Critica de disco Venaticos - Venaticos (28-06-10)

Venáticos - EP

Primer disco para una banda con un largo recorrido en el under.

Venáticos es un grupo formado a principios de la década del noventa, que en 2002 pasó a llamarse Rocamadour y que luego de una disolución, se volvió a juntar bajo su nombre original para editar su primer álbum homónimo. A través de siete temas, el quinteto integrado por Lucio Vaquero (voz y armónica), Juan Manuel Polo (guitarra), Lucas Redondo (guitarra), Sebastián Voyatjides (bajo y teclados) y Nicolás Camporino (batería) da muestras de buenas melodías orientadas al rock cancionero.
El comienzo con “Por los dos” marca el rumbo de todo el EP: electricidad rockera y base de canción con punteos de guitarras que entran y salen continuamente. En “Más allá de vos” hay buena interacción entre las violas de Polo y Redondo con un ritmo acolchonado por el órgano de Voyatjides (también tecladista de Blues Motel).
Y justamente la influencia de la banda de Tigre se hace presente en la hermosa “Roto el corazón” al tiempo que en el track siguiente, “Gris melancolía”, aparecen los coros invitados de Francisco Bochatón y David Vera. “Ocultar tu soledad” y “Morir en el mar” son dos rock clásicos, apoyados en las guitarras eléctricas que finalmente dan paso a las acústicas que se suman a la voz de Lucio Vaquero en “Estrella de la tarde”, el último tema del EP.

La primera carta de presentación de Venáticos parece estar hecha a medida de los amantes del género rock-canción, esos que disfrutan tanto de la crudeza de las guitarras eléctricas como de la sensibilidad de los rasgueos acústicos.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Mas que humano (22-06-10)

Más Que Humano

Debut discográfico para una banda que se afirma en la potencia del rock.

El origen de Más Que Humano se remonta al año 2003 cuando Pablo Lanzillota (voz) y Diego Ferrabone (guitarra y coros) conformaron The Magic Box, una banda de covers que interpretaba temas de Queen, The Beatles y The Police entre otros. Con la renovación de algunos integrantes y el inicio de un repertorio propio, en 2005 el grupo adquirió su nombre actual con el cual registraron Vidas Paralelas, un EP de cuatro temas que fue reeditado en 2007, ya con la formación actual que incluye a Nahuel Castelao (Bajo) y Leonel Ditarcio (batería).
En su disco debut, la banda utiliza la potencia del rock sumado al brillo del pop a través de once tracks. El espíritu adolescente de “No puedo volver atrás” se conjuga con el aire críptico de “Palabras”, en donde las guitarras comienzan a tomar protagonismo por medio de distintos efectos. El ex baterista de Pappo, Bolsa González, se hace cargo de los arreglos de batería en “Ella está bien” y su mano se nota en esos minutos amables que dan paso a la influencia beatle de “Viaje pesado”.
Luego de “Cerca de ti” y “Apariciones”, los coros apoyan las guitarras pop de “Norte sur” y la distorsión rompe por momentos la calma acústica de “Redención”. Pasa “Solo voces” y a continuación aparecen los elementos hard rockeros de “Vuela”, con cambios de ritmo incluidos. Para el final queda la balada “Ángeles y piedras” que comienza con la voz de Pablo Lanzillota junto al piano de Javier Mareco hasta que la banda a pleno aporta su poder y las guitarras dobladas enfatizan el solo.

Más Que Humano subraya en su primer disco homónimo sus influencias rock-pop internacionales y entrega un material que por momentos se torna algo homogéneo pero en el cual se destacan diversos arreglos de guitarra.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Kevin Johansen - En vivo en Buenos Aires (14-06-10)

En vivo en Buenos Aires

Registro en vivo de las presentaciones de Kevin Johansen junto al dibujante Liniers.

