica. El único link a la vieja etapa de la banda aparece en “Tullido apasionado”, que es una reminiscencia a “El tullido”, tema aparecido en Antes (1998).

Hipnótico Affair es un disco prácticamente inclasificable, de esos que los críticos prefieren esquivar ya que no se amoldan a nada establecido y se alejan de cualquier etiqueta. Y allí reside su valor, porque no sólo es un outsider musical sino que contiene interesantes experimentaciones, ideales para ser escuchadas con auriculares (¡hagan la prueba!). Así que joven argentino, ¡adelante!, despójate de tus ideales conservadores y atrévete a esa aventura sonora por la que te lleva La Saga de Sayweke.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Los Rancheros - Estimulante (28-09-10)

2010-10-04T07:41:00.002-03:00

Estimulante

Los Rancheros festejan su vigésimo aniversario con un nuevo disco.

Autores de varios hits durante la década del noventa, Los Rancheros pasaron por una etapa de éxito (Andrés Calamaro produjo su primer álbum) y luego se disolvieron de repente. Sin embargo, en 2007 retornaron con un compilado junto a varios invitados de renombre y en este 2010 regresan definitivamente para festejar su vigésimo aniversario con un disco de once temas propios y un cover.
En Estimulante siguen predominando las baladas y las letras de amor que caracterizaron a la banda durante todos estos años, además de una producción impecable. “Ey” y “Estimulante” respaldan esta afirmación, con sus tempos lentos, las guitarras rítmicas algo distorsionadas y el infaltable acompañamiento del piano. Sin embargo, no todo es soft en el mundo ranchero y prueba de ello es “Bizarro”, con sus punteos cinematográficos, casi surfer, y una historia marginal que involucra enfrentamientos con la policía y cigarros de marihuana.
En toda celebración no pueden faltar los invitados por lo que Litto Nebbia se suma para cantar una linda versión de su clásico “Rosemary”, Leo García hace lo propio en “Navegar” y Marciano Cantero de Los Enanitos Verdes aporta su voz en “Adivinaré” en donde se destacan los arreglos de cuerdas. En “Parabrisas”, la banda liderada por Meno Fernández incursiona en la cumbia con una importante presencia de la percusión y el “Bolero lento” expande esa búsqueda de ritmos latinoamericanos.
“Hablaba de él” y “El disfraz” retoman las historias de amor al tiempo que “Palabras” atraviesa el pop antes de llegar al final melancólico de “Adiós Mickey Mouse”. El arte del disco se destaca por dar la posibilidad de tener un propio portarretratos ranchero y además por jugar con la idea bíblica de la tentación ya que la tapa simula ser una manzana pero cuando uno saca el cartón que la protege aparece el torso húmedo y desnudo de una señorita.

En su primer álbum con temas nuevos luego de una década, Los Rancheros vuelven con un disco cargado de buenas baladas y canciones que se destacan por su excelente producción.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Almafuerte - En vivo Obras (28-09-10)

2010-10-04T07:36:00.003-03:00

En vivo Obras

Almafuerte amplía su discografía con un nuevo disco en vivo.

En quince años de historia Almafuerte grabó once discos, de los cuales cuatro son en vivo. Con semejante productividad, estos álbumes en directo funcionan como actualización del momento de la banda y no persiguen la novedad sino simplemente reafirmar por qué el grupo se ganó el mote de “lo mejor del heavy nacional”. Y justamente esa frase es la que pronuncia el presentador del show en el comienzo del recital llevado a cabo el 10 de mayo de 2008 y que quedó inmortalizado en este En vivo Obras (que también se consigue acompañado por el primer DVD de la banda).
En esta nueva producción no faltan los clásicos de siempre como la historia suburbana de “El Pibe Tigre”, el himno existencialista “Sé vos” o la hermandad de “A vos amigo”. Tampoco están ausentes las canciones que los seguidores del grupo liderado por el cantante Ricardo Iorio hacen propias como “Todo es en vano, si no hay amor” y Debes saberlo”.
Por su parte, En vivo Obras confirma una vez más al guitarrista Claudio “Tano” Marciello como el motor musical de Almafuerte. Su sonido pesado y crudo se aprecia constantemente (“Yo traigo la semilla”, “Triunfo”) pero su versatilidad le permite también ponerse sutil y melódico (“Toro y Pampa”) e incluso despacharse con un instrumental incluido en uno de sus discos solistas (“De pie”). Por su parte, la base rítmica integrada por el bajista Beto Ceriotti y el baterista Bin Valencia suena sólida, aguantando desde atrás la potencia característica del grupo.
“Homenaje”, “De la carne” y “Sirva otra vuelta pulpero” completan este álbum que viene con un booklet ilustrado con excelentes fotos del concierto y que encuentra su verdadera razón de ser en la versión acompañada por el DVD del show.

En su cuarto disco en vivo Almafuerte repasa nuevamente sus clásicos y agrega temas de su última etapa.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Javier Malosetti - Ten (21-09-10)

2010-09-22T08:22:00.002-03:00

Ten

Javier Malosetti presenta su último disco solista en su mejor momento.

El año pasado el bajista Javier Malosetti decidió darle un nuevo rumbo a su carrera al cambiar a los músicos que lo acompañaron hasta ese momento y dándole también un nuevo giro a su música. De esa manera, el trío que integró durante varios años junto al tecladista Hernán Jacinto y al baterista Oscar Giunta llegó a su fin y le dio paso a su nueva banda, Electrohope, formada por Hernán Segret en bajo y guitarra, Nicolás Raffetta en teclados, Tomi Sainz en batería y Damián Carballal en percusión.
La inclusión de estos jóvenes talentos caló hondo en el espíritu de la música de Malosetti, quien dejó de lado su veta más jazzera para adentrarse plenamente en caminos más rockeros y bluseros, sin olvidarse del funk y la fusión. Desde el comienzo con la personal versión de “Disco Inferno”, clásico de The Trammps, el trabajo del ex bajista de Spinetta ya suena renovado, con fuerza y con nuevos timbres sonoros. La incorporación de Hernán Segret también le permitió a Malosetti liberarse por momentos del bajo y dedicarse cada vez más a la guitarra como se oye en “Memorie del treno”.
A lo largo del disco, hay temas dedicados e inspirados en distintas personas como “El Benja”, donde participa Julian Malosetti en Garrahand, la preciosa “Albie & Ally”, dedicada a sus gatas y “Delpo” en homenaje al tenista Juan Martín del Potro, estas dos ultimas con la colaboración de Gillespi en vientos y un gran trabajo de Nicolás Raffetta. Por su parte, “Juguicho” invita al baile dulzón y contrasta con el medley que comienza con “Abide with me”, sigue con “Two rails” y termina en “Dance of Maya” de la Maravishnu Orchestra e invita más a la escucha que al movimiento.
“Money for nothing” de Dire Straits adquiere perfil blusero en manos de Electrohope, que la adapta a su estilo en una versión de alto nivel y hace lo propio con “Maybe I´m Leo” de Deep Purple en una exquisita interpretación funky que muestra lo mejor de la banda. La fusión “Crazy B.” junto a la intimista “Flowers Island” coronan un álbum que se destaca de principio a fin por su elevada calidad.

Ten permite apreciar al mejor Javier Malosetti, ese que se desenvuelve por distintos géneros como el funk, el jazz y la fusión pero que con su nueva banda Electrohope se acerca al rock (musical y espiritualmente) logrando así su mejor disco.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Las Pelotas - Luna Park (11-09-10)

2010-09-15T13:44:00.003-03:00

MAS QUE UN DESEO

Las Pelotas ofrecieron un gran show en su primer Luna Park.

El sábado por la noche Las Pelotas llegaron por primera vez al Luna Park y en tres horas recorrieron buena parte de su historia. Focalizados principalmente en su producción más reciente, la primera parte del concierto estuvo dedicada a temas de esta década: “La semilla”, “Qué podés dar”, “Saben” y “Basta”. La gente, que llenó el lugar, tuvo que esperar un rato antes de desatar su algarabía aunque en todo momento se respiró un aire festivo en el ambiente, de reconocimiento constante hacia una banda que supo luchar y ganarse su lugar actual en el rock argentino.

“Ya no estás” y “Orugas” fueron las primeras que invocaron el recuerdo de Alejandro Sokol, ex cantante del grupo que falleció el año pasado, y comenzaron así un ida y vuelta entre el pasado y el presente. Antiguas canciones de la época cordobesa como “Si supieras”, “Transparente” y “Bombachitas rosas” se mezclaron con otras más recientes como las preciosas “Pasajeros” y “Personalmente”. De esta manera, también se alternaron bloques más potentes (“Capitán América”, “Desaparecido”) con otros más íntimos (en donde se destacó la bajista Gabriela Martinez cantando “Menos mal” sola con guitarra).
Por su parte, el cantante y guitarrista Germán Daffunchio se mostró más sólido en su rol de frontman gracias a la nueva incorporación del ex piojo Tavo Kupinsky en guitarra quien se suma también al otro violero Tomas Sussman. Gustavo Jove, baterista, y Alejandro Gomez, percusionista y trompetista, se encargaron de sostener la parte rítmica mientras el tecladista Sebastián Schachtel demostró una vez más que es una pieza fundamental en la rueda pelotera. Parrafo aparte merecen los reggaes que Las Pelotas interpretan de manera extraordinaria, con un entendimiento del estilo que pocas bandas nacionales tienen.
Como en toda fiesta no faltaron los invitados. Fernando Ruiz Díaz de Catupecu Machu sumó su guitarra y voz en “Si quisiste ver”, Gillespi se unió nuevamente a su ex grupo para una festejadísima “Hawai” y Roberto Pettinato, junto a Germán Daffunchio, homenajeó a Luca Prodan en una versión de “Perdedores Hermosos” y luego se quedó para “Los cinco magníficos”. El cierre llegó con “El ojo blindado” junto a todos los invitados de la noche.

En su debut en el Palacio de los Deportes, Las Pelotas dieron un muy buen concierto en el que se destacaron los momentos climáticos aunque de a ratos el orden de la lista de temas resultó algo incómodo al alternar continuamente canciones poderosas con otras más tranquilas.

Christian Alliana, exclusivo para este blog.

Foto: gentileza Beto Landoni

Cobertura Los Enanitos Verdes - Teatro ND Ateneo (13-09-10)

2010-09-14T09:09:00.003-03:00

Amores Cercanos

Los Enanitos Verdes revitalizaron el amor con su público en un demoledor show en el ND Ateneo.

El viernes por la noche, Los Enanitos Verdes presentaron en el ND Ateneo su nuevo disco, Ineditos (2010), en una sala repleta que disfrutó el show de principio a fin. Apenas pasadas las nueve de la noche, los mendocinos subieron a escena y arrancaron el concierto con “Cordillera” seguida de “Te vi en un tren”, en una versión arrolladora. Desde el comienzo, la banda liderada por los históricos Marciano Cantero (bajo y voz) y Felipe Staiti (guitarra) sacó a relucir toda su profesionalidad y se destacaron por un impecable sonido.
“Mil horas” de Los Abuelos de la Nada sorprendió a los más desprevenidos mientras que “Amores lejanos” puso a todo el público a cantar. Tampoco faltaron los hits como “Amigos” y “La muralla verde” que incluyó guiños a “Walking on the moon” de The Police. Sin embargo, en las dos horas de show los mendocinos demostraron que son un grupo que se sostiene más allá de sus éxitos y han influencia indirectamente a varias bandas argentinas y latinoamericanas. Prueba de eso fue la aparición en escena de Manuel Quieto de La Mancha de Rolando para sumar su guitarra y voz en “Tequila” y Mario Barassi de los Super Ratones, quien metió coros en “Mariposas”; todo seguido con atención por Marcelo Corvalán de Carajo desde la platea.
“Por el resto” sonó más pesada que la original y allí donde los mendocinos mostraron su costado más hard, los guitarristas Felipe Staiti, Juan Pablo Staiti y el invitado Javier Cantero jugaron a ser guitar heroes por un rato. La inclusión del experimentado Jota Morelli en la batería, tras la partida de Daniel Piccolo, no pasó desapercibida y el ex baterista de Spinetta se ganó merecidos aplausos en varios tramos de la noche.
Ya sobre el final, “Tu cárcel” fue muy festejada por las chicas presentes mientras “Lamento boliviano” fue cantada hasta por los acomodadores del teatro. Sin posibilidad de extenderse en los bises debido a una cuestión contractual de tiempo, “Guitarras blancas” coronó una noche que dejó al público pidiendo más por un largo rato.

Los treinta años de historia de Los Enanitos Verdes se vieron reflejados en un excelente show en el ND Ateneo el pasado viernes. Grandes momentos de rock y baladas fueron la combinación ideal para un concierto impecable que despertó en el público una pasión poca veces vista.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Critica de disco La Billy - Tempestades de locura (07-09-10)

2010-09-08T09:56:00.003-03:00

Tempestades de locura

El cuarto disco de La Billy se asienta en distintas combinaciones punk.

Con catorce años de trayectoria y tres discos de estudio, La Billy presenta en este 2010 su nuevo álbum llamado Tempestades de locura. En esta ocasión, la banda oriunda de Bella Vista vuelve a hacer hincapié en el punk rock pero con vertientes melódicas que sin embargo no hacen perder la agresividad innata del género.
La furia y las guitarras machacantes dan la bienvenida en “Las horas”, una oda a la tiranía del tiempo y a una forma de vida con la cual no concuerdan y que se ve reflejado en varias letras como “Sin brújula” o “El regalo”. En “Solo libertad” el cuarteto formado por Tuta en bajo y voz, Martín en guitarra y voz, Manu en guitarra y voz y Leo en batería asume su costado más melódico y muestra intenciones pop.
Cuando La Billy se aleja un poco del punk ortodoxo aparecen las mejores canciones: “Subir”, con sutiles intervenciones de teclados, y “No me merezco estar”, en la que afloran arreglos de vientos son los mejores ejemplos de esto. Acentuando el costado más pesado, “¿No quedan más opciones?” aporta guitarras bien marcadas al estilo heavy.
El trío final integrado por “Más allá”, “Juro por mí” y el rockero “No es lo mismo” no cambia demasiado el resultado final del álbum que cumple de manera adecuada los preceptos del género punk.

En Tempestades de locura, La Billy sigue en la ruta del punk rock y muestra por momentos algunos desvíos interesantes.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura El Bordo - El Teatro Flores (21-08-10)

2010-08-24T13:27:00.003-03:00

Tiempos de madurez

El Bordo presentó Historias Perdidas en Flores.

A lo largo de sus doce años de vida, El Bordo construyó su trayectoria de manera firme y continua. Sin saltearse ningún escalón, la banda recorrió todo el under hasta llegar a sitios más masivos como la cancha auxiliar de Ferro o el Microestadio de Argentinos Juniors. Consecuentemente con el crecimiento de su convocatoria, el grupo de ex alumnos del Colegio Carlos Pellegrini logró superarse disco tras disco y el sábado, el Teatro de Flores fue testigo de esta madurez durante la presentación del flamante Historias Perdidas (2010).
Luego del show del ex saxofonista de Los Redondos Sergio Dawi (junto a Los Estrellados) llegó el turno de El Bordo. El quinteto de Villa Crespo hizo su aparición con “Donde vagan los sueños”, perteneciente a su última placa, y “Me da igual” en donde se sumaron Pablo Fortuna en saxo y Fabián Veglio en trompeta para ampliar un poco el espectro sonoro. “El insatisfecho” trajo el rock and roll y “No quiero”, con un buen trabajo de Leo Kohon en armónica, le imprimió la fuerza que viene caracterizando a la banda de un tiempo a esta parte.
Y justamente el grupo logró su mejor plenitud cuando indagó en sus dos últimos discos, el mencionado Historias perdidas y Yacanto (2007). El cantante y guitarrista Alejandro Kurz, el guitarrista Diego Kurz, el bajista Pablo Spivak y el baterista Miguel Soifer mostraron la madurez alcanzada en temas como “Puerto escondido”, “Soñando despierto” y “Siento”. El costado cancionero y los arreglos sutiles aparecieron cuando bajaron los decibeles y se adentraron en melodías amables como “El día me avisó”, “Pensando en vos” o “Llueve en Buenos Aires”, una de las mejores del repertorio.
Por su parte, el público recibió de buena manera el nuevo material pero se encendió en clásicos de la talla de “Jazz Barrial”, “La banda”, “El Grito” y “En la vereda de enfrente”. Para rememorar esas viejas épocas, Ezequiel Puga colaboró con la percusión en varios pasajes del recital para finalmente coronar la noche con “Los Perdidos” y “A mi favor”.

En cualquier banda siempre es destacable el intento por madurar y explorar nuevos horizontes y allí es donde se encuentra parado El Bordo en estos momentos. Cada vez más interesados por la producción de sus temas, el grupo logra en sus shows una buena combinación de potencia y arreglos más sutiles que permite entrever un auspicioso futuro.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Anabella Reggiani

Revista Ruleta China - Agosto 2010

2010-08-24T11:53:00.003-03:00

RCh Discos "STRIPPED" de The Rolling Stones (1995)

En el living de tu casa

POR CHRISTIAN ALLIANA

En 1995 los Rolling Stones decidieron que era necesario alejarse por un rato de los mega estadios y emprendieron una pequeña gira por clubes y teatros de mediana convocatoria de Inglaterra, Holanda, Francia y Portugal. El resultado de esa aventura quedó plasmado en el disco Stripped que, a diferencia de los MTV unplugged tan de moda por esa época, refleja el calor de la gente cerca de la banda transpirando codo a codo el alma stone en versiones acústicas. A su vez, un par de temas grabados también en vivo pero dentro de un estudio en Japón confirman la magia del tándem Jagger-Richards.
El comienzo con la combativa Street fighting man va adentrando al oyente a un recorrido por todas las etapas del legendario grupo que además se da el gusto de regalar algunas perlitas como la tremenda versión de Like a rolling stone de Bob Dylan o el gran blues Love in vain . Por su parte, Keith Richards no sólo da cátedra de guitarra acústica a lo largo de los catorce tracks sino que también se hace cargo de la voz en la tranquila Slipping away y mete unos excelentes coros en la bellísima interpretación de Wild horses.
Dead Flowers sucede a Let it bleed y ambas conforman una dupla unida por el country rock con la sobresaliente voz de Mick Jagger y el slide de Ron Wood bien al frente. El toque sutil del baterista Charlie Watts se siente en el clásico Angie que pasa dándole pie a los aires folk de Sweet Virginia y al blues Little Baby , con gran participación del tecladista Chuck Leavell.
Y así, casi sin quererlo, se termina Stripped y a uno le dan ganas de escuchar esos temas una y otra vez. Muchas veces se dice que las canciones buenas son aquellas que son capaces de emocionar al ser tocadas simplemente con una guitarra acústica. Bueno señores, este disco confirma esa regla y muestra a los Stones como son. Y si tienen alguna duda, apaguen la luz, denle play al equipo, cierren los ojos y sientan por un momento que los ingleses están tocando en el living de su casa.

Critica de disco La Centenera - Tormenta (17-08-10)

2010-08-17T10:09:00.002-03:00

Tormenta

La Centenera ofrece en su segundo disco doce canciones de puro rocanrol argentino.

En sus siete años de trayectoria, La Centenera ha estado tocando en distintos reductos del under y ha atravesado algunos cambios de formación hasta llegar a los integrantes que grabaron Tormenta (2009), el segundo álbum de esta banda oriunda de Parque Chacabuco. Para este disco, a los historicos Mariano Sanguinetti (voz y armonica), Leandro Ferraro y Ariel Campesi (ambos en guitarras), se le sumaron el baterista Luciano Campesi y Federico Sica, mas conocido como Sikus, ex bajista de Jovenes Pordioseros.
En Tormenta, La Centenera hace hincapie en el rock and roll y en las baladas con aires acústicos. Daniel “Piti” Fernandez, ex Los Piojos y actual La Franela, junto a Nicolás Bereciartua de Viticus, aportan sus guitarras en la rockera “Más” y en las tranquilas “Conexión” y “Espejo” (con remiscencias piojosas). Otro invitado de renombre es la batersta Andrea Álvarez quien suma su percusión en la bailable “Secuelas”, donde también aparecen los vientos de Pablo Fortuna y Alejandro Martín.
Musicalmente el quinteto de Parque Chacabuco entrega su mejor performance cuando rockea, ya sea de manera clásica como en “Brisa” o cuando se pone más hard como en la crítica “Estallar”. Sin embargo, no sólo se abocan al rock sino que se le animan al sentimiento tanguero (“Lucecitas”) y a la canción fogonera (“Jugando”). La voz de Mariano Sanguinetti por momentos se acerca demasiado a los fraseos de Andres Ciro Martinez y ese es quizás el punto débil del grupo. Por otro lado, cabe destacar el buen arte del libro interno que muestra distintas etapas de una tormenta que finalmente se disipa y da paso al sol.

En su segundo álbum, La Centenera da a conocer doce temas caracterizados por el buen rock and roll y algunos matices como las baladas y los aires tangueros.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Asuntos de familia - Los Perez Garcia (09-08-10)

2010-08-13T10:54:00.002-03:00

Asuntos de familia

El cuarto disco de estudio de Los Perez García mantiene la misma línea cancionera de sus trabajos anteriores.