Durante todo el año pasado, Kevin Johansen junto a su banda, The Nada, y el dibujante Ricardo Liniers unieron fuerzas para brindar varios shows audiovisuales que recorrieron distintas ciudades del país. En vivo en Buenos Aires (2010), grabado en agosto de 2009 en el Teatro El Nacional, es la síntesis de estas presentaciones y allí el músico nacido en Alaska pero argentino por adopción, recorre buena parte de su historia musical.
Desde The Nada, aquel disco debut de 2000, Kevin ha demostrado a lo largo de esta década que sabe desenvolverse muy bien a través de distintos estilos y con letras plenas de ironías y acidez retrata de manera eficiente distintas situaciones cotidianas que involucran directa o indirectamente al oyente. En este registro en vivo la parte vocal gana un interesante protagonismo como en “Logo”, que abre el disco y en donde se suma la cantante Ileana Cabra de Calle 13.
Las canciones de Johansen también atraviesan distintos estados anímicos que van desde la alegría de “En mi cabeza” hasta la tranquilidad de “El círculo” y “La hamaca”. Por su parte, “Hindu Blues” trae toques orientales que se ubican a mitad del camino experimental de los Beatles y Oasis mientras el brasilero Paulinho Moska aporta su voz en “No voy a ser yo”.Los boleros son otra pata en donde se apoya Kevin destacándose el dúo que realiza junto al español Kiko Veneno (“Desde que te perdí”) y la híper conocida “Down with my baby”. Tampoco faltan los otros hits como “El palomo” y la divertida “Guacamole”.
La pluma encendida del ex integrante de Instrucción Cívica encuentra su apogeo en la excelente “McGuevara´s o CheDonald´s” y la historia de “Cumbiera intelectual”. En el final, aparecen los toques electrónicos de “Sos tan fashion”, el aire tanguero de “Buenos Aires Anti Social Club” junto al uruguayo Fernando Cabrera y los coros de todos los músicos en “Fin de fiesta”.
Las excelentes fotos que ilustran el librito interno retratan el ambiente de los shows aunque el combo que viene con el DVD ayuda enormemente a disfrutar los retratos que Liniers va pintando mientras The Nada ejecuta la música.

En vivo en Buenos Aires es el reflejo sonoro de la conjunción audiovisual entre Kevin Johansen y Liniers y a través de él se puede apreciar la versatilidad estilística del cantante nacido en Alaska.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Entrevista Riddim (09-06-10)

“El reggae va a estar siempre”

Pety nos cuenta de qué trata el nuevo disco de Riddim en una entrevista marcada por la buena vibra.

Desde la explosión del reggae local a partir del nuevo milenio, varias bandas argentinas han alcanzado un nivel de convocatoria impensado hace un par de años atrás. Al indiscutible liderazgo de Los Cafres y Los Pericos, en la década del 2000 se sumaron y consolidaron otros grupos seguidores del estilo que Bob Marley popularizó mundialmente. Riddim es una de esas agrupaciones y, con motivo de la edición de su nuevo disco, Donde brilla el sol, charlamos con el cantante Pety. Paz y buena onda en un entretenido intercambio de mails. -El nuevo trabajo tiene un nombre con tintes casi románticos ¿qué creen que existe allí donde brilla el sol?Luz. En las épocas oscuras uno busca luz. Y el sol representa eso, ayuda a mejorar tu día. Le damos gracias a Dios cada vez que brilla el sol. Cada amanecer es una bendición y te empuja a seguir adelante pese a todo.

-El corte de difusión elegido, “Tu amor” gira en torno a una historia amorosa que puede ser entendida tanto entre dos personas como también hacia Dios. ¿Creés que el público está empezando a aceptar un poco más las canciones de amor vinculadas al reggae?

Dread Mar I está apostando mucho por este estilo por ejemplo.El amor siempre está presente en el reggae, hasta te diría que todo el género está basado en el amor. El amor a Dios, al prójimo, a los seres queridos, a la humanidad, a la creación, es el mensaje más lindo y más sincero, todo debería girar alrededor del amor. No hay nada más lindo que eso.

-Por su parte, en “Lo que ves” incursionan en un clásico ska. ¿La idea partió del lógico parentesco entre el ska y el reggae?

El ska es el antecesor del reggae en Jamaica, su población en los 60s festejaba su independencia de la colonia británica y por eso es tan alegre. En nuestro disco anterior no habíamos incluido ningún ska, y ahora salió "Lo que ves". Tiene aires de rythm and blues que es como se componía en esa época ya que los artistas jamaiquinos estaban influenciados por las radios del sur de EE.UU. y por bandas como Fats Domino por ejemplo.

-Tratándose de un género como el reggae que, a veces al igual que el blues, puede volverse algo ortodoxo ¿cómo maneja Riddim el hecho de buscar algo distinto disco a disco?