Casualidad o no, en 1994 se formaron dos de las bandas más importantes del género canción-rock: Estelares y Los Perez García. Los primeros la remaron desde abajo durante muchos años en su La Plata natal hasta llegar a oídos de Juanchi Baleiron quien con su producción los llevó a jugar en las grandes ligas. Por su parte, la banda integrada por Beto Olguín (voz), Federico Esquivel (guitarra), Mingo Catanzariti (bajo), Julio Medina (teclados), Hernán Garibaldi (percusión), Martín Sarceda (saxo tenor) y Pablo Tofanari (batería) todavía no ha logrado trascender la frontera del under aunque cuenta con un numeroso público que los sigue a todos lados.
En Asuntos de Familia (2009), Los Perez García no se corren demasiado de su clásico estilo cancionero. Por esta senda transitan “Bajo un árbol” y “Cenizas”, con las acústicas bien al frente, mientras que el costado más rockero aflora en “Knock out”, “Temporal” (la más cercana a la fórmula Estelares) y el buen corte de difusión “Magdalena”, con guitarras deudoras de Los Rodríguez. Los vientos y la percusión acercan al grupo a ritmos rioplatenses y latinos que son explorados en “Ecos” y “Tomala”.
“Llegando” aporta un interesante costado ska, una faceta más festiva que se acentúa en “Sigue la noche”. Los arreglos de cuerdas de “Fakir” visten el tema de una melancolía que también es característica del grupo de Aldo Bonzi y que se ve claramente en las letras de Beto Olguín. Situaciones cotidianas de desencuentros amorosos atraviesan casi todas las canciones y se alternan con pasiones como la música, el fútbol y los amigos (“Noche soñada”).
El cuidado arte, con retratos de los integrantes del grupo en distintas etapas de su vida y un relieve en la tapa que simula ser un pin, hacen que los fans seguramente busquen tener el disco original.

En la entrevista que nos otorgaran el año pasado, los integrantes de Los Perez García nos confesaban que lo que une a la banda es el amor hacia las canciones. En Asuntos de Familia esa declaración se reafirma a lo largo de dieciséis tracks que por momentos también coquetean con ritmos rioplatenses y el ska.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Atropello Carregal - Marilyn Munro (27-07-10)

2010-08-02T11:02:00.003-03:00

Marilyn Munro

En su primera producción, Atropello Carregal pisa firme sobre el camino del rock alternando ritmos rioplatenses y toques reggae.

Atropello Carregal es un quinteto formado en 2005 y que en 2007 grabó de forma independiente un EP homónimo en el que comenzaba a insinuar el estilo que ahora profundizan en Marilyn Munro (2008), su primer larga duración. Caracterizados por tocar mucho en vivo, en los trece temas que integran la placa se nota el rodaje del grupo y la experiencia que los tuvo actuando en festivales como el Pepsi Music.
Durante todo el disco se alternan la solidez del rock con inquietas guitarras y grooves funkys como en “Mientras me callás”. La voz de Juan Ignacio Franke por momentos es demasiado similar a la de Andrés Ciro y esto va en detrimento de la búsqueda de personalidad propia sobre todo en los dos primeros temas. Ya en “Vanidad huerfanita” se comienza a vislumbrar intenciones más originales con arpegios que entran y salen y una intensidad que va in crescendo.
Las guitarras de Gonzalo Fernández y Guido Parisi comandan el rock de “Ya está” que se complementa bien con cierta oscuridad en “Muerte lenta” y la tranquilidad de la balada “Se vuelven a dar”. La fuerza del punk se oye en “Agujero” mientras el sonido opresivo de “El condensador” presenta toques floydianos en los coros. También hay espacio para el reggae como en “Quebrando quebradas” y los ritmos rioplatenses bien llevados por el bajista Ignacio Basello y el baterista Juan Manuel Fernández en “Sur” antes del cierre final con “En tu voz” y “En la contradicción”.

A través de trece temas, Atropello Carregal esgrime en Marilyn Munro muestras de buen rock aunque todavía les resta despegarse de sus influencias y hacer más hincapié en un camino propio que vislumbra buenas señales.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Mensajeros - Así (20-07-10)

2010-07-21T09:42:00.001-03:00

Así

Mensajeros continúa su senda reggae en su quinto disco.

La historia de Mensajeros comienza como la de tantas otras bandas que al sentirse atraídas por la música reggae dejaron la actitud pasiva de escucha y se calzaron los instrumentos para tocar su ritmo predilecto. Desde aquel primer ensayo en 1996 hasta esta actualidad, el grupo ha tenido diversos cambios en la formación (solo se mantiene el guitarrista Germán Abuin como miembro original) y ha sufrido la partida de su cantante Mariano Castro, más conocido como Dread Mar I, quien emprendió un exitoso camino en solitario. Sin embargo, la banda supo rearmarse y en Así (2009), con Christian Ayala, Alejandro Ponce y el mencionado Abuin alternándose en la voz, siguen apostando por el reggae.
Desde el colorido y psicodélico arte del álbum, Mensajeros aporta una idea de lo que se va a escuchar. A través de doce temas, hay climas veraniegos y distendidos como “Así” y “Si vas a dejarme” mixturados con momentos más calmos como el corte de difusión “Náufrago” que cuenta con la voz invitada de Nestor Ramljak de Nonpalidece.
El canto al amor sobrevuela todo el disco y es en esos temas donde las guitarras de Germán Abuin y Federico Marré entregan los mejores arreglos. “Aún no es tarde” es un buen ejemplo de esto al igual que “Te voy a encontrar” con Juanchi Baleiron de Pericos aportando su steel guitar. La conciencia social encuentra su espacio en temas como “Revolución”, de pulso lento y esencia rockera, “Futuro” e “Importante”.
Por su parte, “Cosas mínimas” invita a no preocuparse por lo material mientras que “Pelea” hace hincapié en aquellos que luchan por sus ideales y en el que se descata la trompeta con tintes jazzeros de Gustavo Levi. Sobre el final, en “Learnin” se acercan al sonido jamaiquino de los 70´s y en el último track terminan cantando su amor por la “Música”.

Luego de un disco en vivo en el 2006, Mensajeros retorna con un álbum atravesado por las temáticas de amor y la conciencia social.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Nube 9 - The Cavern (09-07-10)

2010-07-12T08:55:00.003-03:00

CANCIONES INMORTALES

Nube 9 recorrió las gemas beatles Rubber Soul y Revolver en un intenso concierto en The Cavern.

En la fría noche del viernes patriótico, Nube 9 volvió a The Cavern para realizar un nuevo show temático de homenaje a The Beatles. En esta ocasión, el turno fue para los discos Rubber Soul (1965) y Revolver (1966), los dos puntapiés iniciales en la maduración del cuarteto de Liverpool que a partir de dichos álbumes llegaría a grandes picos como el Álbum Blanco (1968) o Abbey Road (1969).
Pasada la medianoche, el grupo liderado por Fernando Blanco, ex bajista de los Súper Ratones, salió a escena para dar comienzo al concierto con “Drive my car”. A partir de allí y en orden cronológico se fueron sucediendo una a una las canciones de Rubber Soul, además de los simples de la época, ejecutadas con personalidad propia y evadiendo el intento de copiar el tema exactamente como fue grabado sin que esto implique deformarlo. Altos puntos de potencia (“Nowhere man”, “Think for yourself”) se mezclaron con toques sensitivos (“Michelle”, “In my life”) que confirmaron continuamente la grandeza de los Fab Four.
Además, Fernando Blanco, autor del libro Beatlend junto al periodista Sergio Marchi, sacó a relucir su enciclopedia cuando entre tema y tema contó pequeñas anécdotas de la composición de esas canciones que revolucionaron el siglo xx. Bien secundado por Lucrecia López Sanz en guitarra, por momentos ambos intercalaron sus voces dándole así un toque particular al show.
La segunda parte llegó obviamente con “Revolver” y allí se pudo escuchar el primer acercamiento del cuarteto liderado por John Lennon y Paul McCartney a la psicodelia que luego reflejarían muy bien en Sgt. Pepper. En este disco también se da una interesante mezcla de estilos compositivos como el rock contestario de “Taxman”, de George Harrison, y la melodía aniñada de “Yellow Submarine”, cantada por Ringo Starr. Cabe destacar la versatilidad con la que Nube 9 logra atravesar distintos momentos de intensidad (“Good day Sunshine”, “Doctor Robert”) y conjugarlos con piezas de amor inigualables como “Eleonor Rigby” o “Here, there and everywhere”. Sin dudas, la presencia de buenos músicos como Julián Carranza en guitarra, Emanuel Gaggino en batería y los tecladistas Juan Pablo Ezquerra y Fernando Viola permiten que la banda en ningún momento se resienta y salga adelante incluso en aventuras sonoras como “Tomorrow never knows”.

En un nuevo show temático, Nube 9 recordó Rubber Soul y Revolver ante un público que se fue entusiasmando con el correr de los minutos y que incluyó desde jóvenes que no habían nacido en la época beatle hasta adultos que crecieron junto a la música de los Fab Four (una pena que el tecladista Ciro Fogliatta, presente en la sala, no se haya sumado en algún tema). Sin necesidad de peinarse ni vestirse como los genios de Liverpool, el sexteto creado por Fernando Blanco demostró una vez más que la inmortalidad de esas canciones está por encima de cualquier pose.

Christian Alliana

Critica de disco La Mofeta - Contra la corriente (05-06-10)

2010-07-06T09:19:00.003-03:00

Contra la corriente

La Mofeta debuta sin novedades en el frente.

La Mofeta es una banda formada en 2004 que a lo largo de su historia ha ido variando sus integrantes hasta quedar definitivamente conformada por Nicolás Loria en voz, Marcelo Henin en guitarra y coros, Federico Barrios en guitarra, Juan Ignacio Scarpino en bajo y Matías Azconzábal en batería. Ellos definen a su primer álbum como “una foto del momento en que se grabó pero también un nuevo punto de partida para seguir alimentando al grupo y a la gente que lo sigue”.
“Contra la corriente”, tema que da nombre al disco, abre con arpegios de guitarras que se rompen con la entrada de toda la banda en una onda pelotera que sumado al punteo inicial de “Alma”, coinciden en una mezcla un tanto comprimida, a la que se le nota la falta de graves. Los invitados Martín Roca y Gonzalo Gutierrez aportan percusión y armónica respectivamente en “Sin fumar” que se ve un tanto opacada por una mezcla algo despareja.
Lo más destacado del álbum llega cuando la banda apuesta por un poco más como en el caso del funk “El vaso del placer”, con un buen aporte del tecladista Pablo Nomdedeu, o el rock and roll sucio de “Karma”.
La historia de “La minita” se cuenta sobre una base con netas reminiscencias a Los Piojos y “Para adelante” trae un aire oscuro que las guitarras de “Perdido” se encargan de levantar. Pasadas “Un mendigo” y “Un sake”, llega el final intimista, en plan ronda de amigos que ofrece “Ciudad de heridas” donde la banda se despide como si estuviera en un fogón.

En Contra la corriente, La Mofeta insinúa algunas buenas intenciones pero no logra consolidarse en gran parte debido a una mezcla que carece del buen sustento de los graves y que por momentos suena un tanto comprimida.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Javier Malosetti - N/D Ateneo (02-06-10)

2010-07-06T09:13:00.003-03:00

Dar es dar

Javier Malosetti presentó Ten en el N/D Ateneo.

El viernes por la noche, el multiinstrumentista Javier Malosetti dio la primera de las dos presentaciones programadas en el Teatro N/D Ateneo (la otra será el 16 de julio). En un clima distendido, el hijo del guitarrista de jazz Walter Malosetti, junto a su banda Electrohope, dio a conocer los temas de su último disco Ten editado hace pocos días. Apenas pasada la medianoche, el grupo comenzó la velada con “Disco Inferno” en una versión bluseada de ese clásico de The Trammps a la que le siguió “Memorie del treno”, ambas pertenecientes a la placa que estaba siendo estrenada.
A continuación, Malosetti tomó una particular flauta que hizo sonar de manera climática para adentrarse así en “El benja”, una fusión en donde los músicos demostraron el nivel de afinidad que lograron luego de este año y medio de estar tocando juntos. La especie de cumbia que es “Juguicho” contrastó con la tranquilidad de “Two rails” que tuvo un final tétrico con los acordes de “Dance of Maya” de la Maravishnu Orchestra. Una hermosa interpretación de “Albie & Ally” marcó el cierre de la primera etapa del concierto.
Ya sin la banda y ubicado solo en el centro del escenario, Javier Malosetti entretuvo a los presentes durante algunos minutos demostrando por qué es considerado uno de los mejores bajistas argentinos. Alternando segmentos instrumentales, en los cuales jugó con sus pedaleras, con fragmentos cantados, como “Bring me your cup”, el ex acompañante de Spinetta se ganó todos los aplausos del público y dio paso al tecladista Nico Rafetta que dio una clase magistral de boogie boogie.
La segunda parte del show, nuevamente con Electrohope a pleno, comenzó con “Acampantes”, una oda a los boy scout que pasó de ser un chiste interno del excelente bajista y cantante Hernán Segret y que terminó convirtiéndose en un tema propio. En “Money for nothing”, (de Dire Straits) la joven banda, con el baterista Tommy Sainz a la cabeza, sacó a relucir su chapa rockera, la diferencia más notoria entre estos músicos y los anteriores que acompañaron a Malosetti, quienes estaban más volcados al jazz.
Por su parte, “Maybe I´m Leo” trajo la infaltable cuota de funk y “Delpo” fue dedicado al tenista Martín Del Potro aunque el propio Javier bromeó acerca de si haber grabado ese tema no le trajo mala suerte al tandilense que todavía sigue recuperándose de una lesión. Los bises llegaron con “Credulidad” y “Primavera 0” y sonaron a modo de homenaje a Pescado Rabioso y de plegaria por la salud de Gustavo Cerati respectivamente. Varios minutos de aplausos fueron el agradecimiento del público para esos grandes músicos que coronaron así una noche muy especial.

El álbum número diez de Javier Malosetti tuvo su presentación oficial en el bonito Teatro N/D Ateneo ante un numeroso público que disfrutó con la música del bajista y de su joven banda.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Critica de disco Venaticos - Venaticos (28-06-10)

2010-06-30T08:39:00.003-03:00

Venáticos - EP

Primer disco para una banda con un largo recorrido en el under.

Venáticos es un grupo formado a principios de la década del noventa, que en 2002 pasó a llamarse Rocamadour y que luego de una disolución, se volvió a juntar bajo su nombre original para editar su primer álbum homónimo. A través de siete temas, el quinteto integrado por Lucio Vaquero (voz y armónica), Juan Manuel Polo (guitarra), Lucas Redondo (guitarra), Sebastián Voyatjides (bajo y teclados) y Nicolás Camporino (batería) da muestras de buenas melodías orientadas al rock cancionero.
El comienzo con “Por los dos” marca el rumbo de todo el EP: electricidad rockera y base de canción con punteos de guitarras que entran y salen continuamente. En “Más allá de vos” hay buena interacción entre las violas de Polo y Redondo con un ritmo acolchonado por el órgano de Voyatjides (también tecladista de Blues Motel).
Y justamente la influencia de la banda de Tigre se hace presente en la hermosa “Roto el corazón” al tiempo que en el track siguiente, “Gris melancolía”, aparecen los coros invitados de Francisco Bochatón y David Vera. “Ocultar tu soledad” y “Morir en el mar” son dos rock clásicos, apoyados en las guitarras eléctricas que finalmente dan paso a las acústicas que se suman a la voz de Lucio Vaquero en “Estrella de la tarde”, el último tema del EP.

La primera carta de presentación de Venáticos parece estar hecha a medida de los amantes del género rock-canción, esos que disfrutan tanto de la crudeza de las guitarras eléctricas como de la sensibilidad de los rasgueos acústicos.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Mas que humano (22-06-10)

2010-06-23T09:57:00.002-03:00

Más Que Humano

Debut discográfico para una banda que se afirma en la potencia del rock.

El origen de Más Que Humano se remonta al año 2003 cuando Pablo Lanzillota (voz) y Diego Ferrabone (guitarra y coros) conformaron The Magic Box, una banda de covers que interpretaba temas de Queen, The Beatles y The Police entre otros. Con la renovación de algunos integrantes y el inicio de un repertorio propio, en 2005 el grupo adquirió su nombre actual con el cual registraron Vidas Paralelas, un EP de cuatro temas que fue reeditado en 2007, ya con la formación actual que incluye a Nahuel Castelao (Bajo) y Leonel Ditarcio (batería).
En su disco debut, la banda utiliza la potencia del rock sumado al brillo del pop a través de once tracks. El espíritu adolescente de “No puedo volver atrás” se conjuga con el aire críptico de “Palabras”, en donde las guitarras comienzan a tomar protagonismo por medio de distintos efectos. El ex baterista de Pappo, Bolsa González, se hace cargo de los arreglos de batería en “Ella está bien” y su mano se nota en esos minutos amables que dan paso a la influencia beatle de “Viaje pesado”.
Luego de “Cerca de ti” y “Apariciones”, los coros apoyan las guitarras pop de “Norte sur” y la distorsión rompe por momentos la calma acústica de “Redención”. Pasa “Solo voces” y a continuación aparecen los elementos hard rockeros de “Vuela”, con cambios de ritmo incluidos. Para el final queda la balada “Ángeles y piedras” que comienza con la voz de Pablo Lanzillota junto al piano de Javier Mareco hasta que la banda a pleno aporta su poder y las guitarras dobladas enfatizan el solo.

Más Que Humano subraya en su primer disco homónimo sus influencias rock-pop internacionales y entrega un material que por momentos se torna algo homogéneo pero en el cual se destacan diversos arreglos de guitarra.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Kevin Johansen - En vivo en Buenos Aires (14-06-10)

2010-06-23T09:53:00.003-03:00

En vivo en Buenos Aires

Registro en vivo de las presentaciones de Kevin Johansen junto al dibujante Liniers.

Durante todo el año pasado, Kevin Johansen junto a su banda, The Nada, y el dibujante Ricardo Liniers unieron fuerzas para brindar varios shows audiovisuales que recorrieron distintas ciudades del país. En vivo en Buenos Aires (2010), grabado en agosto de 2009 en el Teatro El Nacional, es la síntesis de estas presentaciones y allí el músico nacido en Alaska pero argentino por adopción, recorre buena parte de su historia musical.
Desde The Nada, aquel disco debut de 2000, Kevin ha demostrado a lo largo de esta década que sabe desenvolverse muy bien a través de distintos estilos y con letras plenas de ironías y acidez retrata de manera eficiente distintas situaciones cotidianas que involucran directa o indirectamente al oyente. En este registro en vivo la parte vocal gana un interesante protagonismo como en “Logo”, que abre el disco y en donde se suma la cantante Ileana Cabra de Calle 13.
Las canciones de Johansen también atraviesan distintos estados anímicos que van desde la alegría de “En mi cabeza” hasta la tranquilidad de “El círculo” y “La hamaca”. Por su parte, “Hindu Blues” trae toques orientales que se ubican a mitad del camino experimental de los Beatles y Oasis mientras el brasilero Paulinho Moska aporta su voz en “No voy a ser yo”.Los boleros son otra pata en donde se apoya Kevin destacándose el dúo que realiza junto al español Kiko Veneno (“Desde que te perdí”) y la híper conocida “Down with my baby”. Tampoco faltan los otros hits como “El palomo” y la divertida “Guacamole”.
La pluma encendida del ex integrante de Instrucción Cívica encuentra su apogeo en la excelente “McGuevara´s o CheDonald´s” y la historia de “Cumbiera intelectual”. En el final, aparecen los toques electrónicos de “Sos tan fashion”, el aire tanguero de “Buenos Aires Anti Social Club” junto al uruguayo Fernando Cabrera y los coros de todos los músicos en “Fin de fiesta”.
Las excelentes fotos que ilustran el librito interno retratan el ambiente de los shows aunque el combo que viene con el DVD ayuda enormemente a disfrutar los retratos que Liniers va pintando mientras The Nada ejecuta la música.

En vivo en Buenos Aires es el reflejo sonoro de la conjunción audiovisual entre Kevin Johansen y Liniers y a través de él se puede apreciar la versatilidad estilística del cantante nacido en Alaska.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Entrevista Riddim (09-06-10)

2010-06-23T09:49:00.002-03:00

“El reggae va a estar siempre”

Pety nos cuenta de qué trata el nuevo disco de Riddim en una entrevista marcada por la buena vibra.

Desde la explosión del reggae local a partir del nuevo milenio, varias bandas argentinas han alcanzado un nivel de convocatoria impensado hace un par de años atrás. Al indiscutible liderazgo de Los Cafres y Los Pericos, en la década del 2000 se sumaron y consolidaron otros grupos seguidores del estilo que Bob Marley popularizó mundialmente. Riddim es una de esas agrupaciones y, con motivo de la edición de su nuevo disco, Donde brilla el sol, charlamos con el cantante Pety. Paz y buena onda en un entretenido intercambio de mails. -El nuevo trabajo tiene un nombre con tintes casi románticos ¿qué creen que existe allí donde brilla el sol?Luz. En las épocas oscuras uno busca luz. Y el sol representa eso, ayuda a mejorar tu día. Le damos gracias a Dios cada vez que brilla el sol. Cada amanecer es una bendición y te empuja a seguir adelante pese a todo.

-El corte de difusión elegido, “Tu amor” gira en torno a una historia amorosa que puede ser entendida tanto entre dos personas como también hacia Dios. ¿Creés que el público está empezando a aceptar un poco más las canciones de amor vinculadas al reggae?

Dread Mar I está apostando mucho por este estilo por ejemplo.El amor siempre está presente en el reggae, hasta te diría que todo el género está basado en el amor. El amor a Dios, al prójimo, a los seres queridos, a la humanidad, a la creación, es el mensaje más lindo y más sincero, todo debería girar alrededor del amor. No hay nada más lindo que eso.