No queremos que sea distinto. Los discos los encaramos como siempre, la diferencia es que cada uno fue grabado en distintas circunstancias, en distintos estudios y la banda ha crecido musicalmente, ha madurado. Le damos mucha prioridad a las melodías, a la canción en sí y a lo que decimos en ellas. El poderío de Riddim está en vivo y aquellos que vengan a nuestros shows se darán cuenta de lo que representa el reggae para nosotros, la forma de ejecutarlo y cómo disfrutamos de lo que hacemos.

-Hace ya varios años que el reggae tiene gran repercusión en Argentina. ¿Pensás que es algo que ya está definitivamente instalado en la cultura musical nuestra?

Muchos siguen creyendo que es una moda pasajera...El reggae está instalado en la gente desde hace muchos años y una moda dura un fin de semana. Culturalmente el reggae en castellano tiene mucho para dar todavía, es cuestión de seguir aprendiendo y dar más calidad tanto en la música como en el mensaje. Es un ritmo que no necesitó ser inflado en los medios, el crecimiento fue muy under. No es como con los floggers por ejemplo, que salían en la tele a cada rato, eso sí es una moda pasajera, que ya dejó de existir. El reggae está y va a estar siempre.

-El sábado 26 de junio, la presentación de Donde brilla el sol será con dos funciones en La Trastienda ¿Qué esperan de la fecha? ¿Habrá invitados?

Estamos armando un show especial en donde vamos a tocar todos los temas del disco. Vamos a hacer covers de bandas que nos influencian y habrá invitados de bandas amigas. También estamos preparando algunas cosas visuales en lo que respecta a la escenografía para que sea un show distinto. Esperamos que la gente se acerque y disfrute de esta presentación tanto como disfrutamos nosotros al prepararla.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Tercer Ojo - Mestizo (31-05-10)

Mestizo

En su primera producción Tercer Ojo da muestras de un rock bien crudo.

Con varios años en la ruta (siete exactamente), Tercer Ojo lanzó a fines de 2009 Mestizo, su disco debut que contiene doce canciones grabadas en los Estudios Tónica, El Balcón y Néctar bajo la producción artística de Tomás Tyrrell. El cuarteto integrado por Santiago Yaya Imposti en voz, Francisco Gamas en guitarra, Francisco Palma en bajo y Agustín Ghiglione en batería asienta sus bases en el rock guitarrero con toques oscuros, letras existenciales y potencia hard.
“Entre el capo y el canapé” da inicio al álbum con las guitarras bien al frente comandando todo el tema de principio a fin. El bajo de Palma y la batería de Ghiglione se combinan de manera potente en el hard rock “Bajo el ombú” pero la voz queda muy atrás en la mezcla, casi difusa entre tanta energía. “Y así todas las noches olvidándome de vos, dando vueltas sin sentido, reclamándole a dios” canta Yaya Imposti en “Danza con lobos” y esa sensación de melancolía se ve apoyada por las acústicas y los arreglos de teclados de José Luis Berrone.
En los matices es donde Tercer Ojo muestra su mejor cara. La balada “Instinto”, con sus arreglos de cuerdas y su aire misterioso, dan cuenta de una faceta que se intensifica en “Ni siquiera amaneceres en Palermo” en el que incluyen la interesante gaita de Oscar Llovenes. El riff circular de “Si la mula se nos ríe” trae de nuevo el rock más clásico mientras que “Justiciera” e “Hijos de lo natural” son buenas herederas de Los Caballeros de la Quema y La Renga respectivamente.
Por su parte, la amable “Crudo amanecer” junto a “44244”, “El saber de las moscas” y “El evangelio” completan los doce temas de Mestizo dejando en claro que la propuesta del cuarteto es el rock más crudo e intenso posible. Mención aparte merece la excelente tapa que muestra a dos hormigas sosteniendo un tornillo y que bien podría simbolizar, además del trabajo, la aspereza de la música de Tercer Ojo.

Luego de siete años de vida, en 2009 Tercer Ojo finalmente logró editar su primer disco basado en canciones rockeras del palo más duro. Con un sonido que intenta rescatar ese espíritu, Mestizo presenta algunos vaivenes en cuanto a la mezcla y los temas más sobresalientes son aquellos en los cuales no solamente mandan las guitarras.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Mama Perfecta - Beat and Blood (26-05-10)

Beat and Blood

Los sanjuaninos de Mama Perfecta apuestan por el dance hall mezclado con el reggae y el rock combativo en su nuevo disco de estudio.