-Por su parte, en “Lo que ves” incursionan en un clásico ska. ¿La idea partió del lógico parentesco entre el ska y el reggae?

El ska es el antecesor del reggae en Jamaica, su población en los 60s festejaba su independencia de la colonia británica y por eso es tan alegre. En nuestro disco anterior no habíamos incluido ningún ska, y ahora salió "Lo que ves". Tiene aires de rythm and blues que es como se componía en esa época ya que los artistas jamaiquinos estaban influenciados por las radios del sur de EE.UU. y por bandas como Fats Domino por ejemplo.

-Tratándose de un género como el reggae que, a veces al igual que el blues, puede volverse algo ortodoxo ¿cómo maneja Riddim el hecho de buscar algo distinto disco a disco?

No queremos que sea distinto. Los discos los encaramos como siempre, la diferencia es que cada uno fue grabado en distintas circunstancias, en distintos estudios y la banda ha crecido musicalmente, ha madurado. Le damos mucha prioridad a las melodías, a la canción en sí y a lo que decimos en ellas. El poderío de Riddim está en vivo y aquellos que vengan a nuestros shows se darán cuenta de lo que representa el reggae para nosotros, la forma de ejecutarlo y cómo disfrutamos de lo que hacemos.

-Hace ya varios años que el reggae tiene gran repercusión en Argentina. ¿Pensás que es algo que ya está definitivamente instalado en la cultura musical nuestra?

Muchos siguen creyendo que es una moda pasajera...El reggae está instalado en la gente desde hace muchos años y una moda dura un fin de semana. Culturalmente el reggae en castellano tiene mucho para dar todavía, es cuestión de seguir aprendiendo y dar más calidad tanto en la música como en el mensaje. Es un ritmo que no necesitó ser inflado en los medios, el crecimiento fue muy under. No es como con los floggers por ejemplo, que salían en la tele a cada rato, eso sí es una moda pasajera, que ya dejó de existir. El reggae está y va a estar siempre.

-El sábado 26 de junio, la presentación de Donde brilla el sol será con dos funciones en La Trastienda ¿Qué esperan de la fecha? ¿Habrá invitados?

Estamos armando un show especial en donde vamos a tocar todos los temas del disco. Vamos a hacer covers de bandas que nos influencian y habrá invitados de bandas amigas. También estamos preparando algunas cosas visuales en lo que respecta a la escenografía para que sea un show distinto. Esperamos que la gente se acerque y disfrute de esta presentación tanto como disfrutamos nosotros al prepararla.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Tercer Ojo - Mestizo (31-05-10)

2010-06-23T09:39:00.002-03:00

Mestizo

En su primera producción Tercer Ojo da muestras de un rock bien crudo.

Con varios años en la ruta (siete exactamente), Tercer Ojo lanzó a fines de 2009 Mestizo, su disco debut que contiene doce canciones grabadas en los Estudios Tónica, El Balcón y Néctar bajo la producción artística de Tomás Tyrrell. El cuarteto integrado por Santiago Yaya Imposti en voz, Francisco Gamas en guitarra, Francisco Palma en bajo y Agustín Ghiglione en batería asienta sus bases en el rock guitarrero con toques oscuros, letras existenciales y potencia hard.
“Entre el capo y el canapé” da inicio al álbum con las guitarras bien al frente comandando todo el tema de principio a fin. El bajo de Palma y la batería de Ghiglione se combinan de manera potente en el hard rock “Bajo el ombú” pero la voz queda muy atrás en la mezcla, casi difusa entre tanta energía. “Y así todas las noches olvidándome de vos, dando vueltas sin sentido, reclamándole a dios” canta Yaya Imposti en “Danza con lobos” y esa sensación de melancolía se ve apoyada por las acústicas y los arreglos de teclados de José Luis Berrone.
En los matices es donde Tercer Ojo muestra su mejor cara. La balada “Instinto”, con sus arreglos de cuerdas y su aire misterioso, dan cuenta de una faceta que se intensifica en “Ni siquiera amaneceres en Palermo” en el que incluyen la interesante gaita de Oscar Llovenes. El riff circular de “Si la mula se nos ríe” trae de nuevo el rock más clásico mientras que “Justiciera” e “Hijos de lo natural” son buenas herederas de Los Caballeros de la Quema y La Renga respectivamente.
Por su parte, la amable “Crudo amanecer” junto a “44244”, “El saber de las moscas” y “El evangelio” completan los doce temas de Mestizo dejando en claro que la propuesta del cuarteto es el rock más crudo e intenso posible. Mención aparte merece la excelente tapa que muestra a dos hormigas sosteniendo un tornillo y que bien podría simbolizar, además del trabajo, la aspereza de la música de Tercer Ojo.

Luego de siete años de vida, en 2009 Tercer Ojo finalmente logró editar su primer disco basado en canciones rockeras del palo más duro. Con un sonido que intenta rescatar ese espíritu, Mestizo presenta algunos vaivenes en cuanto a la mezcla y los temas más sobresalientes son aquellos en los cuales no solamente mandan las guitarras.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Mama Perfecta - Beat and Blood (26-05-10)

2010-06-23T09:34:00.002-03:00

Beat and Blood

Los sanjuaninos de Mama Perfecta apuestan por el dance hall mezclado con el reggae y el rock combativo en su nuevo disco de estudio.

Mama Perfecta es un grupo oriundo de San Juan nacido en la primera mitad de esta década y que tiene como influencias a bandas como Gentleman, Capleton, Fermin Muguruza, Los Mirlos y Los Palmeras entre otros. En Beat and Blood (2009) el septeto integrado por Marcos Ordán en voz y percusión, Cristian Espejo en guitarras y voz, Facundo Gaillez en batería, Juancho Valenzuela en bajo, Andrés Dech en trombón, Flaco Quattropani en trompeta y Fernando Recio en teclados, se muestra más cercano al dance hall de Alika que al reggae de Marley y descarga letras combativas a lo Mano Negra.
Los vientos ocupan un rol importante durante todo el álbum pero no tanto a nivel solista sino más bien como acompañamiento. Esto queda demostrado en temas como “San Juan vibration” (con Hugo Lobo de Dancing Mood como invitado) y “San Juan me mata” mientras que las voces por lo general entran y salen del hip hop. “El peaje” junto al colombiano Javier Fonseca apoya esa apuesta que encuentra su clímax en “Beat and blood” con Karen Pastrana de Actitud María Marta y los cordobeses de Locotes.
La electrónica juega un rol importante en “I wanna tell you” de la mano de los samplers disparados por Cristian Espejo y el bajo de Juancho Valenzuela sostiene la pesadumbre de “Vamos a la plaza”. La influencia de Mano Negra sale a relucir en “Vivir por algo”, la más festiva a nivel musical, y el jamaiquino Prince Ranny aporta su voz en “No more tribulation”, un muy buen reggae roots..

Mama Perfecta atraviesa en Beat and Blood distintas combinaciones de reggae y dance hall mixturadas con toques electrónicos y dosis de sound system que hacen a la esencia de esta banda sanjuanina.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Romapagana - Lo de Luca (17-05-10)

2010-06-23T09:29:00.002-03:00

No duermas mas

Se reinauguró la casa donde murió Luca Prodan y hubo recitales de Ismael Sokol y Romapagana, además del descubrimiento de una plaqueta con algunos políticos invitados.

Rara. La sensación de ver a políticos del PRO homenajeando a Luca Prodan, el líder de Sumo fallecido en 1987, es rara. Si el hombre que cambió buena parte de la cultura rock argentina pudo mirar, esté donde esté, el descubrimiento de una plaqueta en su honor en manos del Ministro de Educación porteño, Hernán Lombardi, seguramente no pudo creer semejante situación. Y no solo eso, porque a la reinauguración de la casa donde el italiano pasó sus últimos días, o Lo de Luca resto bar, tal el nombre oficial, también se acercaron distintas personalidades bastantes alejadas del espíritu libertario de Prodan. Las caras conchetas de las que hablaba en “La rubia tarada” se multiplicaban por doquier y cholulos de turno deambulaban por los ambientes de la vieja casona mientras degustaban el catering servido para la ocasión. Claro que no faltó gente cercana al rock como Pipo Cipolatti, Walas de Massacre y Sergio Dawi, ex Redondos, aunque por momentos, en el contexto, los raros parecían ellos.
Sin embargo, es muy valorable el esfuerzo y dedicación que pusieron los chicos que alquilaron la casa, sacándola de un abandono casi irreversible y con la estructura a punto de derrumbarse. Un esfuerzo que más allá de lo económico, implicó una lucha por la preservación de un lugar histórico (no hay que perder de vista que la casa es una de las más antiguas de la ciudad) y que si no fuera por la iniciativa de estos particulares, probablemente allí no quedaría nada en pie o estaría convertido en el “Shopping Bicentenario”.
A diferencia de lo que pasaba en el interior del ex conventillo, sobre la calle Alsina la situación era completamente diferente; cientos de chicos iban y venían con botellas de cerveza (y ginebra, claro) mientras cantaban viejos clásicos de Sumo que sonaban por los parlantes. La celebración no era casual ya que el lunes el pelado hubiera cumplido 57 años. Cuando la tarde dio paso a la noche, la música en vivo comenzó a sonar primero de la mano de la tanguera Carla Algeri y luego continuó con el rock de El Búfalo. Pero el plato principal fue la presentación de Ismael Sokol (hijo del recordado ex cantante de Las Pelotas) y su grupo La Propina que luego le dio paso a Romapagana, la banda de Andrea Prodan, hermano de Luca. Ambas agrupaciones aportaron buenas dosis de rock: La Propina sorprendió por su contundencia y Rompagana por su esencia inglesa setentista que por momentos transportó a los presentes al Londres que curtió el mismo Luca. Obviamente no faltaron temas de Sumo como “Mejor no hablar de ciertas cosas” y “Fuck you”.

En un país caracterizado por la poca valorización de sus edificios históricos, que la casa de Luca Prodan vaya a convertirse en un espacio cultural es una buena noticia. Esperemos que sea un proyecto duradero y que la foto de los políticos PRO homenajeando a Luca no haya sido una mera fachada para que mañana la línea 29 cambie su recorrido y pase por encima de la casa.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Beto Landoni

Cobertura Ed Motta - La Trastienda (16-05-10)

2010-06-23T09:24:00.002-03:00

Carnaval Carioca

En su sexta visita al país, Ed Motta reivindicó su romance con el público argentino a puro funk y soul.

En dos frescas noches de otoño, el brasilero Ed Motta llenó La Trastienda y puso el calor necesario para que el camino hacia el invierno sea un poco más llevadero. Si bien la excusa de esta nueva visita era la presentación de su más reciente disco, Pique Nique (2009), el sobrino del cantante Tim Maia repasó temas de todos sus trabajos. Desde el comienzo con “Minha vida toda com voce” la gente empezó a mover el cuerpo al ritmo del funk, algo que sería una constante a lo largo de todo el show.
Apoyado en una sólida banda, Motta se dedicó solamente a cantar durante toda la primer mitad del concierto y demostró un gran manejo vocal en temas como “Pe na jaca” y “Birinaite”. No faltaron clásicos como “Manoel”, una verdadera lección de groove y feeling que hizo bailar a todos los presentes mientras que “Dez mais um amor” puso el infaltable toque soul.
Con un humor excelente, el carioca interactuó constantemente con el público riéndose de su excedido peso y de las diferencias entre el idioma español y portugués. De esa manera, en un ambiente muy distendido, la banda a pleno entregó sus mejores performances con grandes actuaciones del baterista Marcos y el tecladista Jair Oliviera. Por su parte, el bajista Javier Tabares y el histórico guitarrista Paulinho Guitarra aportaron una sólida base que también le sirvió a Ed Motta para que, luego de una hora de show, pudiera sentarse por momentos en el teclado a cantar temas más íntimos.
Sobre el final, la fiesta fue in crescendo con canciones como “Vamos dancar” y “Colombina” como mejores ejemplos. La gente agradeció la entrega con una gran ovación que obligó al brasilero a volver nuevamente para un par de bises más.

Gran coleccionista de instrumentos vintages y melómano enfermizo (una discoteca de más de treinta mil discos no es poca cosa), el brasilero Ed Motta es además uno de los mejores exponentes del funk de Latinoamérica. El pasado fin de semana reivindicó sus credenciales con grandes conciertos a sala llena en La Trastienda y dejó a todos con ganas de una pronta visita.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotografo: Beto Landoni

Critica de disco Claudio Marciello - Identificado (10-05-10)

2010-06-23T09:22:00.002-03:00

Identificado

Claudio Marciello vuelve a la carga con su tercer disco solista.

Luego de dos interesantes incursiones en solitario como fueron Puesto en marcha (2001) y De pie (2004), Claudio “El Tano” Marciello vuelca nuevamente sus inquietudes en Identificado (2009), un trabajo firme en el que se permite, como ya es costumbre, recorrer terrenos alejados del metal. A mitad del año pasado, cuando El Bondi entrevistó al guitarrista de Almafuerte, éste nos adelantó detalles del disco que estaba planeando: “tiene temas que son rockeros, tiene cuentos reales de personajes que uno va conociendo por el país y tiene muchas reflexiones, muchos puntos de vista de esta etapa de mi vida”. Hoy, con el material en la mano podemos decir que el Tano estaba en lo cierto ya que en las once canciones de su autoría se alternan la potencia del metal con la tranquilidad acústica e introspectiva.

El comienzo con “Un caso es un millón” sigue la línea de Almafuerte, con guitarras machacantes, solos admirables y la batería golpeando en el pecho. “De noble corazón” cuenta la historia de Carlos Chaves, un paisano cordobés de vida difícil, y “Te vi pelear” suena densa, opresiva aunque los estribillos descomprimen esa situación. Las violas machacantes vuelven en la rutera “Me fui de viaje” a la que le sigue el relato de las ventas de tierras en el Sur que “El show de Nahuel” retrata muy bien. “Va benne” es un excelente instrumental en el que El Tano pasea por todo el mango de su viola, “Con valor al despertar” tiene por momentos guiños casi punks y “Buena suerte” es la balada rockera del álbum.
Sin embargo, como en sus dos discos solistas anteriores, Marciello se destaca cuando presenta temas cercanos a lo folklórico y su acústica toma el mando como en “Para León”, un bonito folk obviamente dedicado a Gieco. En el instrumental “Las junturas”, el guitarrista de Almafuerte brinda una lección de buen gusto y sentimiento junto a su criolla que transporta mentalmente al oyente hacia el campo. A modo de bonus track aparece “Alma de budín”, el tema de Divididos aparecido originalmente en Gol de Mujer (1998) y que el Tano adapta en una interesantísima versión con aires country.
En la recordada entrevista con El Bondi, Marciello nos explicaba que quería darle un mensaje esperanzador a las nuevas generaciones y en Identificado esa idea queda explícita de principio a fin. Desde el arte de tapa, en el que el guitarrista de Almafuerte emerge de la tierra convertido en árbol, hasta la participación que tuvieron tres jóvenes bateristas con los cuales se armó todo el álbum: David Valencia (hijo de Bin, baterista de Almafuerte), Melina Marciello (hija del propio Claudio) y Adrián Espósito, el mensaje positivo fluye continuamente.

En Identificado, su tercer trabajo como solista, Claudio Marciello da muestras de su virtuosismo pero, sobre todo, de su sentimiento a la hora de tocar la guitarra y abarcar cualquier género que permita expresar lo que quiere decir.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Chinelas Persas - Teatro Santa Maria (08-05-10)

2010-06-23T09:20:00.001-03:00

Dia Gris

Chinelas Persas festejó sus siete años en el Teatro Santa María.

El sábado por la noche Chinelas Persas llegó al hermoso Teatro Santa María para festejar sus siete años de vida de la mano de su reciente disco El yeite del nuevo día (2009). El cuarteto integrado por Gabriel Biuso en voz, Hugo Iribarren en guitarra, Orestes Di Vruno en bajo y Sebastián Ramos en batería repasó buena parte de su último material pero sin dejar de lado su ópera prima Abre tu mente (2006).
Ante un numeroso público, el show comenzó pasadas las diez de la noche con “Voy a estar” en plan brit pop. El tandem “De ti para mí” y “De mí pa ti” empezó a introducir a los presentes en un estado sombrío y climático que marcaría el rumbo de todo el concierto. Las programaciones entre tema y tema junto a los matices aportados por el trompetista invitado oxigenaron las canciones acercando por momentos a la banda a terrenos más funk
Cierto espíritu floydiano rodeó a “Holophonic trip”, que en su versión de estudio contó con la participación de Hugo Zucarelli, inventor de la holofonía, y colaborador ocasional de los propios Pink Floyd, Paul Mc Cartney y Michael Jackson. Por su parte, “Soledades” contó con la proyección de su propio videoclip y reforzó la parte visual que incluyó momentos interactivas como cuando el cantante Gabriel Biuso se entremezcló con la gente con una linterna en su cabeza ante una sala completamente a oscuras con una música de película clase b sonando a sus espaldas.
Sobre el final, Federico Bueno se sentó en el teclado para comenzar una excelente versión de “Bohemian Rapshody” de Queen, que fue interpretada de manera brillante y generó una gran ovación. Luego de dos horas, el rock potente de “Para quien” y “El yeite del nuevo día” cerraron la noche del festejo.

En el coqueto Teatro Santa María, Chinelas Persas brindó un show con buenos temas pero que por momentos caían en una continua homogeneidad signada por climas oscuros aunque esto no impidió que el público celebrara con la banda sus siete años de vida.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Chau Pekin - Las horas no pasan lentas (05-05-10)

2010-06-23T09:14:00.002-03:00

Las horas no pasan lentas

Debut más que auspicioso para Chau Pekín.

La historia de Chau Pekín se remonta a la primavera de 2003 cuando el grupo todavía se llamaba La Baina y daba sus primeros pasos en clásicos lugares del under como Cátulo Castillo, La Colorada o Speed King. Al año siguiente, con la grabación de una cortina para un programa de radio (Cultivando verdades), la banda comienza a profesionalizarse de a poco y es en ese trayecto cuando se producen algunos cambios de integrantes. En 2005 nace formalmente Chau Pekín y su primer EP, Bienaventurados los que bienvenidos sean, intenta mostrar los estilos musicales que aborda el conjunto y que finalmente se ven plasmados totalmente en Las horas no pasan lentas (2009), su disco debut.
A lo largo del álbum, la banda logra una excelente combinación instrumental gracias a la sólida base rítmica que permite un buen trabajo a nivel guitarras y el empuje de los vientos, que son protagonistas en casi todos los temas. El abuso de poder y de la violencia son reflejados en la oscuridad de “Romper el código”, con la trompeta de Ari Brukman y el saxo de Dario Bercovich bien al frente. Por su parte, “Que no!” descomprime esa sensación de opresión gracias a un ska relajado que la percusión de David Kaplan adorna muy bien.
El sonido ambiente de una reunión de amigos da pie a “Domingo” en donde el protagonista de la historia cuenta sus peripecias en el día más deprimente de la semana. La guitarra abrasiva de Martín Machabanski inicia el estupendo reggae “La feli´”, dedicada obviamente a Mar del Plata y a su aspecto cambiante según la estación del año. En cinco minutos, la voz de Diego Litmanovich canta una de las mejores letras del disco mientras los invitados Martín Adler en sintetizador y Pablo Cadel en trombón aportan sus sutilezas para lograr así el mejor tema del álbum.
El espíritu del carnaval uruguayo dice presente en “Copetear un charlatín” con los coros de la Murga Pasa Naranja al tiempo que “En un tiro sí” es un tango que cierra este tándem del Río de la Plata y que le abre la puerta al baile de la mano de la cumbia “Muchacha”. Pegada y sin prejuicios, la introducción de guitarra de “Nuevo sol” tiene un gran parentesco con “Vencedores vencidos” de Los Redondos y en su desarrollo atraviesa varios estilos, desde el reggae hasta el ska made in Karamelo Santo.
El mid tempo inicial de “Quebrado” permite que el teclado de Goyo Palermo genere una densidad interesante que luego se rompe con el repetitivo redoblante del baterista Lio Chulak y el bajo pesado de Hernán Rouffe. “Mientras” es una mixtura de ska contagioso y letra triste que es coronada con un estribillo pegadizo que promete convertirse en un clásico en vivo. Finalmente, el violín de Román Peusner y el cello de Gustavo Nuñez logran el clímax de canción de despedida que “El vagón de los ahorcados” pretende representar como corolario de este álbum en donde el tiempo aparece como leit motiv de una u otra forma.

Las horas no pasan lentas es una buena muestra de la variedad musical que aborda Chau Pekín. Desde el reggae hasta el ska, pasando por el tango y la murga uruguaya, la banda de Villa Crespo logra un excelente trabajo en el que también se destaca una cuidada producción.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Chau Pekin - La Trastienda (24-04-10)

2010-06-23T09:11:00.002-03:00

Más alto que metro y medio

Chau Pekín llenó La Trastienda para presentar su destacado primer disco.

En el lento camino hacia la masividad, Chau Pekín dio su paso más importante el pasado sábado en La Trastienda. Con seis años sobre sus espaldas, la llegada del grupo con sede en Villa Crespo al reducto de San Telmo fue la confirmación de un largo trabajo que han venido realizando en todo este tiempo de manera firme y sin saltearse ningún peldaño. Desde sus comienzos con el nombre de La Baina hasta este presente fructífero, han recorrido todo el circuito under, incluyendo giras a la costa, y se han convertido en una de las bandas fetiches a la hora de hacer cortinas para radio (el tema para Metro y Medio, el programa de Sebastian Wainraich en La Metro es su logro más conocido).
Por todo esto, no resultó raro ver a La Trastienda repleta con más de seiscientas personas coreando por Chau Pekín. El comienzo con la voz de Diego Litmanovich cantando “Quebrado” con el telón cerrado incrementó la ansiedad y a los pocos minutos ya pudo visualizarse a la banda a pleno con una venda que cubría sus ojos mientras de a poco daban paso a “Romper el código”. Ahí sí, el primer tema de su disco Las horas no pasan lentas (2009) daba inicio a la verdadera fiesta que todos fueron a buscar al tiempo que el ska “Que no!” incitaba a despegar los pies del piso.
La variedad musical es la principal característica del grupo y esto les permitió ir desde el excelente reggae “La Felí” (“me hice vitalicio del plan holgazán” es una frase digna de Los Decadentes) hasta un popurrí cumbiero que incluyó canciones de Los Wawancó. “Plegaria para un niño dormido” de Almendra también fue versionada en plan reggae pero sin perder su esencia y la murga Pasa Naranja sumó su aporte vocal al estilo uruguayo en “Copetear un charlatín”.
Luego de un breve intervalo, los integrantes de la banda volvieron vestidos como los personajes de la vecindad del Chavo del 8 y luego de interpretar el tema principal de dicha serie se despacharon con “Cantares” de Serrat. A esa altura, La Trastienda vivía una fiesta intensa que no paraba de crecer en ningún momento y en la cual los presentes se adueñaban de la idea de que el tiempo no pasa lento. “Alabartola” y “Cultivando verdades”, con Marcelo Lollo como invitado en guitarra, le fueron imprimiendo poderío rocker a la noche hasta llegar al punk poderoso de “Se va” (cover de Embajada Boliviana).
Ya sobre el final, Diego Litmanovich, con su guitarra criolla, se hizo cargo de un bonito tango llamado “En un tiro sí” y Gustavo Nuñez junto a Román Peusner endulzaron con su sección de cuerdas a “El vagón de los ahorcados”. Por su parte, “Domingo” y “Mientras”, nuevamente con la murga Pasa Naranja, cerraron una noche consagratoria.

El paso de Chau Pekín por La Trastienda significó la confirmación de que las cosas bien hechas pueden traer buenos resultados. Con un muy buen disco bajo el brazo, el octeto reafirmó su condición de “banda para ver en vivo” y brindó un excelente espectáculo.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Critica de disco Bela Lugosi - Desde el puente (19-04-10)

2010-06-23T09:08:00.002-03:00

Desde el puente

En su quinto disco, Bela Lugosi entrega un buen trabajo con toques personales pero sin dejar de lado las dosis peloteras.

Desde el comienzo en su Mendoza natal hasta el presente asentados en Capital, han pasado dieciséis años y cinco discos en la vida de Bela Lugosi. La banda con nombre de legendario actor comenzó su camino bajo la fuerte influencia de Las Pelotas (su primer álbum fue grabado en el estudio que el grupo de Germán Daffunchio tiene en Córdoba) pero a lo largo del tiempo han ido despegándose de a poco para buscar su propio camino. Desde el puente, su última producción, los encuentra en una etapa madura con melodías recordables y reggaes que cortan por momentos ciertos climas oscuros que aparecen a lo largo de los diez tracks.
El saxo de Javier Bravo es el protagonista de los dos primeros temas, “No le des hielo a las aguilas” y “Soy libre”, en donde se funden guitarras machacantes con rasgueos limpios a una velocidad casi punk. “Desde el puente”, además de darle nombre al disco, presenta una sensibilidad especial, con una melancolía expresada en su letra y en los arreglos de teclados y violines.
Las influencias peloteras afloran en “Todo está haciéndose” y “El pájaro rojo”, un denso ritmo oscuro con el bajo y la batería bien marcados en donde el cantante Marcelo Zoloa entona a la manera daffunchiana. El costado reggae dice presente en la esperanzadora “Más de lo mismo” y en “Mondongo reggae” con la percusión de Facundo Guevara y la voz invitada de Andrea Prodan, quien también se suma en el cover de “Police and thieves”, perteneciente a Junior Marvin pero en una versión más cercana a The Clash.
“El último en llegar” va preparando el cierre que llega de la mano del rock crudo y directo de “El hombre que solo le habla a las palomas”. En este último tema es donde la banda puede plasmar mejor su idea de realizar un álbum “despojado de sonidos producidos” (como ellos mismos lo definieron) y cumple así su objetivo.

Autoproducidos por primera vez, los Bela Lugosi encuentran en Desde el puente una madurez sonora que les sienta bien a sus canciones y que tiene sus momentos más interesantes en los climas oscuros.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura La Condena de Cain - Roxy Live Bar (15-04-10)

2010-06-23T08:56:00.002-03:00

Herederos

La Condena de Caín presento oficialmente su segundo disco en el Roxy Live.

La perseverancia y el trabajo de hormiga parece ser lo que mejor define a La Condena de Caín. Formada definitivamente en el 2004, la banda compuesta por músicos de Puerto Madryn y de Capital Federal ha recorrido un largo camino en estos seis años, con actuaciones en todos los recintos under de Buenos Aires. El pasado jueves fue el turno de la presentación oficial de En el letargo de los pensados (2010), su segundo disco, en el Roxy Live y hacia allí nos dirigimos.
Pasadas las nueve y cuarto de la noche, el quinteto integrado por Sawa Mielnik en voz, Matías Westerkamp en guitarra, Marcelo Di Giovanni en bajo, Héctor Cantin en saxo y Daniel Jinkis en batería salió a escena con dos temas de su última producción: “Remo” y “Carne blanda”. Al escuchar los primeros acordes, la gente que todavía estaba afuera o deambulaba por el hall del Roxy se apuró a entrar y para “Tan free shop” el recinto lucía con su capacidad casi al tope.
“Freak show”, perteneciente al primer EP del grupo, continuó en la lista y el legendario Kubero Díaz fue el primer invitado de la noche. Su guitarra rockera se sumó a la potencia de “Susurro de un náufrago” y luego el quinteto se despachó con “Qué cansador es ser siempre uno mismo”, un excelente blues con aire zeppeliano. El arranque a puro saxo de “Lo inerte y lo real” emparentó a La Condena con Los Redondos, quizás la máxima influencia de la banda tanto desde el lado estético como el musical. Los riffs y las melodías de la guitarra de Matías Westerkamp son claramente de la escuela de Skay Beilinson pero la voz de Sawa Mielnik no tiene ningún parentesco con la del Indio Solari por lo que La Condena está exenta de cualquier tributo ricotero encubierto.
Sin embargo, la aparición de Sergio Dawi para encargarse del solo de saxo de “Rufián entre otros tantos” no dejó de excitar al público que por un rato sintió la magia de Patricio Rey. El funk de “Mosquito”, con su medley de temas clásicos de Deep Purple, Pink Floyd, y Zeppelin, fue de lo mejor de la noche mientras que en “Hombres de ciencia ficción” la voz invitada de Joana Gieco los acercó un poco al folk.
En el final, se sucedieron una tras otra “Peste negra”, “Sediento de amor” y “Fábula de la quimera” para que luego de un breve intermedio el show concluyera con la potencia rockera de “El oro y la pólvora”.

La Condena de Caín presentó en el Roxy Live su segundo disco con una buena combinación de bases rockeras y riffs herederos de la escuela ricotera.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Jools Holland - Teatro Gran Rex (05-04-10)

2010-06-23T08:52:00.001-03:00

Elegancia inglesa

Jools Holland presentó en el Gran Rex su big band de rhythm and blues y cautivó al público a fuerza de grandes interpretaciones.

No hay muchas alternativas en la actualidad para ver big bands en nuestro país por lo tanto cuando se presenta la oportunidad hay que aprovechar ese instante al máximo. Y justamente eso fue lo que hicieron los espectadores que se acercaron al teatro Gran Rex el pasado jueves para presenciar el show de Jools Holland y su Rhythm and Blues Band.
Holland es conocido en el mundo por ser el conductor de un programa televisivo en el cual desfilan grandes figuras como Paul McCartney o Metallica y también artistas ignotos que intentan darse a conocer en esa vidriera musical. Paralelamente a su trabajo como animador, este inglés de cincuenta y dos años incursiona en la música junto a su orquesta y desde su piano dirige un gran combinado de rhythm and blues, soul y woogie woogie.
En su primera visita al país, el conductor que fue encargado de entrevistar a los Beatles para los compilados Anthology, demostró durante dos horas la vigencia y la calidad de temas de Muddy Waters (“Mojo Workin´) o Edith Piaf entre otros. Pero también hubo lugar para sus propias composiciones y es allí donde cada uno de los veinte músicos pudo lucirse, desde el guitarrista Mark Flanagan, pasando por el baterista Gilson Lavis hasta llegar a la morena “reina del soul” Ruby Turner quien con su voz encantó a todos los presentes.
El trombonista Rico Rodriguez fue el más ovacionado de la noche e incluso cantó algunas estrofas en el clásico ska “Enjoy yourself”. Por su parte, el público acompañó con sus palmas y se puso de pie al ritmo de los numerosos woogie woogies que por momentos convirtieron al Gran Rex en un gran salón de baile e hicieron de la noche del jueves una fiesta musical.

Acompañado de una correctísima big band, Jools Holland deleitó por primera vez al público argentino con grandes versiones de rhythm and blues, woogie woogie y soul.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Implosion - Implosion (21-03-10)

2010-06-23T08:49:00.002-03:00

Implosión

En su debut homónimo, Implosión ofrece un buen combinado de power pop punk.

Con diez años sobre sus espaldas, la banda platense Implosión editó finalmente su primer disco bajo la producción de Ray Fajardo (ex integrante de El Otro Yo). El grupo integrado por el bajista Matt, el baterista Joan Moko y el cantante y guitarrista Marian Deimp, único sobreviviente de la formación original, recorre a través de diez temas una buena paleta estilística que se asienta principalmente en la veta pop punk pero sin descuidar el costado cancionero.
Las guitarras punzantes y el ritmo bailable de “La nueva sociedad llegó” recuerdan a las bandas inglesas de principio de milenio e invita a despertarse a pesar del dolor que trae aparejado la evolución. “Viajar” presenta una calma guitarrera que deriva en un final puramente grunge y esta línea continúa en “Demasiado lejos”. En “Te ví partir”, la banda se acerca a la balada rock y domina el acompañamiento acústico al igual que en “A las estrellas”, una típica canción para el fogón.
“Voy mal” alterna entre un swing entrecortado y estribillos más rápidos que luego le dan paso a “Recuerdos”, otra canción fogonera con sabor radial. El juego de guitarras en “Voy por más” junto a la base rítmica con cierto aire jazzero en las estrofas convierten al tema en lo más destacado del álbum. Ya en el final, “Mirándote” cuenta con la participación de un invitado llamado DC, quien aporta dos instrumentos inusuales, el théremin y el kaosilator, para generar un oscuro clima melancólico. El piano se hace presente en “Podrías morir” acompañando así la suavidad de esta hermosa balada que cierra el disco.
El buen arte de tapa junto al booklet donde figuran las letras manuscritas terminan de englobar el concepto de inocencia juvenil que la lírica destaca a través de todo el trabajo.
En tan solo media hora, Implosión plasma su disco debut con diez temas que rondan los tres minutos cada uno y alternan entre la potencia del pop punk y la suavidad de las baladas.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica Hoy Somos Duendes - Del mas aca (08-03-10)

2010-06-23T08:45:00.002-03:00

Del más acá

Hoy somos duendes debuta con un primer álbum que mezcla rock, reggae y ritmos latinoamericanos.

Formada en el tormentoso año 2002 y proveniente del barrio de Villa Urquiza, Hoy somos duendes es una banda que ha pasado por los casi ineludibles cambios de integrantes y hasta una separación de un año y medio. Sin embargo, luego de un demo de tres temas que vio la luz un largo tiempo atrás, finalmente en 2009 logran afianzarse con la aparición de su primer disco llamado Del más acá y que fue grabado en el Estudio del Nuevo Mundo, propiedad de Litto Nebbia.
A lo largo de doce temas, el grupo muestra una interesante versatilidad para moverse por distintos géneros. La acústica y la voz de Agustín Schreiber dan comienzo a “No quiero verme en calma”, una canción rockera que da paso a los vientos de Faffner da Frenchi, Matías Marquez y José Sterren, quienes junto a la percusión de Gonzalo Arevalo hacen de “En busca” un buen ska saltarín. “Hoy queda lejos” es el mejor tema del disco, un reggae abolerado en el que se destaca la precisa batería de Patricio Otero a la cual se le pega la onda latina de “Que no daría”.
“En vida injusta” las guitarras de Francisco Schreiber toman el mando de este potente rock y contrastan con la murga estilo Piojos de “Señorín francés”, una crítica a los niños bien de nuestra sociedad. En “Cura sin enfermedad”, el propio Francisco presta su voz que mantiene la suave calma que domina la armonía del tema y que se hermana con “Miel de abejas”, cantada por el bajista Hernán Gómez.
El reggae vuelve en “¿Quién sos?”, con un buen trabajo en los coros y un estilo similar a La Vela Puerca, al tiempo que la invitada Julieta Lizzoli ayuda con su voz en el precioso “Huaynito, del más acá” y que conecta a la banda con el norte argentino. El trompetista Faffner da Frenchi es otro de los que también muestran sus dotes vocales en “Deja de llover” para cerrar así el álbum con un rock bien rioplatense.

En su ópera prima, Hoy somos duendes logra un disco más que aceptable, con buenas combinaciones de rock, reggae y ska sumado al buen desempeño instrumental de cada uno de sus integrantes.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Goro Wins - Libario (05-03-10)

2010-06-23T08:40:00.001-03:00

Sobran las palabras

La banda de fusión instrumental Goro Wins brindó un concierto memorable en Libario Bar.

Cuenta la historia que Goro Wins se formó en el 2008 casi de casualidad cuando tres de sus actuales integrantes estaban de visita en el Estudio Santa Marta. Al ver los instrumentos a su alcance, Martín Atala (bajo), Hugo Basualdo (guitarra) y Santiago “T-Rex” Suárez (batería) decidieron improvisar un rato y al sentir que entre ellos existía una química ideal resolvieron armar un proyecto en conjunto. Con la incorporación de Lisandro Federici en teclados, en el 2009 comenzaron las presentaciones en vivo y el proceso de grabación de su primer EP denominado Fatality y que tuvo su primer fogueo en público el pasado viernes en Libario Bar.
Pasadas las doce y media de la noche, la banda a pleno dio comienzo al show con una improvisación de base funk que sirvió para ir calentando motores. Inmediatamente después dieron a conocer los temas que integran el EP y que fueron apareciendo de a poco en el set list. El primer turno fue para “Hombre lobo”, un reposo casi soul con pasajes bien rockeros, que se acopló perfectamente al oscuro riff, con ciertos aires “santanescos”, de “Ocaso en Madrid”.
“Aruba” trajo la calma necesaria para que Hugo Basualdo demuestre su exquisitez a la hora de solear y el tecladista Lisandro Federici aporte los climas correctos que luego dieron paso a la sección funk integrada por “Riffomatico” (con extractos de música disco) y “Pimienta”. Allí la base formada por Martín Atala y Santiago Suárez demostró entenderse a la perfección y dio auténticas lecciones de bajo y batería. Es interesante ver como cada integrante tiene su momento para lucirse pero ninguno de ellos recurre a la virtuosidad sino que aplica la dosis de calidad que cada tema pide.
“Push up” y “Demencia”, junto a un tema aún sin nombre, sirvieron como adelanto de las nuevas composiciones que esperan ser grabadas en el primer disco del grupo y que fueron muy bien recibidas por un público que, además de colmar el recinto, ovacionó a la banda en todo momento.

Con apenas dos años de historia, Goro Wins es uno de los grupos con más futuro dentro del under porteño. Su mezcla de rock, jazz y funk instrumental hacen de la banda uno de los hallazgos más interesantes de los últimos años.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Anabella Reggiani

Entrevista Bela Lugosi (01-03-10)

2010-06-23T08:32:00.003-03:00

"Hicimos un disco alejado del interés comercial"

Las continuas lluvias en Capital nos impidieron encontrarnos con ellos pero, navegando a través de la red de redes, concretamos por mail esta entrevista con Bela Lugosi para hablar de "Desde el Puente" su última producción discográfica.

En sus más de quince años de existencia, Bela Lugosi ha trascendido las fronteras de su Mendoza natal para darse a conocer por varias provincias y principalmente Buenos Aires, donde están afianzados hace ya bastante tiempo. En el camino han compartido escenario con bandas como Los Piojos, La Renga, Divididos y Las Pelotas, además de haber grabado cinco discos incluyendo el reciente Desde el puente (2009) que motivó esta charla virtual con el cantante y guitarrista, Marcelo Zoloa.

¿Qué diferencias ven ustedes mismos entre este disco y el anterior?

En este disco, si bien sigue la línea de Tomándoselo con Calma (2007), se buscó llegar a lo más esencial de la banda. Si hacíamos un reggae teníamos que ser nosotros haciendo reggae y no intentar ser una banda jamaiquina. Este es un disco que transita por varios caminos y personalmente me interesaba que fuera como un álbum de fotos de distintos paisajes...el mar, la montaña, el asfalto, la resignación y la fe. Y en cuanto a lo musical, que todos estuviéramos satisfechos con el sonido de su instrumento y de lo que tocamos. Fue duro llegar a eso, buscábamos que el resultado de este disco representara los 16 años de banda y lo que somos en vivo.Según su propia definición, este disco está despojado de sonidos producidos.

¿A qué se debió? ¿Qué buscaron al encarar el trabajo de esa manera?

Siempre entendí a la música como algo espontáneo, como algo inmediato. O sea una canción si está buena, tiene poder por sí misma...podés producirla, meterle una sección de cuerdas, de vientos, y probablemente sume o quizás no. Cuando una canción es buena no necesita nada más que una buena interpretación y una guitarra criolla. Entonces pensamos que teníamos un puñado de temas que nos gustaban mucho y que queríamos grabar pero a la vez no importaba un súper estudio, ni un productor artístico, ni un súper mastering ni nada de esa mierda marketinera. Hicimos un disco alejado de todo lo que supuestamente se debería hacer para que fuera de interés comercial. Era como decirnos que confiamos en nuestra música e invitamos a un par de músicos de lujo como Facundo Guevara en percusión y Andrea Prodan que sumaron al concepto. Es un disco directo, alguien me dijo la otra vez que cuando lo terminó de escuchar tuvo la sensación de un tortazo en la cara... jajaa como en las películas...me gusto mucho eso!

¿Cuál fue el motivo de la elección de grabar "Police and thieves" de Junior Marvin?No sé si coinciden conmigo pero a mi entender lograron un sonido muy similar a The Clash aún cuando la versión de ustedes es diferente a la que solían hacer los ingleses de ese mismo tema...

Gracias. Creo que cuando uno viene influenciado por ciertas bandas es inevitable que se transparente de algún modo. No queríamos hacer una copia de los Clash pero aun así tampoco queríamos que ese ambiente original que tiene el tema se perdiera. Pienso que es una de las grandes canciones de los últimos 40 años y aunque preferimos enfrentarnos con nuestras propias aventuras (al no hacer temas de otros), esta canción nos gustó mucho tocarla y mientras mas la tocábamos le empezamos a gustar a ella. Eso pasa muchas veces con las canciones ajenas, tiene que haber una etapa de conocimiento y al final esa canción te termina amando o dejando. Asume su parte femenina creo...jaja

¿Cómo fue grabar ese cover con Andrea Prodan?

Andrea mas allá de ser el hermano de Luca es un cantante como pocos. Y en el estudio fue muy rápido todo. Hicimos un viaje de una hora para grabar su voz pensando que en dos horas terminábamos su parte, sin embargo, Andrea hizo todo de primera toma y quedó perfecto! O sea, viajamos una hora y el tipo en 10 minutos liquidó todo. Es la madera Prodan supongo. Encima Andrea nos dijo que se había emocionado al escucharnos tocarlo ya que recordó que él no lo escuchaba en vivo desde 1977 cuando vio precisamente a The Clash en Londres junto a Luca. Así que teníamos más que un buen motivo para invitarlo a cantar ese tema

Hay un costado pelotero en Bela Lugosi que es indudable ("El pájaro rojo" es un ejemplo). ¿Siguen tomando a Las Pelotas como un gran referente?

Con Germán, con el bocha Sokol y con Timmy hubo y hay una relación de amistad. Ellos vienen de la escuela de Sumo directo, nosotros indirectamente. Seguimos esos caminos. No creo que este disco tenga mucho que ver con lo pelotero. “El pájaro rojo” es un tema bastante mas emparentado a la onda Black Sabbath que a Sumo. Y la verdad que a la hora de componer no tomamos referentes. Tal vez sí pasó en el primer disco pero, bueno, si lo que escuchas de Bela Lugosi te hace acordar a otra banda y aun así te gusta, bienvenido. Si hubiéramos sacado este disco hace 50 años atrás, te estaría convenciendo que somos una banda de vanguardia jaja

Hace ya un tiempo largo que viven en Buenos Aires. ¿Se sienten afianzados en este circuito? ¿Qué encontraron de bueno y de malo acá?