Mama Perfecta es un grupo oriundo de San Juan nacido en la primera mitad de esta década y que tiene como influencias a bandas como Gentleman, Capleton, Fermin Muguruza, Los Mirlos y Los Palmeras entre otros. En Beat and Blood (2009) el septeto integrado por Marcos Ordán en voz y percusión, Cristian Espejo en guitarras y voz, Facundo Gaillez en batería, Juancho Valenzuela en bajo, Andrés Dech en trombón, Flaco Quattropani en trompeta y Fernando Recio en teclados, se muestra más cercano al dance hall de Alika que al reggae de Marley y descarga letras combativas a lo Mano Negra.
Los vientos ocupan un rol importante durante todo el álbum pero no tanto a nivel solista sino más bien como acompañamiento. Esto queda demostrado en temas como “San Juan vibration” (con Hugo Lobo de Dancing Mood como invitado) y “San Juan me mata” mientras que las voces por lo general entran y salen del hip hop. “El peaje” junto al colombiano Javier Fonseca apoya esa apuesta que encuentra su clímax en “Beat and blood” con Karen Pastrana de Actitud María Marta y los cordobeses de Locotes.
La electrónica juega un rol importante en “I wanna tell you” de la mano de los samplers disparados por Cristian Espejo y el bajo de Juancho Valenzuela sostiene la pesadumbre de “Vamos a la plaza”. La influencia de Mano Negra sale a relucir en “Vivir por algo”, la más festiva a nivel musical, y el jamaiquino Prince Ranny aporta su voz en “No more tribulation”, un muy buen reggae roots..

Mama Perfecta atraviesa en Beat and Blood distintas combinaciones de reggae y dance hall mixturadas con toques electrónicos y dosis de sound system que hacen a la esencia de esta banda sanjuanina.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Romapagana - Lo de Luca (17-05-10)

No duermas mas

Se reinauguró la casa donde murió Luca Prodan y hubo recitales de Ismael Sokol y Romapagana, además del descubrimiento de una plaqueta con algunos políticos invitados.

Rara. La sensación de ver a políticos del PRO homenajeando a Luca Prodan, el líder de Sumo fallecido en 1987, es rara. Si el hombre que cambió buena parte de la cultura rock argentina pudo mirar, esté donde esté, el descubrimiento de una plaqueta en su honor en manos del Ministro de Educación porteño, Hernán Lombardi, seguramente no pudo creer semejante situación. Y no solo eso, porque a la reinauguración de la casa donde el italiano pasó sus últimos días, o Lo de Luca resto bar, tal el nombre oficial, también se acercaron distintas personalidades bastantes alejadas del espíritu libertario de Prodan. Las caras conchetas de las que hablaba en “La rubia tarada” se multiplicaban por doquier y cholulos de turno deambulaban por los ambientes de la vieja casona mientras degustaban el catering servido para la ocasión. Claro que no faltó gente cercana al rock como Pipo Cipolatti, Walas de Massacre y Sergio Dawi, ex Redondos, aunque por momentos, en el contexto, los raros parecían ellos.
Sin embargo, es muy valorable el esfuerzo y dedicación que pusieron los chicos que alquilaron la casa, sacándola de un abandono casi irreversible y con la estructura a punto de derrumbarse. Un esfuerzo que más allá de lo económico, implicó una lucha por la preservación de un lugar histórico (no hay que perder de vista que la casa es una de las más antiguas de la ciudad) y que si no fuera por la iniciativa de estos particulares, probablemente allí no quedaría nada en pie o estaría convertido en el “Shopping Bicentenario”.
A diferencia de lo que pasaba en el interior del ex conventillo, sobre la calle Alsina la situación era completamente diferente; cientos de chicos iban y venían con botellas de cerveza (y ginebra, claro) mientras cantaban viejos clásicos de Sumo que sonaban por los parlantes. La celebración no era casual ya que el lunes el pelado hubiera cumplido 57 años. Cuando la tarde dio paso a la noche, la música en vivo comenzó a sonar primero de la mano de la tanguera Carla Algeri y luego continuó con el rock de El Búfalo. Pero el plato principal fue la presentación de Ismael Sokol (hijo del recordado ex cantante de Las Pelotas) y su grupo La Propina que luego le dio paso a Romapagana, la banda de Andrea Prodan, hermano de Luca. Ambas agrupaciones aportaron buenas dosis de rock: La Propina sorprendió por su contundencia y Rompagana por su esencia inglesa setentista que por momentos transportó a los presentes al Londres que curtió el mismo Luca. Obviamente no faltaron temas de Sumo como “Mejor no hablar de ciertas cosas” y “Fuck you”.