Ahora cada vez más gente nos conoce y eso es bueno. Es el segundo disco que hacemos instalados acá y la gente se fue sumando de a poco. Lo bueno es haber encontrado un lugar y lo malo es darte cuenta que solo la música no alcanza cuando tenés que empezar de cero. El rock dejó de ser algo interesante desde el concepto y acá lo ves mejor porque acá está la industria que genera que tu música llegue a la gente. Están los sellos discográficos, los grandes medios gráficos, radios y la televisión aunque en realidad a todos ellos no les importa un carajo la calidad sino la cantidad. Entonces ves todo eso de un modo claro, por ahí desde afuera sos más ingenuo. Prefiero seguir haciendo música, apuntando a los que comparten este viaje con nosotros, y alejarnos lo más posible de esa manga de farsantes.

¿Cómo viene la preparación para el concierto del 12 de marzo en el Marquee? ¿Hay algo especial para esa fecha?

Esta es nuestra primera fecha grande que hacemos solos. Y por suerte todo indica que será una gran noche donde haremos todo el disco nuevo y un repaso de los anteriores con muchos invitados, amigos que hemos cosechado acá. Se me ocurre que no va a faltar nada esa noche.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco - Aventureros del Cemento (Vieja Cepa) (22-02-10)

2010-02-27T13:45:00.002-03:00

Aventureros del Cemento

Vieja Cepa apuesta al rock con algunos matices en su tercer disco.

Oriundos de General Alvear, provincia de Mendoza, a lo largo de sus dieciséis años de trayectoria, los Vieja Cepa han atravesado por distintas situaciones, desde la rotación de integrantes hasta el cambio de nombre, pero el afincamiento en la ciudad de Buenos Aires en 2005 logró asentar el proyecto compartido por Gabi Iturbe (voz y guitarra acústica), Mauro Salinas (guitarras), Bily Álvarez (guitarra y voz), Chipi Sánchez Carrillo (bajo) y Alejandro Iturbe (batería). Aventureros del Cemento es su tercer álbum de estudio y cuenta con la participación de numerosas personas ligadas a Los Piojos, desde Gustavo Kupinski, productor del disco, hasta Jimena Díaz Ferreira, diseñadora de la banda de El Palomar y encargada del estupendo arte que acompaña este trabajo.

“Marionetas de la noche” y “Vivo el hoy” es el tándem inicial que se caracteriza por su potencia rockera mientras que en “Aventureros del cemento”, Ricardo Mollo aporta su guitarra para una balada hard. Peteco Carabajal suma su voz y violín en la folclórica “Espuma del mar” que da paso nuevamente a la expresión más cruda del rock materializada en “Héroes de papel” y “Buscando entre las cosas algo más”, que posee reminiscencias al sonido de El Bordo versión Yacanto.

“Hágase la luz” es un delicado tema con aires reggae dedicado a la hija de Gabi Iturbe mientras que “Vuelvo al nido” (con la voz de Pablo Pino de Cielo Razzo) y “Si ves el sol” comparten una interesante interacción entre las guitarras. Bily Álvarez toma el micrófono al tiempo que Gutavo Kupinski contribuye con su bandoneón en la sentimental “Voy”. Para el final quedan la crítica de “Y si voy” junto a “Baldomero y Varela”, en donde retratan la urbanidad de Floresta, barrio en el cual está asentada la banda.

Vale la pena destacar el ingenioso packaging que acompaña el álbum, que cuenta con doce tarjetas que simulan ser parte de un juego de mesa de aventura y en el cual están plasmados los datos técnicos y los agradecimientos. Además, las letras (escritas en una diminuta tipografía) pueden leerse con una mini lupa que también viene incluida en la cajita del disco.

A lo largo de los trece tracks de Aventureros del Cemento, los mendocinos de Vieja Cepa siguen una línea rockera que por momentos se hace monótona y encuentra en los matices más calmos y folclóricos un buen respiro.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Gillespi - La Trastienda (11-02-10)

2010-02-27T13:42:00.004-03:00

Ningún Impostor

Gillespi ofreció un show impecable en La Trastienda para presentar su último disco.

Los artistas multifaceticos muchas veces cuentan con la desventaja de ser analizados por el público (y la crítica) con el objetivo de encontrarle el punto débil a sus actividades, alguna pata floja que haga caer la estantería de sus obras. Y de ese “observatorio del error”, pocos son los que salen

bien parados y Marcelo “Gillespi” Rodríguez es uno de ellos. Músico, conductor de Falso Impostor (FM Rock and Pop), autor de Blow, un libro dedicado a la trompeta editado el año pasado y eterno colaborador de los programas de televisión de Roberto Petinatto, Gillespi ha sabido asentar su trayectoria sobre un denominador común con el cual pisa sobre seguro: el humor. El pasado jueves en La Trastienda fue el turno de observar su perfomance como trompetista teniendo como excusa la presentación de Gillerama (2009), su quinto disco solista.

El ambiente cálido y cordial de San Telmo fue el lugar indicado para el comienzo del show con una suave introducción jazzera que derivó en “Budong”, tema que abre justamente su última placa. Acompañado por grandes músicos, Gillespie pudo desenvolverse a sus anchas para repasar buena parte de sus producciones desde Ultradeforme (1998) hasta el mencionado Guillerama. Y a pesar de tratarse de un proyecto solista, el ex integrante de Las Pelotas dejó constantemente que se lucieran sus compañeros e interactuó junto a ellos permitiendo que el público aplaudiera a todos por igual.

Los sintetizadores de Alejandro Franov trajeron recuerdos de las bandas de fusión de los setenta mientras que por su lado el histórico tecladista Patán Vidal aportó los arreglos ideales en temas de tinte soul y funk. La Cabra se hizo cargo de la voz en algunas canciones como la romantica Cambió, interpretada en su momento por Billie Holliday y cuya letra fue adaptada al castellano por Pedro Aznar. En “Señor Mendez” (“una canción de protesta que hice contra Menem pero como no tiene letra, nadie se enteró” dijo Gillespie entre risas), el bajista Norby Córdoba, el joven baterista Javier Martínez y el violero invitado Rano, se entrelazaron en un furioso funk con un final potentísimo.

Ya sobre la recta final, el talentosísimo Baltazar Comotto sacó a relucir toda su estirpe rockera en la blusera “Glambeats” al tiempo que el prestigioso trompetista Americo Belloto dio cátedra en “Cissy Strut”. Para el bis y ante la insitencia del público, los músicos regresaron con una personal versión funky de “Come together” y coronaron así una gran noche.

Con buenas combinaciones de jazz, funk y soul, Gillespi dio a conocer los temas de Gillerama en La Trastienda en una función que se repetirá este jueves.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotografo: Beto Landoni

Critica de disco - Rey o Reina (Los Violadores) (08-02-10)

2010-02-27T13:38:00.002-03:00

Rey o Reina

Undécimo disco de estudio para Los Violadores en donde revalidan todas sus credenciales.

Veintisiete años pasaron desde el primer disco de Los Violadores a comienzos de los ochenta y varios cambios en la formación, con distintas separaciones y reuniones, hasta llegar a este presente en que el grupo se encuentra nuevamente consolidado. Bajo un sol feliz (2006) fue el álbum que volvió a ubicarlos OTRA VEZ en la escena musical, con buenas críticas en los medios, y un público numeroso que les permitió tocar en los principales festivales del país. Su última producción, Rey o Reina (2009), acentúa aún más este firme camino a través de trece temas que contienen el inconfundible sello violador.

“Bombas de gas”, compuesta a mediados de los ochenta, es la que abre el disco y comienza a marcar el rumbo general a fuerza de un sonido clásico, con guitarras filosas bien al frente y la voz de Pil Trafa como estandarte. “Rey o reina” encierra el espíritu de The Clash (homenajeados junto a Elvis desde el arte de tapa) en un tema controversial que critica duramente al gobierno K con un estribillo pegadizo difícil de olvidar: “de república a monarquía va, la reina Cristina”. En “Fashion revolución” describen, junto a Chizzo Nápoli de La Renga, la adaptación de la imagen del Che Guevara como una mera estampita sin ideología dentro del mercado capitalista.

“Operación no me olvides” es un muestrario histórico de la política argentina mientras en “El infierno puede esperar”, el Tucán Baruskas pudre su guitarra y entrega uno de los mejores temas del disco. El bajista Niño Khayatte se hace cargo de la voz en “La gran explosión” con aproximaciones al pop y en “No quiero ser igual a vos”, Martín Carrizo, productor del disco, toma las riendas del tambor de marcha. A partir de “Odisea espacial” y “La rouge et le noir” acentúan la veta punk a la que le adhieren potencia extrema como en “La zona fantasma”.

“Camino a Detroit” hubiera sido ideal para el pogo de lugares sudorosos como Cemento al tiempo que el “fuck off” de “El ojo avizor” será coreado en futuros shows por todo el público. El cierre llega con la circense “Gracias a Dios”, cantada por el baterista Niño Vall, que no es otra cosa que una satirización del caso del Padre Grassi con una música similar al clásico “Gracias al cielo” de Billy Bond y La Pesada.

En Rey o Reina, Los Violadores se muestran a la altura de su historia con buenos temas que, lecturas políticas al margen, los siguen confirmando como los mejores exponentes del punk en nuestro país.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura The Cranberries - Luna Park (05-02-10)

2010-02-27T13:34:00.004-03:00

Para los fieles

The Cranberries brindó un gran show en el Luna Park en su primera visita al país.

A mediados de los noventa, bandas británicas como Blur y Oasis se robaron casi todo el centro de atención de la prensa mundial, dejando un tanto relegado a grupos como The Cranberries. Es que si bien este grupo irlandés gozó de un gran pico de popularidad allá por 1995, con el correr de los años su llama se fue apagando hasta el

impasse definitivo de 2002. Sin embargo, a fines del año pasado se volvieron a reunir y encararon una gira mundial que ahora los trajo por primera vez a la Argentina.

En la tormentosa noche del viernes, el Luna Park era un hervidero gracias a la humedad imperante y al calor de la gente que estaba ansiosa por ver al conjunto liderado por la cantante Dolores O´Riordan. Apenas pasadas las nueve y media, la banda a pleno arrancó el show con “How” y “Animal Instinct” ante la efervescencia del público que en “Linger” empezó a encontrar lo que fue a buscar: los hits que llevaron a Cranberries al éxito.

Los irlandeses (Mike Hogan en bajo, Noel Hogan en guitarra y Fergal Lawler en batería) mostraron en todo momento un excelente manejo de los climas pudiendo convertirse en una máquina pop (como en “Wanted”) o simplemente susurrando un lento como “You and me”. Sin dudas, Dolores O´Riordan es la que lleva las riendas en el escenario, aportando carisma y una técnica vocal envidiable que maneja a la perfección. Puede ser dulce en baladas como “When you are gone” pero también puede apoderarse del espíritu salvaje del punk en la agresiva “Salvation”, una de las más festejadas de la noche.

Si bien la puesta en escena fue más que austera, Cranberries priorizó el poder de las canciones y no se equivocó, ya que tuvo en todo momento al público de su lado. Aún los dos temas del período solista de O´Riordan (“Ordinary day” y “The journey”) fueron bien aceptados aunque obviamente los clásicos fueron los que se ganaron la ovación final. Es que en la noche del Luna, no faltaron ni “Ode to my family” ni la impresionante potencia de “Zombie”, que no tuvo nada que envidiarle al reciente paso de Metallica por nuestro país. El cierre llegó con “Promises” y “Dreams” luego de poco más de una hora y media de show.

En la escala sudamericana de su gira reunión, The Cranberries demostró en el Luna Park estar en un excelente momento, con clásicos inolvidables y un show bien ajustado que los revalida como una de las grandes bandas de los noventa.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Anabella Reggiani

Cobertura Cientificos del Palo - Vinoteca Perrier Mar del Plata (31-01-10)

2010-02-27T13:27:00.002-03:00

Al repalazo

Científicos del Palo se presentó en su Mar del Plata natal y brindó un show a un volumen altísimo.

La invitación para el recital deCientíficos del Palo tenía como destino la Vinoteca Perrier de Mar del Plata y hacía allí nos dirigimos. El lugar, uno de los más renombrados del circuito under de La Feliz, tiene dimensiones pequeñas y conserva algunas costumbres propias del amateurismo como el hecho de no prender los ventiladores aunque afuera (y adentro aún más) la temperatura supere los treinta grados. Aún en estas condiciones adversas,Pizza Delirio y Perfectos Extrañostuvieron la oportunidad de mostrar lo suyo para que luego Científicos hiciera su correspondiente set.

Cerca de las nueve y media de la noche, la banda liderada por el cantante y guitarrista Pepo San Martín subió a escena para dar comienzo al show con “Camino”, el tema que abre su último disco Indigencia y Distancia (2007). El inédito “Llame Jah!” desató el primer pogo de la noche para después bajar un poco la intensidad con la música lúdica de “Cierra el almacén”. En el cuarto tema, Pepo invitó a subir al tandilense Juan para que se haga cargo del bajo no sin antes aclararle que esa era la primera vez que el chico tenía la oportunidad de triunfar en el mundo del espectáculo así que debía aprovecharla, lo cual obviamente provocó una risa generalizada. De esta manera, hicieron la apacible “Tarde”.

Nuevamente con Calos Andere en el bajo, el baterista Nicolás Terrén dio inico a “¿Pa quién va a ser sino es para vos?”, una de las canciones incluidas en el álbum debut de 2004 denominado Ante todo…buenas tardes. A partir del funk “Until the victory, chango” el volumen comenzó a subir aún más y esto por momentos hizo que en los temas más poderosos se pierda un poco de prolijidad ya que el recinto de la Vinoteca Perrier parece no tolerar tanta densidad sonora. Por eso, las que más se lucieron fueron las melodías tranquilas del reggae “Dormijito” y la bonita “Código Morsa”.

Antes de tocar “Dos” y previo al amague de interpretar “Foxy Lady” de Hendrix, Pepo aprovechó la ocasión para recordarle al público que el 14 de febrero se presentarán gratis junto a Divididos y Gran Martell en el Parque Roca de la Ciudad de Buenos Aires. El rock al palo de “Voy al mazo” volvió a encauzar el show y la casi traumática “Fucking amor” les recordó a todos lo difícil que pueden ser a veces las relaciones de pareja. Para el final quedaron otro inédito, “Zamba en braile”, y el riff coreable de “Los gomías”.

En un nuevo show en su ciudad, Científicos del Palo entretuvo por más de una hora a su público a pesar de un volumen excesivamente elevado teniendo en cuenta las pequeñas dimensiones de la Vinoteca Perrier.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco - Dale que te gusta... (Mad) (25-01-10)

2010-01-31T14:50:00.002-03:00

DALE QUE TE GUSTA...

Mad rockea de nuevo en su cuarto disco de estudio.

Con más de diez años de trayectoria, Mad se ha establecido como una de las bandas más importantes del under gracias a su rock potente y guitarrero que en un comienzo los hermanó demasiado a AC/DC pero que con el tiempo los ubicó en su propio camino al punto de que la Cancillería Argentina los considere de “interés cultural para sus presentaciones en el exterior”. Luego de un par de giras por Europa, la banda consolida su estilo en Dale que te gusta (2009) con catorce canciones que sudan rock and roll de principio a fin.

Las gaitas escocesas funcionan como obertura para “Bienvenidos al show” en un inicio que va levantando temperatura de a poco y que al segundo tema ya comienza a tomar color con el riff endiablado de “Nunca des al rock por muerto” acompañado por un frenético solo de Ricardo Mollo. “Contrareloj” se destaca por las guitarras rítmicas a lo AC/DC y la voz casi rota del nuevo cantante, Gato Medina, al tiempo que “Música desagradable” contiene una letra de tono humorístico.

Pity Álvarez le pone su impronta desprolija a “El mulo” y linkea casualmente con “Lima el limón”, que bien podría integrar el repertorio de Intoxicados, ex banda de Álvarez. El comienzo a puro órgano Hammond es la carta de presentación del otro invitado, Ciro Fogliatta, que suma sus teclas en el machacante “Bloqueado” además del piano de cola en “Blues del chico pobre”, uno de los mejores temas de Dale que te gusta.

En todo disco de rock no pueden faltar las alusiones a las chicas y a los vicios por lo que “A cien” y “De fiesta otra vez” se encargan de ratificar esta teoría. La batería cruda del reincorporado Vasco Urionagueña, junto a las violas de Julián Méndez Morgan y Nico Fernández Barreiro, nos introduce en la narración social de “Perdidos en el descontrol” hasta que el rock and roll bailable de “Pegale en los ojos” cierra el álbum nuevamente con el piano invitado de Ciro Fogliatta.

Desde la sugestiva tapa, pasando por el ilustrado booklet, hasta llegar a su página web, Mad también ofrece un excelente complemento audiovisual para su cuarto trabajo de estudio.

Luego del disco en vivo Laiv in Once, Mad reestructura su formación y entrega un nuevo material caracterizado por un rock and roll sólido y grandes invitados.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco - Cara o Ceca (Caballos de Noche) (25-01-10)

2010-01-31T14:46:00.004-03:00

Cara o ceca

Caballos de Noche debuta con un disco de rocanrol stone un tanto devaluado.

Un aviso en la revista Rolling Stone fue el puntapie inicial para que en el 2003 se formara Caballos de Noche (nombre tomado de un tema de los Ratones Paranoicos) de la mano del cantante y guitarrista Lucas y el baterista Matías. En los años siguientes la formación se fue afianzando, no sin antes atravesar algunos cambios, hasta llegar al quinteto actual que se completa con Tito en bajo, Franco en teclados y Diega en guitarras.

Las sirenas y los tiros de la policía abren el álbum para pintar así la realidad que Caballos de Noche describe en “Barrio” y que, ya desde el vamos, los define como un prototipo de lo que se denomina “rock chabón”. Sin embargo, esa parece ser la apuesta de la banda ya que a lo largo de Cara o Ceca (2009) repiten las temáticas del rocanrol, la calle y las chicas fáciles, siempre sobre la base de rocanroles con impronta stone pero que parecen tener como modelo al peor Pity Álvarez en vez de a Jagger y Richards. El cantante Lucas es quien quizás tenga la mayor responsabilidad sobre esto ya que su voz desgarbada y casi siempre al borde de la desafinación se mantiene a lo largo de todos los temas.

La trompeta de Nicolás Iriarte y el saxo de Stefanía Martín intentan ponerle algo de sofisticación a la letra burda de “Entregamelo” (“si te mojás siempre sobre el colchón / yo te digo nena lo tenés que intentar / después no lo vas a querer dejar”) mientras que la armónica de Diego Sallustio se suma al blues “Bajo control”. La rapidez de “Todo sucio” contrasta con el boogie guitarrero de “Boogie de noche” al tiempo que la historia de vicios se adueña de “Tan al borde de la locura” y “A una cuadra de la plaza Dorrego” pinta una noche en San Telmo.

“Solo para mí” cierra el disco y, a su vez, es un perfecto corolario para encerrar el concepto de Caballos de noche. En cuatro minutos y medio, la banda practica un típico rocanrol stone con una letra rústica que supera en mal gusto al propio Luis Almirante Brown (el personaje de Diego Capusotto): “le mandé dedo y empezó a babosearme / su corazón latía cada vez más / estaba tan loca no podía frenarla / y tan caliente que no paraba de reir / sacó sus tetas y se tiró a la cama”.

Caballos de Noche es un claro ejemplo de lo mal entendido que fueron (y son) a veces los Rolling Stones en nuestro país. Aunque no haya una explicación certera de por qué se haya arraigado tanto en Argentina el sonido stone marca Satisfaction, lo que sí es seguro es que aquí pareciera ser lo único que se rescató de Jagger y compañía. Y el resultado de esto da como muestra trabajos como Cara o Ceca, en donde lo importante pasa más por el hecho de hacer rocanrol que por cómo hacerlo.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Charly García - Polideportivo Mar del Plata (23-01-10)

2010-01-31T14:41:00.005-03:00

No es un extraño

Charly García se presentó en Mar del Plata en el marco de su gira retorno y ofreció un show impecable.

Si dos años atrás alguien hubiera dicho que un recital de Charly García podía desarrollarse con total normalidad y con una alta calidad musical desde el escenario, seguramente nadie hubiera creído en esas palabras. Sin embargo, el proceso de recuperación de uno de los compositores más importantes de nuestro país ha ido evolucionando hasta este presente que lo muestra en buena forma y, sobre todo, dando espectáculos dignos de su trayectoria. Si bien el camino final hacia dicha recuperación es largo, los resultados hasta el momento muestran signos esperanzadores y el show del pasado sábado en Mar del Plata así lo demuestra.

En un Polideportivo que mostraba grandes claros en el campo (las entradas desde $150 pesos habrán sido bastante determinantes para esto), las luces se apagaron pasadas las diez y el telón virtual de la pantalla se corrió al ritmo de “El amor espera”. Con un buen sonido, la maquinaria García se puso en marcha rápidamente de la mano de un setlist que recorrió sus grandes creaciones a lo largo de los años pero que puso el foco básicamente en la década del ochenta. Así se escucharon temas como “Promesas sobre el bidet”, “Adela en el carrousel” y “Canción de 2x3” que respetaron los arreglos originales o “Fanky” y “El rap del exilio” que pusieron a todo el público a bailar.

La urbanidad de “No soy un extraño” se vio reflejada en las excelentes imágenes proyectadas, que fueron una constante a lo largo del show, mientras que “Cerca de la revolución” y “Demoliendo hoteles” sonaron potentes, ideales para que el Negro García López sacara a relucir su ferocidad rockera con su guitarra. “Yendo de la cama al living” sirvió de excusa para la presentación de la banda, integrada por los chilenos Carlos González en bajo, Toño Silva en batería y Kiuje Hayashida en guitarra, junto a un sobrio Zorrito Von Quintiero quien con sus teclados acompañó perfectamente la performance de Charly. Pero la que se llevó todos los aplausos fue Hilda Lizarazu, que se lució en la siempre emocionante “Chipi Chipi”, en la ochentosa “Nos siguen pegando abajo” y en “Pasajera en trance”. La actual pareja de David Lebón mostró una soberbia presencia escénica además de una técnica vocal que suplanta, y a veces hasta mejora, la aún frágil voz de García.