En un país caracterizado por la poca valorización de sus edificios históricos, que la casa de Luca Prodan vaya a convertirse en un espacio cultural es una buena noticia. Esperemos que sea un proyecto duradero y que la foto de los políticos PRO homenajeando a Luca no haya sido una mera fachada para que mañana la línea 29 cambie su recorrido y pase por encima de la casa.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Beto Landoni

Cobertura Ed Motta - La Trastienda (16-05-10)

Carnaval Carioca

En su sexta visita al país, Ed Motta reivindicó su romance con el público argentino a puro funk y soul.

En dos frescas noches de otoño, el brasilero Ed Motta llenó La Trastienda y puso el calor necesario para que el camino hacia el invierno sea un poco más llevadero. Si bien la excusa de esta nueva visita era la presentación de su más reciente disco, Pique Nique (2009), el sobrino del cantante Tim Maia repasó temas de todos sus trabajos. Desde el comienzo con “Minha vida toda com voce” la gente empezó a mover el cuerpo al ritmo del funk, algo que sería una constante a lo largo de todo el show.
Apoyado en una sólida banda, Motta se dedicó solamente a cantar durante toda la primer mitad del concierto y demostró un gran manejo vocal en temas como “Pe na jaca” y “Birinaite”. No faltaron clásicos como “Manoel”, una verdadera lección de groove y feeling que hizo bailar a todos los presentes mientras que “Dez mais um amor” puso el infaltable toque soul.
Con un humor excelente, el carioca interactuó constantemente con el público riéndose de su excedido peso y de las diferencias entre el idioma español y portugués. De esa manera, en un ambiente muy distendido, la banda a pleno entregó sus mejores performances con grandes actuaciones del baterista Marcos y el tecladista Jair Oliviera. Por su parte, el bajista Javier Tabares y el histórico guitarrista Paulinho Guitarra aportaron una sólida base que también le sirvió a Ed Motta para que, luego de una hora de show, pudiera sentarse por momentos en el teclado a cantar temas más íntimos.
Sobre el final, la fiesta fue in crescendo con canciones como “Vamos dancar” y “Colombina” como mejores ejemplos. La gente agradeció la entrega con una gran ovación que obligó al brasilero a volver nuevamente para un par de bises más.

Gran coleccionista de instrumentos vintages y melómano enfermizo (una discoteca de más de treinta mil discos no es poca cosa), el brasilero Ed Motta es además uno de los mejores exponentes del funk de Latinoamérica. El pasado fin de semana reivindicó sus credenciales con grandes conciertos a sala llena en La Trastienda y dejó a todos con ganas de una pronta visita.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotografo: Beto Landoni

Critica de disco Claudio Marciello - Identificado (10-05-10)

Identificado

Claudio Marciello vuelve a la carga con su tercer disco solista.

Luego de dos interesantes incursiones en solitario como fueron Puesto en marcha (2001) y De pie (2004), Claudio “El Tano” Marciello vuelca nuevamente sus inquietudes en Identificado (2009), un trabajo firme en el que se permite, como ya es costumbre, recorrer terrenos alejados del metal. A mitad del año pasado, cuando El Bondi entrevistó al guitarrista de Almafuerte, éste nos adelantó detalles del disco que estaba planeando: “tiene temas que son rockeros, tiene cuentos reales de personajes que uno va conociendo por el país y tiene muchas reflexiones, muchos puntos de vista de esta etapa de mi vida”. Hoy, con el material en la mano podemos decir que el Tano estaba en lo cierto ya que en las once canciones de su autoría se alternan la potencia del metal con la tranquilidad acústica e introspectiva.