La segunda parte del concierto permitió que aparecieran más temas de la etapa Say No More como “Influencia” y “Tu vicio” aunque también presentó una aggiornada versión de “Símbolo de paz”, que incluyó una percusión a cargo de Kiuje Hayashida. “Estoy verde” y “No voy en tren” fueron las últimas antes de los bises que comenzaron con la prolija “Deberías saber por qué”. Una de las pocas veces que Charly se dirigió al público fue para recordar que él tuvo muchas bandas y que a una la comparaban con los Beatles y de esta forma presentó al gran invitado de la noche: Pedro Aznar. El eximio bajista se sumó en “Perro andaluz”, de Serú Girán” y en “Hablando a tu corazón” y terminó por ganarse una importante ovación de parte de todos los presentes. Ya cerca de la medianoche, la potencia de “No toquen” cerró el espectáculo dejando a todos conformes.

En su primer concierto del año en nuestro país, Charly García brindó un gran show, con canciones inoxidables, una banda súper ajustada y una notable mejoría física que indudablemente repercutió para que las dos horas de concierto transcurrieran sin altibajos.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Redaccion El Bondi

Cobertura Richard Bona - Teatro Gran Rex (08-01-10)

2010-01-20T19:05:00.002-03:00

Un músico universal

El bajista Richard Bona presentó su último disco en el Teatro Gran Rex ante un público que quedó maravillado por su técnica, su canto y su buen humor.

Del pequeño círculo que integran los grandes virtuosos de un determinado instrumento, muchas veces uno puede llegar a aburrirse al verlos en vivo debido a esa necesidad imperiosa que tienen algunos de mostrar todo el tiempo su técnica para que la gente quede asombrada al ver sus manos. Sin embargo, existen otra clase de virtuosos que a esos trucos le agregan algo más, como para que sus shows no sean exclusivamente destinados a músicos-espectadores. Tal es el caso del multiinstrumentista Richard Bona, que ofreció en el Teatro Gran Rex un concierto sensacional de principio a fin.

Minutos después de la presentación de Imán, el trío integrado por la bajista María Eva Albistur, el guitarrista Fernando Kabusacki y el tecladista Alejandro Franov, las luces se apagaron nuevamente e hizo su aparición en escena el camerunés Richard Bona, vestido totalmente de blanco. Un canto casi ritual dio inicio a “Te misea”, un tema de fusión al que se le pegó el ritmo pegadizo de “Kalabancoro”, ambos cantados en douala, el idioma nativo del músico ahora residente en New York. Parte de la versatilidad del africano para interpretar distintos estilos musicales se vio en el soul “Please don´t stop”, que había sido grabado junto al cantante John Legend, y que contó con el acompañamiento de las palmas del público.

En esta ocasión, el bajista llegó a nuestro país para presentar su último disco, The ten shades of Blues (2009) y de ese trabajo sonaron la tranquilidad de “Mbemba Mama” y las melodías hindúes de “Shiva Mantra” que contaron con un gran aporte del tecladista Etienne Stadjick. Entre tema y tema, Bona sacó a relucir su estupendo sentido del humor haciendo chistes sobre la comida que probó en su estadía en Buenos Aires (el bife de chorizo fue su predilecto), sobre el mundial, en el que deseó que Argentina y Camerún se enfrenten en la final, y sobre las nacionalidades de sus músicos, lo que permitió una espontánea interacción con la gente.

Tampoco faltó el homenaje al gran Jaco Pastorius, de la mano de “Liberty City”, que derivó en una extensa jam de varios minutos. A continuación, el camerunés, junto al guitarrista de la isla de Guadalupe, Jean Christophe Mallard, interpretaron un cover del brasilero Guinga y luego, ya completamente solo en el escenario y con la ayuda de una pedalera, fue grabando distintas capas de voces para conformar así un mántrico tema denominado “Samaouma”. Con la banda nuevamente de regreso, la salsa se apoderó del Gran Rex y la sección de vientos estadounidense integrada por el trombonista Marshall Gilkes y el trompetista Mike Rodríguez puso a todos a bailar al compás de “O sen sen sen”. Hacia el final, el baterista cubano Ernesto Simpson brindó una clase magistral de ritmo sobre una base funk y “Te dikalo” cerró el concierto nuevamente con un pegadizo son cubano.

En una nueva visita al país, Richard Bona confirmó por qué es uno de los bajistas más prestigiosos del mundo y en una hora y media de show abarcó distintos estilos sin ningún tipo de prejuicio mostrando a la vez su increíble manejo del instrumento.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Los mejores discos del 2009 (05-01-10)

2010-01-20T19:02:00.002-03:00

Silvia Gers - Sin Trato

Silvia Gers, guitarrista pionera del heavy metal femenino, logra en Sin Trato un excelente disco que va más allá del rock e incluye toques de bossa nova, reggae y chamamé y que lo ubican como un gran álbum de música popular. Las preocupaciones sociales como la violencia de género o las luchas aborígenes no hacen perder el foco sino que, por el contrario, se acoplan perfectamente con la musicalidad que propone Sin Trato. Sin dudas, un disco para despojarse de los prejuicios y prestarle mucha atención. (Christian Alliana)

Aqui el comentario completo

Dancing Mood - On the sunny side of the street

Con la excusa de festejar sus cien presentaciones en Niceto, Dancing Mood regresó a los estudios para registrar un EP de seis temas. Como ya es costumbre, viejos clásicos del ska, el reggae y el jazz son versionados por Hugo Lobo y compañía destacándose la fuerza de “Dandimite!”, el clasicismo de “On the sunny side of the street” y la cadencia jamaiquina de “Suzie Wong”. (Christian Alliana)

Aqui el comentario completo

Chuky de Ipola - Concreto disco

Chuky de Ipola abandona por un rato su lugar de tecladista en Los Piojos y entrega un material con canciones propias y algunos covers que sorprenden por su alta calidad. “Concreto” es la gran joya del álbum gracias a la perfecta interacción entre el bajista Luis Castillo, el baterista Pedro Colpachi y el propio De Ipola. A su vez, Juanse, Andrés Ciro, Tavo Kupinsky, Deborah Dixon, Silvio Furmansky, Lito Epumer y el Negro García López completan una selecta lista de invitados a la cual se le suma un impecable packaging de colección. (Christian Alliana)

Aqui el comentario completo

Oidosordos - Sin red

Excelente debut para Oidosordos que sorprende gratamente por su sonido fresco y contundente. A través de diez temas, la banda apuesta por un rock potente como en “Sé o no sé” o en el hard “Rastros” aunque también pueden explorar un costado de power ballad como en “El camino”. Sin red deja abierta la puerta para que Oidosordos progrese aún más en su segundo álbum y llegue a consolidarse como una gran promesa. (Christian Alliana)

Aqui el comentario completo

Los Bombarderos - Yo vengo a ofrecer mi comedor

Siempre es difícil para una banda de rock entrar en el terreno de lo humorístico y no salir mal parado. Sin embargo, Los Bombarderos continúan en su tercer disco por esa senda a paso firme y sin flaquear. La mezcla de punk, ska y algo de reggae los pasea por distintos climas en los que siempre dejan asentada su crítica social y su humor ácido. El español Kutxi Romero (Marea), el Cabra (Manos de Filippi) y Alejandro Picone (La Vela Puerca) se suman a esta irreverente banda que se consolida como una de las mejores en su estilo. (Christian Alliana)

Aqui el comentario completo

Las mejores entrevistas del 2009 (05-01-10)

2010-01-20T19:00:00.001-03:00

Almafuerte

Antes de la salida de su primer DVD grabado en Obras, El Bondi entrevistó a Claudio Marciello, guitarrista y líder musical de Almafuerte, para que nos cuente sus proyectos grupales y solistas. El resultado fue una extensa charla en la sala de ensayos de la banda emblema del metal nacional en la que el Tano nos deleitó con varias anécdotas (incluyendo fragmentos de temas con su guitarra desenchufada) y nos dejó bien asentadas sus firmes convicciones. (Christian Alliana)

Aqui el comentario completo

Inmaduros
Luego de varios cambios de integrantes y hasta de nombre (“del Carajo” pasó a mejor vida), Inmaduros se asentó con su segundo disco, Hijos del Carnaval, y por ello fuimos al encuentro de Fernando Bertuccio, su cantante, para hablar sobre la actualidad de la banda. En una calurosa tarde en el barrio de Congreso, el joven compositor charló sobre las dificultades que se le presentan a todo grupo under y, a su vez, incitó a todos a creer en uno mismo para poder lograr sus objetivos. Idea que claramente sigue Inmaduros y que ya los tiene tocando asiduamente en lugares de mediana convocatoria. (Christian Alliana)

Aqui el comentario completo

Los mejores recitales del 2009 (05-01-10)

2010-01-20T18:56:00.002-03:00

Silvia Gers – Velma Café 08/09

La ex guitarrista de Las Brujas presentó su disco Sin Trato en el Velma Café con un show musicalmente exquisito. En poco más de una hora, el coqueto reducto de Palermo se llenó de bossa nova, aires flamencos, melodías al estilo beatle y chamamé (con Teresa Parodi como invitada de lujo). Acompañada por buenos músicos, Silvia Gers brindó una velada para el recuerdo y también aprovechó la ocasión para hacer hincapié en su lucha por los derechos de las mujeres. (Christian Alliana)

Lee aqui el comentario completo y mas fotos

George Clinton Parliament & Funkadelic – La Trastienda - 19/05
Finalmente y luego de muchísimos años de espera, la estrafalaria figura de George Clinton arribó a la Argentina para que, al mando de sus Parliament Funkadelic, hiciera delirar por más de tres horas a todo el público. Como en una gran jam continua, los músicos entraron y salieron de escena sin que esto alterara la máquina funk y deleitaron a los presentes con una muestra increíble de talento que obligó a todos a ponerse de pie y bailar. Sin dudas, el mejor show del año. (Christian Alliana)

Lee aqui el comentario completo y mas fotos

Critica de disco - La Herida (Fierro y Cruz) (05-01-10)

2010-01-20T18:52:00.002-03:00

La Herida

En su disco debut, Fierro y Cruz transita el camino del hard rock junto a importantes invitados.

Nacida en 1998, Fierro y Cruz recién pudo estabilizarse formalmente diez años después con la salida de su primer disco. En el camino quedaron varios cambios de integrantes e incluso un robo a su sala de ensayo en 2002 que los apartó por un tiempo de los escenarios. Sin embargo, la perseverancia de Ricardo “El alemán” Schäfer, líder y voz cantante del proyecto, logró revertir las adversidades hasta llegar a La herida, un álbum en donde lo que predomina es el hard rock de la vieja escuela.

Fernando Scarcella (baterista de Rata Blanca), Gustavo Giles (bajista de La Torre) y Deborah Dixon (ex cantante de Las Blacanblus) sumados a Ariel Ferreyrola en guitarras integran el combinado que, junto a Ricardo Schäfer, dan vida a las trece canciones que componen La herida. El metal pop ochentoso de “Enmarcado” es el encargado de abrir el juego en donde se alternan las voces de El alemán y la Dixon para que luego las guitarras de Ferreyrola se complementen con la potencia de Scarcella en “No puedo”.

Las corcheas del estribillo en el bajo de Gustavo Giles le agregan potencia al hard rock “Sandra” aunque también hay lugar para las baladas rockeras como “Todo lo que queda es nada” e “Ingenuidad”. El metal rabioso de “Miradas” es apoyado por los coros de Claudio Brócoli al tiempo que un aire oscuro se apodera del comienzo de “Al frente” para luego descomprimirse en el mid tempo de “Arena” y la base lenta de “Aguijón”. La bronca social se hace carne en “Gente dirigente”, tal vez la mejor del disco, en donde sorprenden ciertas remiscencias ricoteras en las violas.

Un cuidado packaging, adornado por un misterioso ángel guerrero, contiene las letras y una detallada ficha técnica que permite al oyente adentrarse en la grabación de La herida, editado en forma independiente a través de la UMI.

Tras largos años de contratiempo, finalmente Fierro y Cruz edita su primer disco signado por trece temas que se mueven entre el hard rock y toques pop de la escuela ochentosa y que cuentan con la participación de destacados músicos sesionistas.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco - Insurgente! (La Sota y su fiesta pagana!) (05-01-10)

2010-01-20T18:48:00.002-03:00

Insurgente!

La Sota y su fiesta pagana! despliega su arsenal ritmos latinoamericanos en su primer disco.

Creado en 2002, el colectivo musical y cultural La Sota y su fiesta pagana! se ha presentado en varios reductos de Capital y Gran Buenos Aires hasta consolidar su formación en 2006. A partir de allí, este grupo oriundo de La Matanza comenzó a trabajar en la producción de su álbum debut que finalmente vio la luz bajo el nombre de Insurgente! y que a lo largo de dieciséis temas recorre un amplio abanico de estilos y géneros.

El canto de unos niños de Potosí (Bolivia) abre el disco y se acopla a las melodías orientales de, precisamente, “Niño de Potosí” a la cual luego se engancha la potencia de “Río”. La crítica hacia los medios se hace presente en “Caldo de información”, un exquisito reggae a la manera de No Te Va Gustar seguido de los ritmos latinoamericanos que afloran en “El grito” y “Sangre”.

Los vientos llevan adelante el rock acelerado de “Se mueve” que, poco antes del minuto, se transforma en un ska ideal para el pogo al igual que la violenta “Chocar”. La bronca por las injusticias se expresa en “De pueblos e imperios” y en “El embargo”. El acompañamiento acústico y la flauta traversa se destacan en la bossa “Perdido!” al igual que el charango hace lo propio en el carnavalito “La salamanquera”.

Sin embargo, son los segmentos reggae los que confirman a La Sota como una banda compacta y sólida tal como lo demuestran “Carta a Madrid”, “Fetiche is dead” (con la voz invitada de Beto Olguín de Los Pérez García) y la tristeza bonita de “Bien abajo”.

Exactamente una hora y cuarto es lo que dura Insurgente! y en ese lapso, el grupo de La Matanza propone también la reflexión social aunque el arte del packaging muestre únicamente a sus integrantes en un viejo parque de diversiones del conurbano bonaerense.

Como en un viaje imaginario por Latinoamérica, La Sota y su fiesta pagana! invita a recorrer el continente a través de su música que mezcla cuotas de carnavalito, bossa nova, hard rock y excelentes dosis de reggae.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco - Vos sabés...(Tributo a LFC) (05-01-10)

2010-01-20T18:45:00.002-03:00

Vos sabés...como te esperaba!

Los Fabulosos Cadillacs ya tienen su tributo mainstream con bandas nacionales y extranjeras y un resultado desparejo.

Cuando Los Fabulosos Cadillacs interrumpieron su trayectoria a principios del 2002, su importancia estaba más que nada implícita y podía palparse en ese legado de canciones populares como Matador que son cantadas hasta por tu abuela aún cuando ella no tenga idea de quiénes son Vicentico y Flavio. Sin embargo, el regreso del 2008 los ubicó en el centro de una escena impensada años atrás y hasta los hizo tocar en River dos veces aunque los memoriosos recordarán que en su anterior etapa el Luna Park era su techo. Estos cambios en la industria del espectáculo también tienen su corolario por el lado de los oportunistas tributos y así como en su momento los homenajeados fueron Andrés Calamaro y León Gieco, ahora el turno les llegó a los Cadillacs.

A través de diecisiete canciones, Vos sabés…como te esperaba! muestra un resultado desparejo en el que se encuentran buenas versiones y otras que no aportan demasiado. Los Cafres transforman “Vos sabés” en un reggae en el que se destacan los vientos y los colchones creados por los teclados mientras Andrés Calamaro se vuelve intimista en su visión acústica, casi country, de “Vasos vacíos”. Los Pericos brindan una versión personal, en plan reggae, de “El satánico Dr. Cadillac” al igual que los Kapanga quienes llevan a “Nº 2 en tu lista” hacía su costado ska-cuartetero-rockero.

Otra gran interpretación es la de los uruguayos de No Te Va Gustar que le imprimen un sello aún más melancólico a “Basta de llamarme así” y que contrasta con la onda pop de “Calaveras y diablitos” adaptada por Cuentos Borgeanos. Los mexicanos Nortec Collective se apropian de “El león”, en un instrumental casi ranchero, y sus compatriotas de Cartel de Santa rapean sobre la base original de “Matador”. Pero la que se lleva todas las estrellas es la versión sónica de “Estoy harto de verte con otros” hecha por Massacre y en la que sobresale el gran trabajo de las guitarras, un punto característico en la banda de Wallas.

La combinación interactiva entre Los Auténticos Decadentes y los españoles de Los Delinquentes da como resultado una “Demasiada presión” aflamencada mientras que Aterciopelados (Colombia) rescata la adaptación cumbiera de “Padre Nuestro”. Desde Puerto Rico, Cultura Profética le imprime algo de dub a “Silencio Hospital” y los venezolanos de Los Amigos Invisibles prácticamente no alteran en nada a “Mal Bicho”.

“Desapariciones”, por Matamba (Bolivia), está fuera de contexto ya que, más allá de que en su momento haya sido versionado por los propios Cadillacs, el tema pertenece a Rubén Blades. Por su parte, Los Tipitos le sacan toda sensibilidad a “Siguiendo la luna” con su aporte rock-pop y Árbol convierte a “Mi novia se cayó en un pozo ciego” en un simple ideal para dj´s gracias a las máquinas tecno. Finalmente, los colombianos de Dr. Krápula llevan a “La vida” hacía el terreno de la cumbia con algunos toques de hip hop.

Continuando la moda de los tributos, en esta ocasión los homenajeados son Los Fabulosos Cadillacs y en esta primera parte, se encuentran versiones muy destacables como las de Los Pericos y Massacre y otras que parecen ser de relleno. Habrá que esperar la segunda entrega para ver si continúa esta tendencia.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco - Aromas de Liberación (Señor Tenga) (21-12-09)

2010-01-02T12:18:00.002-03:00

Aromas de liberación

Señor Tenga continúa en su segundo disco con el mensaje comprometido y el estilo reggae.

Decir que la escena reggae nacional está en crecimiento no es ninguna novedad y que cada vez hay más bandas que se inclinan por el género jamaiquino, tampoco. Ante esta realidad, es muy difícil encontrar algún grupo que se diferencie del resto pero, sin embargo, lo que sí puede exigírseles es que realicen su trabajo con la mayor profesionalidad posible y que no sean simples aficionados que se suben al tren del rastafarismo solo para estar a la moda. En Aromas de liberación, Señor Tenga cumple bastante bien con este precepto y a través de catorce canciones plasman la experiencia que lograron cosechar desde su fundación en 2006.

Petty de Riddim aporta su voz en el primer tema, “Fuerza”, en el que se destaca la buena combinación que logran las guitarras de Laureano Holgado y Fide y que se acentúan en el pegadizo “Viene y se va”, en donde la banda se acerca a un sonido más playero. Las letras comprometidas ocupan gran parte del mensaje de Señor Tenga y encuentran en “Reggaerevolucion” y la antirepresiva “Dub and dab” a sus mayores exponentes. Las armonías vocales de The Hamptons (Donato Belliti, Gastón Laspoumaderes y Juan Falguera) le dan un sello distintivo a “Naturaleza inmensa” al tiempo que Mariano Castro (Dread Mar I) se suma para cantar “Matusalen”.

Las guitarras cercanas al ska de “Un amor” logran que cualquiera inmediatamente comience a marcar el pulso del tema mientras que el teclado de Matías permite la relajación total en “Salir a volar”. Miguel de Luna Campos, de Kapanga, descarga su clase reggae con su viola en “Fuera de sistema” antes que el humo dulzón se apodere de “100% natural” y la banda deje su “Mensaje de paz”. Para el final queda “Buscando el sol”, cercano al dub psicodélico, y la buena “Vibra” que logra terminar el álbum con el ánimo bien arriba mientras pensás a qué playa te vas a ir de vacaciones este verano.

Con tan sólo cuatro años de existencia y proveniente de Avellaneda, Señor Tenga transita en su segundo disco la senda del reggae y las letras comprometidas junto a varios invitados importantes.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Karamelo Santo - La Trastienda (11-12-09)

2010-01-02T12:15:00.003-03:00

Cantando se alegran los corazones

Karamelo Santo despidió el año a pura algarabía en La Trastienda.

Con más de quince años sobre sus espaldas, los Karamelo Santo han sabido posicionarse durante todo este tiempo como una de las bandas más sólidas de nuestro país y tienen el privilegio de ser uno de los pocos grupos argentinos que pueden realizar giras por el extranjero. Todos estos pergaminos fueron revalidados el viernes en

La Trastienda ante un público que, debido al inusual horario (¡20hs puntual!) del comienzo del show, recién logró aclimatar el lugar a partir de la segunda parte del concierto.

La primera mitad del recital estuvo marcada por un formato acústico, como vienen realizando en algunas presentaciones por el Gran Buenos Aires, en el que los músicos tocan en su mayoría sentados. De esta manera se pudo apreciar con claridad esa mezcla latina entre la cumbia, el ska y el reggae que es una marca característica de Karamelo y que tuvo sus mejores exponentes en la versión salsera de “La picadura” y la pegadiza “Yo a tu casa no voy”. También hubo lugar para dos covers en plan reggae: “It must be love” de Madness y la preciosa “Kingston town” de UB40 antes de que llegue el receso y los mendocinos le cedan el lugar a los chilenos de Drakos.

Los trasandinos, que se encuentran grabando nuevo disco en el estudio de Karamelo, aparecieron en escena de manera tímida, casi pidiendo permiso, pero con el correr de su set se fueron afianzando hasta terminar desplegando una energía contagiosa que tuvo al público como aliado. “Hospital borracho” y “Diputados” fueron pequeñas muestras del ska frenético y los aires latinos que practican los chilenos y que los hermana con la banda mendocina.

Apenas terminado el turno de Drakos, los Karamelo Santo regresaron, ya sin sillas y con mucho más público en el recinto, y dieron rienda suelta a su habitual fiesta y despliegue escénico. La cumbia triste de “Que no digan nunca” dio el puntapié inicial para esta segunda parte y se enganchó a “Vivo en una isla” antes de la excelente versión de “What a wonderful world”. El reggae siguió con “Barajas”, un bonito tema en el que se intercalaron estrofas de “Get up, stand up” de Marley y “Los cangrejos” en donde la gente tuvo un rol protagónico cantando varios pasajes.

El final fue una andanada de hits, con los vientos luciéndose en “Papa Noah”, la guitarra rockera de Goy Ogalde descargando su electricidad en “Fruta Amarga”, con fragmentos de “Kaya” de Sumo, y “Tomate un vino” intercalada con “Mamina”, en donde la banda hizo sentar en el piso a todo el público. “La kulebra del amor” puso a algunas parejas a bailar hasta que en “Han matado un niño” el escenario se pobló de gente que terminó vivando a su grupo favorito.

Luego de la edición de su disco en vivo, El baile oficial, Karamelo Santo se presentó en La Trastienda para brindar un show de gran calidad en el que la banda se mostró muy aceitada y regaló dos horas de pura energía.

Christian Alliana para www.elbondi.com
Fotógrafo: Anabella Reggiani

Critica de disco - Uschi (Uschi) (09-12-09)

2010-01-02T12:13:00.002-03:00

Uschi

Bandera pop bien levantada para el debut discográfico de Uschi.

En tiempos donde la industria discográfica se encuentra en una crisis prácticamente interminable, es difícil contar con la posibilidad de editar un disco. Sin embargo, la cantante Uschi ha tenido el privilegio de que, en un viaje a Miami, un cazatalentos se fijara en ella y la invitara a Canadá para comenzar así su trayectoria en el mundo de la música. Con un par de años en el ambiente, la joven ha logrado aportar su voz como sesionista en distintos discos que fusionan la bossa nova con la música electrónica y se ha

presentado en lugares importantes de la escena porteña como La Trastienda y el festival Personal Fest.

Finalmente, en este 2009 ha logrado plasmar sus propias composiciones en su álbum debut bajo la producción de Sebastián Bazán, quien ha trabajado con Manuel Wirtz, y la presencia de distintos músicos de sesión como el baterista Fernando Martínez (ex Luis Salinas) y Javier Weintraub, reconocido violinista que se ha destacado acompañando en los últimos tiempos a Catupecu Machu.

Desde la tapa, en la que Uschi aparece sentada mirando al lente de la cámara con una inocencia propia de juventud, uno advierte que las canciones estarán impregnadas de ese aura angelical y suave. Y todas estas presunciones se confirman apenas se aprieta play y comienza a sonar “Corazón de baccarat” en el que la voz aniñada de la cantante, que será una constante a lo largo del disco, gana protagonismo sobre una base pop de pura estirpe comercial. Las letras de amor (y desamor) recorren todos los tracks como una temática fija que en algunos casos mezclan guitarras distorsionadas con pianos a lo Elton John (“Aunque no estés acá”) y aires flamencos con sonidos modernos (“Mi sol”).

El medio tiempo de “Si te hago llorar” profundiza aún más la letra mientras que “Me quedo de pie” da lugar a una tierna balada en la que asoma una tímida guitarra con wah wah. Sin embargo, también hay espacio para los sonidos rockeros de “¿Qué querés cambiar?” y el groove funky de “Tengo” sumado al ritmo alegrón de “Vos y yo” que logran así un respiro entre tanta melodía pop.

Sobre el final, Javier Weintraub aporta sus violines en “Renacer” y el espíritu de Alanis Morisette se apodera de Uschi para cantar “Adicta a vos” sobre las guitarras acústicas que también predominan en “Laberinto de cristal”.

En su primer disco con composiciones propias, la joven Uschi asienta sus canciones en un pop con sonido cien por ciento radial y se muestra acompañada de grandes músicos de sesión.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Entrevista Inmaduros (07-12-09)

2010-01-02T12:10:00.001-03:00

Hacia adelante

Inmaduros editó su segundo disco, Hijos del Carnaval, y, con esa excusa, nos sentamos a hablar sobre esta nueva producción y la actualidad de la banda.

En una tarde bien húmeda, en la que hasta los edificios parecían transpirar, Fernando Bertuccio, cantante de Inmaduros, nos recibió en la hospitalidad de un departamento de Congreso y allí dio rienda suelta a su verborragia para acercarnos al nuevo material de la banda, Hijos del Carnaval, que está en la calle hace poco más de un mes y que será presentado oficialmente el 11 de diciembre en Super Rock.

-En este disco se nota una madurez con respecto a Indique su destino (2006). ¿Cuáles son las principales diferencias entre uno y otro?

Este material lo encaramos de una manera muy particular porque la idea era sacarlo el año pasado pero por una cuestión económica lo tuvimos que retrasar hasta ahora. En un principio fueron todas pálidas pero después nos dimos cuenta que estos inconvenientes nos terminaron beneficiando porque durante todo ese tiempo hicimos dos pre-producciones y encontramos el lugar ideal para grabar. Además conocimos a Mariano “Colo” Parvex que terminó siendo nuestro productor y nos ayudó mucho porque de su mano logramos sacar un producto mejor de lo que esperábamos.

-En el segundo disco uno ya viene con la experiencia anterior…

Y sí, Indique su destino tiene errores que en Hijos del Carnaval pudimos mejorar. Lo más importante fue afianzarnos como banda ya que entre el 2001 y el 2006 hubo muchos cambios de integrantes. El disco de hoy marca una evolución con respecto a lo que era la banda antes así como también hay cuestiones musicales que las hemos mejorado. Yo soy el compositor y la verdad es que me encantaría escribir una letra larguísima pero si vos todo eso lo ponés en una canción, la gente no te va a escuchar, tenés que tratar de ser conciso y eso es algo que aprendimos ahora. Por otro lado buscamos que cada tema sea distinto, de ordenar las canciones de tal manera que cuando ponés el disco no se parezca ninguna entre sí, que a medida que avancen los minutos vayas escuchando algo distinto, que puede gustarte o no pero eso ya es otra historia. Todo esto más la experiencia de grabar con un productor, ya te pone en otro punto al momento de entrar al estudio.

-¿Y cómo fue ponerse a las órdenes de un productor? ¿Sienten que la mano del Colo Parvex fue fundamental?

Nosotros somos una banda a la que nos gusta mucho grabar y por eso hicimos pre-producciones para ir probando los temas e incluso algunos, los tocamos en vivo para ver la recepción de la gente. Nos gusta manejarnos solos, producirnos, pero en este caso el Colo nos ayudó desde el punto de músico también, no sólo de productor. Entonces así fuimos buscando programaciones para que cada canción tenga su onda particular, él logró ponerle el moño a cada tema y estamos muy contentos con eso.

-A través de los doce tracks, predomina el rock con algunos matices como el acompañamiento de los vientos o algunas cuerdas. Sin embargo, el nombre elegido para el álbum fue Hijos del Carnaval, con lo cual uno podría pensar directamente en la murga, aunque ésta, salvo en el tema que da título al disco, no se manifiesta explícitamente. Entonces, ¿a qué se debe esa elección?

Inmaduros siempre fue una banda que busca transmitir alegría así que por más que los temas no suenen muy carnavaleros, en vivo sí parecemos contagiar una energía que llegue a ese punto, transmitimos una sensación de carnaval. El título lo que busca es, como quise decir en el prólogo del booklet, buscar adentro de uno, la alegría la podés conseguir desde vos mismo y no hay que tirarse abajo. Eso propusimos al reflejarnos como hijos de carnaval, es decir, que nazca de adentro nuestro el carnaval.

-Eso se relaciona con uno de los preceptos de la banda: que cada uno haga lo que siente…

El nombre del grupo remite a eso, a romper los prejuicios de la sociedad. Un día me pasó que me senté en una hamaca y la gente me empezó a mirar mal, me miraban como si fuera un inmaduro, un nene. Es una cuestión de romper con los prejuicios de la sociedad, si vos elegís una forma de vida que no es la que la sociedad te impone, ya te miran mal. Por eso proponemos hacer oídos sordos a la gente prejuiciosa y que se saquen la careta, buscar la cara de cada uno. Yo siempre hago un paralelismo con lo que es el fordismo y traté de reflejarlo en “Fuera de serie”, el tercer tema de este disco. En el fordismo se buscaba fabricar en serie, que todo sea igual y si te ponés a pensar es lo mismo que pretende la sociedad, crear cabezas todas iguales, por eso estaría bueno que cada uno tenga su propio pensamiento, no hacer lo que te dice la tele o el gobierno.

Hoy en día es muy común también que las bandas sean muy parecidas entre sí, ¿ustedes como hacen para diferenciarse?

Siempre dicen que las comparaciones son odiosas por eso yo más que nada trato de compararnos con nosotros mismos ya que al principio, cuando éramos más chicos, teníamos una postura netamente crítica pero ahora nos distinguimos porque no sólo buscamos la crítica sino también la solución, que está en uno mismo. Cada banda propone lo que siente, si alguien quiere exponer que está todo bien porque está todo el día volado, está perfecto si lo siente así. A mí lo que me jode realmente es cuando alguien busca hablar de drogas pero no lo siente, lo hace sólo por quedar bien. Por ejemplo en este momento está de moda el reggae, entonces si yo me hago el rastafari pero en realidad no tengo nada que ver con ese movimiento estaría siendo muy demagógico. Hoy en día hay mucho de esto, de ponerse unos dreadlocks porque está vendiendo.

Mi premisa es morir con la mía y morir con la mía es morir con el rock y si ahora al rock no le está yendo bien, no me importa, en algún momento va a volver. El rock es ir para adelante, el punk es ir al choque, es pelear, pero yo creo que ahora lo que necesitamos es ir para adelante, por eso soy partidario del rock.

Así de claro y contundente, con las ideas bien firmes, Fernando se despide y se apresta a recibir al próximo medio. Mientras tanto, nosotros chequeamos el packaging de Hijos del Carnaval, que sorprende por su formato, de tamaño similar a un DVD, y por la excelente y cuidada gráfica que adorna el disco. Afuera, Buenos Aires nos espera de nuevo con su maldita humedad y por un momento deseamos que alguien nos moje y que realmente comience el carnaval.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Gustavo Cordera - Teatro Gran Rex (19-11-09)

2010-01-02T11:51:00.003-03:00

Solo con el amor

Gustavo Cordera presentó su disco solista en el teatro Gran Rex y mostró su nuevo rumbo alejado de los excesos bersuiteros.

Calma. Esa es la palabra que mejor engloba la actualidad de Gustavo Cordera, ex cantante de Bersuit Vergarabat, y que ahora lo tiene comenzando su recorrido como solista de la mano de su álbum debut, Suelto. Luego de una presentación para la prensa a mediados de año, el

jueves fue el turno de dar a conocer su nuevo proyecto para el público general en el siempre intimidante teatro Gran Rex. Y a pesar de que la sala parecía no llenarse nunca, sobre la hora la gente completó buena parte de la capacidad del lugar y tan sólo unos minutos pasada las nueve y media de la noche, Cordera hizo su aparición rodeado de nueve músicos que lo acompañarían a lo largo del show.

Lo primero que llamó la atención fue el vestuario elegido por el cantante, que combinó una camisa roja con un pañuelo del mismo color cubriendo su histórica pelada, como queriendo demostrar con ese detalle gitanesco que lo que vendría no tendría ningún tipo de relación con su etapa pasada. Y así fue ya que el comienzo con “Aprendí a esquivar”, “Me la juego a morir” y “Tan cerca, cerca” fue una buena muestra de este presente en el que el confeso hincha de Lanús se acerca más a la senda melódica y se aleja de la fiesta eterna que proponía su ex grupo.

“Pensé que iba a recibir una reprimenda por lo que hice” fueron las primeras palabras de un tímido Cordera, casi desconocido, que inmediatamente después agradeció al público por acompañarlo en esta nueva etapa. El interesante aire brasilero de “Aprendió a volar” se unió a la pesadumbre de “Ansiedad de buscar”, de lo mejor de la noche, a las que le siguieron “Volatil” y “Almas armadas”, continuando así el segmento más tranquilo del show en el que la gente se predispuso a escuchar atentamente casi sin emitir comentarios luego de cada tema. En el bolero “Mensajera”, el guitarrista Marcelo Predacino se lució con un gran solo y demostró por qué es uno de los sesionistas más requeridos por parte de los solistas argentinos (también integra la banda de Iván Noble) aunque también hubo lugar para que las coristas Daniela González, Cecilia Sbarbati y Stella Céspedes se ganen los aplausos con su labor en “Confío”.

El formato acústico ganó lugar a mitad del recital cuando todos los músicos se sentaron para interpretar “No hay monstruos invencibles”, con la hija de Cordera acompañando a su padre en la voz, y los primeros recuerdos de Bersuit, de la mano de “El viento trae una copla” y “Madre hay una sola”. El cantautor uruguayo Federico Lima colaboró en una reversión más movediza de “Mi caramelo” mientras que los inéditos “La lluvia” y “Huguito en retirada”, fueron un anticipo del futuro del pelado.

Sobre el cierre, la sobria escenografía roja mutó en una ambientación propia de carnaval, con guirnaldas incluidas, y la cumbia se apoderó de la escena con un delirio fiestero de varios minutos en el que el ex líder de la banda de los pijamas, arengó a los presentes para que bailen y levanten las manos al compás de la música. Este momento y la versión cuartetera de “Sencillamente” fueron el principal linkeo del cantante con su pasado y por momentos el Gran Rex se convirtió en una gran bailanta. Sin embargo, el verdadero final llegó cuando la gente comenzó a retirarse y se encontró con la sorpresa de que todos los músicos se encontraban en el balcón del hall de entrada cantando a capella y tocando una versión acústica de la cumbia que habían interpretado minutos atrás. Obviamente este gesto fue retribuido con una gran ovación y coronó la noche del debut solista.

Al igual que Iván Noble, Gustavo Cordera dejó atrás su pasado y se sumergió en una exploración más íntima y cancionera que tuvo su primer bautismo de fuego el pasado jueves en el teatro Gran Rex. Con nuevo look y la acústica al hombro, el ex cantante de Bersuit mostró los temas de Suelto, su primer disco solista, e inauguró esta etapa acompañado de grandes músicos y con una buena respuesta del público.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Nota de Opinión - Viejas Locas en Vélez (14-11-09)

2010-01-02T11:49:00.002-03:00

EL INFIERNO

“La idolatría populosa se dibuja en largas filas para adorar y no pensar / la piedra muerta del desvío falsamente milagrosa sigue ocultando la verdad” cantaba Hermética en su canción “En las calles de Liniers” y, de no ser porque el tema fue escrito hace casi veinte años, uno podría creer que el autor lo compuso observando la entrada al recital de Viejas Locas en Vélez el último sábado. A eso de las ocho y media de la noche, por la Avenida Juan B. Justo se veía a miles y miles de chicos que se iban acercando sin cesar al estadio y una ya suponía, que ante tanta cantidad de gente, el show se iba a retrasar varios minutos.

Al retirar la entrada reservada por la organización, este cronista se vio sorprendido ante el anuncio de que el ingreso debía hacerse por el campo (difícil trabajar así, ¿no?) pero, sin embargo, hacia allá se dirigió. Tan solo unos metros caminados y los ánimos ya se veían caldeados y enrarecidos, con mucha gente agolpándose en las entradas como un maremoto de cuerpos. Primera falla organizativa: alrededor de tres mil personas no pueden llegar al punto de juntarse en una especie de embudo (porque eso era la “entrada”) y mucho menos si los caballos de la policía montada se les vienen constantemente encima. Por el lado de la platea, la cosa no estaba mucho mejor y las vallas se veían forzadas una y otra vez, hecho que alteró a los uniformados que custodiaban ese sector y que sirvió de excusa para que apuntaran sus gases picantes directamente a los ojos de los concurrentes.

Segunda falla organizativa: al verse desbordados por la cantidad de gente, el personal de seguridad se dispuso a armar un vallado para acomodar un poco la fila del campo aunque la decisión se tomó bastante tarde, cuando ya todo era un descontrol y la gente lo único que quería era entrar. La policía por su parte, estaba llamada a su juego y aprovechó la ocasión para repartir palazos, disparar gases lacrimógenos y balas de goma hacia el tumulto, sin distinguir a aquellos que tenían entradas de los que se querían colar. Obviamente esto trastornó aún más los ánimos y algunos chicos (probablemente aquellos que pujaban por entrar sin ticket) comenzaron a responder la represión arrojando botellas de vidrios y piedras.

Entre las diez y las diez y media, hubo un intervalo en donde la cosa se calmó por un rato pero al apagarse las luces del estadio para el comienzo del show, como era de preverse, todo se desbandó nuevamente y ahí sí se vivieron los momentos más aterradores de la noche ya que la policía intensificó su avanzada contra la gente y las corridas se multiplicaron. Para colmo, en uno de los accesos a platea aparecieron unos veinte muchachos de la barra brava de Vélez a los que no se les ocurrió mejor idea que ahuyentar al público a través de Juan B. Justo haciendo uso de su experimentada violencia física.

Y más allá del accionar represivo de la policía, tampoco debemos obviar la parte que le corresponde a este público que parecía anclado en los noventa. Muchas mujeres embarazadas y niños se acercaron al concierto pero lo más lamentable es que ante la gravedad de la situación, no todos emprendieron la retirada sino que algunos se quedaron tratando de entrar. ¿En qué cabeza cabe que una madre pugne tumultuosamente por ingresar a un recital de rock? ¿Es realmente necesario? ¿Se gana un certificado especializado en rock por hacer el aguante y entrar a toda costa? Estas cuestiones, sumadas al ritual futbolero de banderas, pirotecnia, cerveza, vino y porro, hacen pensar una vez más que al final no aprendimos nada. Que nos cagamos en los casi doscientos muertos de Cromañón y que esas muertes fueron en vano porque a todos les chupa un huevo. En la noche del sábado en Vélez, falló todo lo que podía fallar y por milagro no ocurrió una tragedia. Aunque a nadie ya le importe.

Podría cerrar esta crónica comentando los temas que tocó Viejas Locas en su regreso luego de nueve años pero sinceramente luego de lo acontecido en las afueras del Amalfitani, eso me parece un dato ínfimo. El 14 de noviembre de 2009 la sociedad argentina mostró nuevamente la pobreza educacional en la que está hundida y a la que el rock lógicamente no puede escaparle. Ojalá todos los involucrados tomemos nota de lo acontecido y de una buena vez por todas, hagamos algo para revertir este triste momento.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco - Enigmaticorazon (Maten al Rey) (09-11-09)

2010-01-02T11:45:00.005-03:00

Enigmaticorazón

La crudeza de Maten al Rey queda plasmada en su tercer disco.

Los últimos años de la década del ochenta parecieron fructíferos en cuanto a formaciones de bandas ya que en esa época se gestaron los principales grupos que, durante los noventa, ganarían mayor popularidad como el caso de Los Piojos, La Renga, Bersuit, Attaque 77 y tantos otros. Sin embargo, Maten al Rey se formó en 1988 en la ciudad de Quilmes pero la fama nunca golpeó a sus puertas aunque esto no hizo claudicar su lucha que ahora los llevó a editar su tercer disco llamado Enigmaticorazón.

Las guitarras pesadas llevan adelante el primer tema, que le da nombre al álbum, mientras la voz queda un poco oculta en esa pared sonora que propone el trío. En “Los días de las risas simples” la cosa se pone más rápida, casi rutera, ideal para el pogo y se engancha a la oscuridad metalera de “El alivio de los cansados” en la que se suman los teclados invitados de Ezequiel Giunta.

Un inicio angelical da pie a “No sufras tu sueño”, que descomprime en las estrofas y aprieta el puño en los estribillos, para luego cantarle a “Aníbal, el hablador” sobre las injusticias y los garcas que viven a su alrededor. Agustín Ronconi de Arbolito suma su quena en los arreglos de “El encanto para la niña encantada” mientras las guitarras acústicas acolchonan la densidad del trío.

La batería seca de Leonardo Rodaro inicia “Laberinto dimensión” y el bajo crudo de Alejandro López acompaña durante el primer minuto hasta que de a poco se suma la viola del cantante Aldo Sergio Goddio que hacia el final va llevando lentamente el tema hasta su pudrición. La reivindicación a los pueblos originarios se plasma en “Carita de paz” al tiempo que “Arco iris de la noche” es de lo mejor del disco gracias a sus toques jazzeros en tiempo de rock. Para el final quedan las intenciones hard rock de “Malos ratos” y “La misma cosa”.