El comienzo con “Un caso es un millón” sigue la línea de Almafuerte, con guitarras machacantes, solos admirables y la batería golpeando en el pecho. “De noble corazón” cuenta la historia de Carlos Chaves, un paisano cordobés de vida difícil, y “Te vi pelear” suena densa, opresiva aunque los estribillos descomprimen esa situación. Las violas machacantes vuelven en la rutera “Me fui de viaje” a la que le sigue el relato de las ventas de tierras en el Sur que “El show de Nahuel” retrata muy bien. “Va benne” es un excelente instrumental en el que El Tano pasea por todo el mango de su viola, “Con valor al despertar” tiene por momentos guiños casi punks y “Buena suerte” es la balada rockera del álbum.
Sin embargo, como en sus dos discos solistas anteriores, Marciello se destaca cuando presenta temas cercanos a lo folklórico y su acústica toma el mando como en “Para León”, un bonito folk obviamente dedicado a Gieco. En el instrumental “Las junturas”, el guitarrista de Almafuerte brinda una lección de buen gusto y sentimiento junto a su criolla que transporta mentalmente al oyente hacia el campo. A modo de bonus track aparece “Alma de budín”, el tema de Divididos aparecido originalmente en Gol de Mujer (1998) y que el Tano adapta en una interesantísima versión con aires country.
En la recordada entrevista con El Bondi, Marciello nos explicaba que quería darle un mensaje esperanzador a las nuevas generaciones y en Identificado esa idea queda explícita de principio a fin. Desde el arte de tapa, en el que el guitarrista de Almafuerte emerge de la tierra convertido en árbol, hasta la participación que tuvieron tres jóvenes bateristas con los cuales se armó todo el álbum: David Valencia (hijo de Bin, baterista de Almafuerte), Melina Marciello (hija del propio Claudio) y Adrián Espósito, el mensaje positivo fluye continuamente.

En Identificado, su tercer trabajo como solista, Claudio Marciello da muestras de su virtuosismo pero, sobre todo, de su sentimiento a la hora de tocar la guitarra y abarcar cualquier género que permita expresar lo que quiere decir.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Chinelas Persas - Teatro Santa Maria (08-05-10)

Dia Gris

Chinelas Persas festejó sus siete años en el Teatro Santa María.

El sábado por la noche Chinelas Persas llegó al hermoso Teatro Santa María para festejar sus siete años de vida de la mano de su reciente disco El yeite del nuevo día (2009). El cuarteto integrado por Gabriel Biuso en voz, Hugo Iribarren en guitarra, Orestes Di Vruno en bajo y Sebastián Ramos en batería repasó buena parte de su último material pero sin dejar de lado su ópera prima Abre tu mente (2006).
Ante un numeroso público, el show comenzó pasadas las diez de la noche con “Voy a estar” en plan brit pop. El tandem “De ti para mí” y “De mí pa ti” empezó a introducir a los presentes en un estado sombrío y climático que marcaría el rumbo de todo el concierto. Las programaciones entre tema y tema junto a los matices aportados por el trompetista invitado oxigenaron las canciones acercando por momentos a la banda a terrenos más funk
Cierto espíritu floydiano rodeó a “Holophonic trip”, que en su versión de estudio contó con la participación de Hugo Zucarelli, inventor de la holofonía, y colaborador ocasional de los propios Pink Floyd, Paul Mc Cartney y Michael Jackson. Por su parte, “Soledades” contó con la proyección de su propio videoclip y reforzó la parte visual que incluyó momentos interactivas como cuando el cantante Gabriel Biuso se entremezcló con la gente con una linterna en su cabeza ante una sala completamente a oscuras con una música de película clase b sonando a sus espaldas.
Sobre el final, Federico Bueno se sentó en el teclado para comenzar una excelente versión de “Bohemian Rapshody” de Queen, que fue interpretada de manera brillante y generó una gran ovación. Luego de dos horas, el rock potente de “Para quien” y “El yeite del nuevo día” cerraron la noche del festejo.

En el coqueto Teatro Santa María, Chinelas Persas brindó un show con buenos temas pero que por momentos caían en una continua homogeneidad signada por climas oscuros aunque esto no impidió que el público celebrara con la banda sus siete años de vida.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Chau Pekin - Las horas no pasan lentas (05-05-10)

Las horas no pasan lentas

Debut más que auspicioso para Chau Pekín.