Enigmaticorazón fue producido por la propia banda y quizás allí se encuentre la explicación a ciertas decisiones finales de la mezcla. La voz de Aldo Goddio está en un nivel de volumen distinto al resto de los instrumentos y esto por momentos hace casi indescifrable la letra aunque, claro está, uno puede ayudarse con el correspondiente booklet. Algunos platillos de la batería y algunos agudos del bajo también se encuentran en ciertas ocasiones en otro plano, casi independiente, y esto llama la atención porque hace perder un poco el hilo conductor de cada tema. Sin embargo, quizás el grupo haya tomado estos riesgos artísticos y, de ser así, no hay nada que objetar.

Con veinte años de trayectoria, Maten al Rey trabajan en su tercer disco sobre bases potentes, a veces cercanas al metal y otras al hard, pero siempre haciendo hincapié en el rock en su formato trío.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Entrevista Los Perez García (09-11-09)

2010-01-02T11:43:00.002-03:00

Todo queda en familia

Los Pérez García sacaron un nuevo disco y antes de su presentación oficial en el Teatro de Colegiales, charlaron con El Bondi.

En una soleada y calurosa tarde de primavera, Los Pérez García se reunieron con nosotros para hablar sobre el presente de la banda. Beto Olguín (guitarra y voz) y Fede Esquivel (guitarra) prendieron sendos cigarrillos y se dispusieron a conversar sobre la actualidad de la banda y la edición de su último disco, Asuntos de Familia, cuya presentación será el sábado 14 de Noviembre en el Teatro de Colegiales. Con ustedes, la familia más unida del Oeste bonaerense:

-En primer lugar, me gustaría que me cuenten cómo encararon este nuevo álbum.

Beto: La pre producción la empezamos a hacer en nuestra sala de ensayo, había muchísimos temas dando vueltas, algunos nuevos y otros que habían quedado afuera de otros discos. Luego comenzamos a trabajar con Martín Mendez (ex guitarrista de Los Caballeros de la Quema) ya que fue el encargado de la producción artística y él nos ayudó a confeccionar la lista de temas definitiva. Martín fue el que insistió en incluir canciones que hacíamos en los shows pero que no estaban grabadas porque nuestra idea original no era esa aunque, ahora a la distancia, la verdad es que el tipo tenía razón.

En Santo Remedio (2007), Martín Méndez, además de ser un histórico allegado a la banda, se hizo cargo de la mezcla. ¿Por qué lo eligieron en esta ocasión como productor artístico?

B: La presencia de Martín fue muy enriquecedora, él siempre estuvo ligado a nosotros pero esta vez estuvo desde el comienzo del proceso en la sala, se metió en la estructura de los temas y entramos al estudio de la mano de él, así que llegamos en mejores condiciones. Nos ayudó muchísimo con su experiencia además de que, al ser nuestro cuarto disco, uno ya se va haciendo amigo del estudio, que de por sí es un ambiente difícil, no es como un vivo donde tenés la respuesta de la gente ahí.
Fede: La experiencia que nos aportó Méndez es buenísima porque que haya una oreja ajena a la banda hace que el abanico para experimentar otras cosas sea más grande también.

B: Los discos te van haciendo crecer y esa es la sensación que nos queda, creo que somos mejor banda y ahora tenemos que defender este material y tocar las cosas que grabamos porque hay muchas canciones que tienen que ser tocadas por primera vez.

En los shows que estuvieron haciendo últimamente ya tocaron temas de Asuntos de familia. ¿Cuál fue la recepción de la gente?

B: La respuesta fue buena, la gente ya va adoptando las canciones y hay casos como “Magdalena” (el corte de difusión que ya está rotando hace varias semanas) o “Knock out” que tienen mucha aceptación del público, están siendo muy festejados y cantados. Sin embargo, como te decía, hay muchos temas que faltan tocar, que tenemos que estrenar el día de la presentación en el Teatro.

Los Pérez García se asientan claramente sobre un formato rock-canción. ¿Ustedes también se sienten dentro de ese género?

B: Sí, nosotros tenemos rock, tenemos canciones, tenemos cosas con aires latinos pero siempre con nuestra personalidad. Somos muchos en el grupo, cada uno convive con sus gustos estilísticos pero a todos nos une el amor por las canciones, quizás eso nos emparenta también con otras bandas que hacen un estilo similar al nuestro.

Una de esas bandas es Estelares. Sin embargo, ellos han crecido notablemente en cuanto a masividad en estos últimos años y esto les ha permitido vender muchos discos. Para ustedes, ¿el crecimiento de Los Pérez se ve paulatinamente en el incremento de público show a show más que en la venta de CDs?

F: Sí aunque igualmente este disco en particular se está vendiendo muy bien, más de lo que esperábamos y eso está bueno porque nosotros le pusimos mucho trabajo al packaging para que sea digno de tener y se ve que eso ayuda.
B: Es cierto porque estamos en un momento en que el disco parece algo nostálgico pero nosotros seguimos apostamos a él, a mí como oyente me gusta tener el disco en casa, ver las letras así que apuntamos a eso y creo que lo logramos

Como hablábamos hace un rato, la presentación oficial de Asuntos de Familia va a ser en el Teatro Colegiales ¿Les representa algo especial tocar ahí teniendo en cuenta que es uno de los lugares de mayor convocatoria de Capital?

B: Y sí porque es nuestro primer Teatro y además es la presentación oficial del disco, lo que convierte a este evento en algo especial. Vamos a tocar el álbum entero más los clásicos que pensamos que tienen que estar en la lista, va a ser un show largo, van a venir todos los invitados que tocaron en el disco así que el camarín va a estar intratable (risas). Queremos que sea una de esas fechas que quedan en la historia de la vida de la banda.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco - Veo el sol (Jhanniel) (02-11-09)

2009-11-08T18:11:00.001-03:00

Veo el sol

Jhanniel debuta con un auspicioso primer disco en el que combina estilos como el funk, el pop y el rock.

Con tan solo 24 años, Jhanniel ha ido acumulando gran experiencia a través de distintos proyectos que lo encontraron explotando su faceta de guitarrista, compositor y cantante. Luego de abandonar su último grupo, Santosha, en 2008 inició su etapa solista que al año siguiente se vio coronada con la aparición de su primer álbum: Veo el sol. Grabado en Estudio Bulo y producido por el mismo Jhanniel, esta ópera prima se destaca por la precisa combinación entre el funk (a la manera de Emmanuel Horvilleur) y el pop (de la escuela de Gustavo Cerati) siempre matizada por el poderío del rock.

El sonido de mar que abre el disco nos traslada directamente a “Hawai” en un viaje atravesado por la imponente presencia de las guitarras y el groove exquisito de la base conformada por el bajista Martín Fernandez y el baterista René Gatica que continúa en el funk que da nombre al trabajo. La esperanzadora historia de amor de “Más” respira aires sombríos gracias a la viola líder al tiempo que la cantante de jazz Sol de Raco se luce con su hermosa voz.

Las estrellas que ligan los temas en la contratapa del disco remiten directamente a “Constelación”, una especie de balada que invita a darse una vuelta por el universo. El vuelo psicodélico de “Elefantes” tiene por momentos ciertas reminiscencias floydianas mientras el wha wha de “Nada llega” recuerda a la etapa más funk de los Chili Peppers. Las influencias latinas candomberas hacen su aparición en “Canta conmigo” en donde el rhodes de Hernán Jacinto (ex tecladista de Javier Malosetti) genera un interesante colchón.

Una introducción instrumental da paso a “Universos”, otra corta canción de amor con linkeos directos al espacio. Martín Fernández regala nuevamente una gran base disco, con slap incluido, que invita a bailar continuamente en “Transportate” a la que le sigue la misteriosa “El mismo umbral” antes de que “Lo que te gusta” cierre el ciclo con un ritmo bien arriba.

En Veo el sol, Jhanniel atraviesa distintas emociones que tienen al funk y pop como hilo conductor en un viaje que por momentos se hace bailable y en otras ocasiones invita a la reflexión. El misticismo también dice presente con las referencias al universo que, desde la gráfica y algunas letras, hacen que el escucha también intente ver el sol.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Entrevista Spinetta (27-10-09)

2009-11-08T18:08:00.002-03:00

Viaje al alma

Luis Alberto Spinetta oficializó su concierto del 4 de diciembre en el Estadio de Vélez en donde repasará sus cuarenta años de trayectoria junto a músicos de todas sus bandas.

Solo con guitarra acústica en mano y entonando “Retoño”, un tema nuevo inédito dedicado a los chicos del Colegio Ecos, Luis Alberto Spinetta decidió comenzar así la conferencia de prensa en el Teatro 25 de mayo en la cual anunció su show para el 4 de diciembre en el Estadio de Vélez. Claro que no se trató de un anuncio más sino de la oficialización de un rumor que venía creciendo hace ya un tiempo: la reunión de Invisible, Pescado Rabioso y Almendra.

“Spinetta y las bandas eternas” es el título del concierto en donde el Flaco repasará sus cuarenta años de trayectoria junto a músicos de todas sus agrupaciones y otros artistas invitados de gran renombre. En primer lugar, agradeció a Charly García por la invitación del pasado viernes para cantar juntos “Rezo por vos” y, a su vez, se mostró disgustado por la decisión de la Justicia de absolver al chofer del micro que trasladaba a los chicos del Colegio Ecos que murieron el 8 de octubre de 2007 en un choque en Santa Fe. Luego de sentar posición al respecto, se largó a contar cómo está planeando el recital de Vélez.

“Esto es una entrega total, es devolverle a la gente todo el amor que le puso a estas bandas” dijo Spinetta para dejar en claro que esta reunión no está marcada por un interés económico sino por el amor a la música y por su propia voluntad ya que expresó sentirse pleno en este momento como para realizar este emprendimiento. De muy buen humor, el histórico músico respondió las preguntas de la prensa sin esquivar ningún tema y resaltó su entusiasmo ante la magnitud de este concierto.

Consultado acerca de cómo fue tomar la decisión de aceptar la propuesta, Luis manifestó que en un principio dudó sobre cuál sería el pensamiento de sus músicos actuales (la bajista Nerina Nicotra, el tecladista Claudio Cardone y el baterista Sergio Verdinelli) pero, a su vez, aclaró que el concierto partirá desde el presente e irá hacia los orígenes de su trayectoria. Si bien no quiso dar detalles de la lista de temas, deslizó que “trataremos de ir a los bifes, de hacer aquellos temas de cada banda que hicieron que la gente se acuerde de ellas, no quiero tocar temas que la gente nunca les dio bola” y dejó abierta la posibilidad de editar un disco en vivo o un DVD con esta presentación.

Por otra parte, Spinetta aclaró que no saldrá de gira con estas formaciones históricas ya que “después de ver la película de León Gieco, Mundo Alas, cualquier intento de hacer algo, queda ególatra y mezquino”. Con la sonrisa a flor de piel, el Flaco destacó el lujo de juntar a sus bandas eternas y remarcó insistentemente que “este es un proyecto nacido del amor a las guitarras, del respeto a la música y del respeto a la trayectoria de todos estos músicos que me acompañan y que quizás nunca recibieron sus merecidos aplausos”. De esta manera, la invitación para el 4 de diciembre quedaba formalizada con la promesa de que se avecina un show que ya se va colgando el cartel de legendario.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Beto Landoni

Critica de disco - Nada es demasiado (Mamporro) (27-10-09)

2009-11-08T18:06:00.003-03:00

Nada es demasiado

Canciones pop rock pegadizas es lo que entrega el tercer disco de Mamporro.

Más de diez años pasaron desde que Mamporro dio a conocer su álbum debut, Amplificador, en 1996. En aquella ocasión, el ex guitarrista de Suéter, Jorge Minissale junto al bajista Brugera iniciaron el proyecto de la mano del baterista Gustavo Glusman a modo de trío. Sin embargo, tiempo después incorporaron a Matías Camisani en guitarra y a Juani Camisani en teclados para convertirse en el quinteto que grabó Nada es demasiado, la tercera producción del grupo.

“Asuntos” arranca bien al frente con el punteo de la viola líder matizada por el acompañamiento constante de la acústica de fondo. En poco más de tres minutos se resuelve el nudo de la canción, algo que pondrá muy alegres a los musicalizadotes de radio. “Lo que está bien para vos, está bien para mí” sólo tiene de extenso el título ya que, al igual que el primer tema, es una concisa demostración de pop con buenos estribillos. A continuación, varias voces al unísono dan comienzo a “El rock no va a cambiar el mundo (pero puede cambiar el tuyo)” en el que se destacan las bases del baterista Gustavo Glusman y el bajista Bruguera en esta declaración de principios que linkea directamente con los pioneros del rock argentino.

Jorge Minissale, cantante y guitarrista de Mamporro, entona suavemente las estrofas sentimentales de “Felicidad” que también contienen un dejo de oscuridad en el aire. “Volver y revolver” surfea con el wah wah rítmico hacia un estado de absoluta calma aunque la letra esté lejos de ser parsimoniosa. Los violines invitados a cargo de Ulises Di Salvo y Pedro Pedraza junto al histórico Juan Pollo Raffo en órgano se acoplan perfectamente al acompañamiento de la guitarra de Matías Camisani y luego dan paso al rock and roll de “Peor que morir”.

En Nada es demasiado, también hay lugar para un poco de tecno gracias a “Pez moderno”, ideal para escuchar en verano. La alegría continúa de la mano de “Lee mis labios, escribe mis ojos” aunque aquí las guitarras adquieren una presencia mayor y refuerzan constantemente la base rítmica de Glusman y Bruguera. En “Salida al mar” (que ya había aparecido en Palabras Armadas, el segundo trabajo de la banda), la cosa se pone más tranquila y lenta hasta desembocar en “Hay que amarse, no matarse” que finaliza el disco mientras obliga al oyente a mover la patita para marcar el pulso.

Jorge Minissale vuelve nuevamente con sus canciones de impronta pop radial y, a través de Mamporro, deja asentadas sus buenas intenciones junto a la colaboración de Pablo Sbaraglia en la producción.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco - On the sunny side of the street (Dancing Mood) (30-09-09)

2009-11-08T18:01:00.002-03:00

On the sunny side of the street

Dancing Mood sigue confirmando por qué es la orquesta de reggae y ska por excelencia.

El sábado 21 de julio de 2001, Dancing Mood actuó en la disco Niceto por primera vez. Desde aquél debut, ya pasaron ocho años y un largo recorrido por varios escenarios del país además del gusto de haber compartido fechas con grandes músicos como Skay Beilinson y The Skatalites. En este 2009, los shows en Niceto llegan a 100 y la banda decidió festejarlo a todo trapo con un show gratuito al aire libre en la esquina de Humboldt y Niceto Vega. Para la ocasión, unos meses atrás grabaron en estudio seis temas que fueron

lanzados en un EP de edición limitada que viene con un ticket para participar de múltiples sorteos que se realizarán el día del show. El resultado es parejo y continúa la línea histórica de Dancing.

Con fuerza y precisión, “Dandimite!” da inicio al disco y desde el arranque se lucen los trombones de Martino Gesualdi, Joaquín de Francisco, la trompeta de Hugo Lobo y la percusión de Gustavo Martelli. Un mini segmento de cumbia colombiana une el primer tema con el segundo, “Israelites”, en donde la voz invitada de Pauline Black (de la mítica banda pionera del ska, The Selecter) reafirma los laureles que la anglo-nigeriana lleva consigo desde hace más de treinta años.

“On the sunny side of the street” transporta a Dancing Mood a los años cincuenta, transformándolos en una súper orquesta de jazz y da paso para que el guitarrista Maneco Saez Germain se luzca con un brillante solo. El vibrafón de Oscar Albrieu Roca sorprende con su dulzura mientras la exquisita base que conforman Alejandro “Mono” Avellaneda en batería y Diego González en bajo le permite al ex Viejas Locas, Ezequiel “Peri” Rodríguez, sumar su armónica con mucha clase.

Pablo Molina, cantante de Todos Tus Muertos, vierte su costado jamaiquino en “Suzie Wong”, un reggae bob marlesco que invita a relajarse desde aquí hasta el final. Los vientos vuelven a la carga en “Garden of love” y muestran al grupo comandado por Hugo Lobo asentándose en su característico sonido ska. Otros segundos de cumbia conectan con el final del disco que llega con una versión nostálgica de “You´ve made me so very happy” y la voz de Deborah Dixon, una vieja conocida de la casa, además del recuerdo del fallecido Toto Rotblat, que aporta su percusión en este tema grabado en diciembre de 2007.

“On the sunny side of the street” es la excusa predilecta para ir preparando la fiesta que se llevará a cabo el sábado 3 de octubre en Niceto Vega y Humboldt, en la que Dancing Mood festejará sus 100 Nicetos. Seis temas en los que la banda hace alarde de su buen gusto y su calidad.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Lucas Sedler - Velma Cafe (25-09-09)

2009-11-08T17:58:00.002-03:00

De entre casa

El guitarrista Lucas Sedler presentó su tercer trabajo solista rodeado de amigos y familiares.

Cuenta la historia que cuando Memphis La Blusera actuó como soporte de Eric Clapton, el inglés elogió al entonces guitarrista de la banda, Lucas Sedler, y lo recibió en su camarín. Salido de la cantera más genuina del blues, la de Miguel Vilanova, el joven acompañó al grupo de Adrián Otero por varios años hasta la disolución del mismo en 2007. En el camino, grabó dos discos solistas que tuvieron mediana repercusión y, ahora ya volcado a pleno a su proyecto, fue el turno de la presentación oficial de Remanso, su tercer trabajo.

A las nueve y media, ante un Velma Café bastante lleno, Lucas hizo su aparición para dar comienzo al show sólo con su dobro y una acústica versión de “Crossroads”. Para las jazzeras “Sueño de café” y “Georgia on my mind” se acopló toda la banda, en la que se destacaron Leandro Bulacio en piano, Pablo Grosman en guitarra rítmica y Luciano Peralta en contrabajo. Tras los agradecimientos de rigor, en los que se pudo observar a un Sedler bastante tímido, llegó el turno de “Valsecito para mi barrilete”, una tierna canción en la que el guitarrista aportó su voz de manera correcta pero que, sin embargo, es un punto que pide ser más explotado.

Una constante del concierto fueron los homenajes de Lucas a sus artistas más admirados. Así fueron pasando la instrumental “Albatross” de Fleetwood Mac y una excelente versión blusera de “Can´t buy me love” de los Beatles, en donde la gente acompañó con sus palmas. Luego de un exquisito boogie, “Persiana baja” trajo consigo un aire spinetteano con un expresivo sólo de viola que arrancó numerosos aplausos.

El intermedio encontró nuevamente al ex Memphis La Blusera sólo con su guitarra acústica para interpretar “Feel sad”, el primer tema que compuso en su adolescencia cuando todavía jugaba a ser Eric Clapton, según sus propias palabras. El ritmo en tiempo de jazz inició una brillante versión de “Desconfío” a la que se le pegó el funk de “Sólo vos sabés”.

Sobre el final, Miguel Vilanova se sumó a su ex alumno para brindar una magistral clase de blues de la mano de “Stormy Monday Blues” y “Tren de las 16” en donde las tres violas se fundieron en un duelo interminable. La bossa de “Over the rainbow” fue la antesala para que en “Every day” nuevamente Botafogo se acoplara en un cierre antológico.

En poco más de una hora y media, Lucas Sedler mostró su último trabajo ante un numeroso público que no dejó de apoyarlo en ningún momento. Haciendo gala de su virtuosismo, el ex Memphis pudo pasearse por el jazz, el boogie y el blues con mucha clase aún cuando su timidez por momentos hizo notar cierta incomodidad ante la responsabilidad de ser el frontman de la banda.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Anabella Reggiani

Critica de disco - Knock Knox (Hyperknox) (22-09-09)

2009-11-08T17:55:00.002-03:00

EP - Knock Knox

Hyperknox debuta con un EP plagado de pop y electrónica.

En el myspace de Hyperknox uno puede ver un video en vivo de la banda interpretando el clásico ricotero “Fuegos de octubre” en una versión bien inglesa-electrónica. Y por allí es donde uno debe entender la propuesta del grupo integrado por Oliver Knoxville en guitarra y voz, Juan Manuel Drangosch en bajo y voz y Ramiro Pereyra en batería y coros. Con tan sólo dos años de vida y surgidos de las cenizas de otra banda, Hypernova, el trío plasma en Knock Knox su identidad y deja en evidencia sus influencias new wave con algunos retazos punk.

Las programaciones afiladas son una constante en “21%” que se sostiene con una pegadiza base pop mientras la voz se mezcla con el resto de los instrumentos. “Piano upbeat” es rock inglés de principios de este siglo al tiempo que “Equivocado del río” es uno de los temas más logrados. Su melodía cancionera, sumada al hecho de que es la única que está cantada en castellano, la convierten en el hit por excelencia.

El comienzo lento y progresivo de la batería va adentrando al oyente en ese viaje climático que propone “Minimal Damage” en una idea mezcla de Radiohead y Pink Floyd. Y si de bandas inglesas hablamos, la cita a Franz Ferdinand llega de forma explícita con “Stage” gracias al protagonismo de las violas que atacan una y otra vez con un repetitivo y bailable riff. El teclado lúgubre de “Mary Jane”, acompañado por una simple acústica, sintetiza perfectamente en un minuto y medio, el vacío que propone esta hermosa canción que cierra el disco.

Veinte minutos es todo lo que necesita Hyperknox para darse a conocer con su primer EP. En seis temas dejan asentada su propuesta que mezcla rock inglés con programaciones electrónicas y que les permitiría participar de cualquier festival europeo sin fisuras.

Christian Alliana para www.elbondi.com