La historia de Chau Pekín se remonta a la primavera de 2003 cuando el grupo todavía se llamaba La Baina y daba sus primeros pasos en clásicos lugares del under como Cátulo Castillo, La Colorada o Speed King. Al año siguiente, con la grabación de una cortina para un programa de radio (Cultivando verdades), la banda comienza a profesionalizarse de a poco y es en ese trayecto cuando se producen algunos cambios de integrantes. En 2005 nace formalmente Chau Pekín y su primer EP, Bienaventurados los que bienvenidos sean, intenta mostrar los estilos musicales que aborda el conjunto y que finalmente se ven plasmados totalmente en Las horas no pasan lentas (2009), su disco debut.
A lo largo del álbum, la banda logra una excelente combinación instrumental gracias a la sólida base rítmica que permite un buen trabajo a nivel guitarras y el empuje de los vientos, que son protagonistas en casi todos los temas. El abuso de poder y de la violencia son reflejados en la oscuridad de “Romper el código”, con la trompeta de Ari Brukman y el saxo de Dario Bercovich bien al frente. Por su parte, “Que no!” descomprime esa sensación de opresión gracias a un ska relajado que la percusión de David Kaplan adorna muy bien.
El sonido ambiente de una reunión de amigos da pie a “Domingo” en donde el protagonista de la historia cuenta sus peripecias en el día más deprimente de la semana. La guitarra abrasiva de Martín Machabanski inicia el estupendo reggae “La feli´”, dedicada obviamente a Mar del Plata y a su aspecto cambiante según la estación del año. En cinco minutos, la voz de Diego Litmanovich canta una de las mejores letras del disco mientras los invitados Martín Adler en sintetizador y Pablo Cadel en trombón aportan sus sutilezas para lograr así el mejor tema del álbum.
El espíritu del carnaval uruguayo dice presente en “Copetear un charlatín” con los coros de la Murga Pasa Naranja al tiempo que “En un tiro sí” es un tango que cierra este tándem del Río de la Plata y que le abre la puerta al baile de la mano de la cumbia “Muchacha”. Pegada y sin prejuicios, la introducción de guitarra de “Nuevo sol” tiene un gran parentesco con “Vencedores vencidos” de Los Redondos y en su desarrollo atraviesa varios estilos, desde el reggae hasta el ska made in Karamelo Santo.
El mid tempo inicial de “Quebrado” permite que el teclado de Goyo Palermo genere una densidad interesante que luego se rompe con el repetitivo redoblante del baterista Lio Chulak y el bajo pesado de Hernán Rouffe. “Mientras” es una mixtura de ska contagioso y letra triste que es coronada con un estribillo pegadizo que promete convertirse en un clásico en vivo. Finalmente, el violín de Román Peusner y el cello de Gustavo Nuñez logran el clímax de canción de despedida que “El vagón de los ahorcados” pretende representar como corolario de este álbum en donde el tiempo aparece como leit motiv de una u otra forma.

Las horas no pasan lentas es una buena muestra de la variedad musical que aborda Chau Pekín. Desde el reggae hasta el ska, pasando por el tango y la murga uruguaya, la banda de Villa Crespo logra un excelente trabajo en el que también se destaca una cuidada producción.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Chau Pekin - La Trastienda (24-04-10)

Más alto que metro y medio

Chau Pekín llenó La Trastienda para presentar su destacado primer disco.

En el lento camino hacia la masividad, Chau Pekín dio su paso más importante el pasado sábado en La Trastienda. Con seis años sobre sus espaldas, la llegada del grupo con sede en Villa Crespo al reducto de San Telmo fue la confirmación de un largo trabajo que han venido realizando en todo este tiempo de manera firme y sin saltearse ningún peldaño. Desde sus comienzos con el nombre de La Baina hasta este presente fructífero, han recorrido todo el circuito under, incluyendo giras a la costa, y se han convertido en una de las bandas fetiches a la hora de hacer cortinas para radio (el tema para Metro y Medio, el programa de Sebastian Wainraich en La Metro es su logro más conocido).
Por todo esto, no resultó raro ver a La Trastienda repleta con más de seiscientas personas coreando por Chau Pekín. El comienzo con la voz de Diego Litmanovich cantando “Quebrado” con el telón cerrado incrementó la ansiedad y a los pocos minutos ya pudo visualizarse a la banda a pleno con una venda que cubría sus ojos mientras de a poco daban paso a “Romper el código”. Ahí sí, el primer tema de su disco Las horas no pasan lentas (2009) daba inicio a la verdadera fiesta que todos fueron a buscar al tiempo que el ska “Que no!” incitaba a despegar los pies del piso.
La variedad musical es la principal característica del grupo y esto les permitió ir desde el excelente reggae “La Felí” (“me hice vitalicio del plan holgazán” es una frase digna de Los Decadentes) hasta un popurrí cumbiero que incluyó canciones de Los Wawancó. “Plegaria para un niño dormido” de Almendra también fue versionada en plan reggae pero sin perder su esencia y la murga Pasa Naranja sumó su aporte vocal al estilo uruguayo en “Copetear un charlatín”.
Luego de un breve intervalo, los integrantes de la banda volvieron vestidos como los personajes de la vecindad del Chavo del 8 y luego de interpretar el tema principal de dicha serie se despacharon con “Cantares” de Serrat. A esa altura, La Trastienda vivía una fiesta intensa que no paraba de crecer en ningún momento y en la cual los presentes se adueñaban de la idea de que el tiempo no pasa lento. “Alabartola” y “Cultivando verdades”, con Marcelo Lollo como invitado en guitarra, le fueron imprimiendo poderío rocker a la noche hasta llegar al punk poderoso de “Se va” (cover de Embajada Boliviana).
Ya sobre el final, Diego Litmanovich, con su guitarra criolla, se hizo cargo de un bonito tango llamado “En un tiro sí” y Gustavo Nuñez junto a Román Peusner endulzaron con su sección de cuerdas a “El vagón de los ahorcados”. Por su parte, “Domingo” y “Mientras”, nuevamente con la murga Pasa Naranja, cerraron una noche consagratoria.

El paso de Chau Pekín por La Trastienda significó la confirmación de que las cosas bien hechas pueden traer buenos resultados. Con un muy buen disco bajo el brazo, el octeto reafirmó su condición de “banda para ver en vivo” y brindó un excelente espectáculo.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Critica de disco Bela Lugosi - Desde el puente (19-04-10)

Desde el puente

En su quinto disco, Bela Lugosi entrega un buen trabajo con toques personales pero sin dejar de lado las dosis peloteras.

Desde el comienzo en su Mendoza natal hasta el presente asentados en Capital, han pasado dieciséis años y cinco discos en la vida de Bela Lugosi. La banda con nombre de legendario actor comenzó su camino bajo la fuerte influencia de Las Pelotas (su primer álbum fue grabado en el estudio que el grupo de Germán Daffunchio tiene en Córdoba) pero a lo largo del tiempo han ido despegándose de a poco para buscar su propio camino. Desde el puente, su última producción, los encuentra en una etapa madura con melodías recordables y reggaes que cortan por momentos ciertos climas oscuros que aparecen a lo largo de los diez tracks.
El saxo de Javier Bravo es el protagonista de los dos primeros temas, “No le des hielo a las aguilas” y “Soy libre”, en donde se funden guitarras machacantes con rasgueos limpios a una velocidad casi punk. “Desde el puente”, además de darle nombre al disco, presenta una sensibilidad especial, con una melancolía expresada en su letra y en los arreglos de teclados y violines.
Las influencias peloteras afloran en “Todo está haciéndose” y “El pájaro rojo”, un denso ritmo oscuro con el bajo y la batería bien marcados en donde el cantante Marcelo Zoloa entona a la manera daffunchiana. El costado reggae dice presente en la esperanzadora “Más de lo mismo” y en “Mondongo reggae” con la percusión de Facundo Guevara y la voz invitada de Andrea Prodan, quien también se suma en el cover de “Police and thieves”, perteneciente a Junior Marvin pero en una versión más cercana a The Clash.
“El último en llegar” va preparando el cierre que llega de la mano del rock crudo y directo de “El hombre que solo le habla a las palomas”. En este último tema es donde la banda puede plasmar mejor su idea de realizar un álbum “despojado de sonidos producidos” (como ellos mismos lo definieron) y cumple así su objetivo.

Autoproducidos por primera vez, los Bela Lugosi encuentran en Desde el puente una madurez sonora que les sienta bien a sus canciones y que tiene sus momentos más interesantes en los climas oscuros.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura La Condena de Cain - Roxy Live Bar (15-04-10)

Herederos

La Condena de Caín presento oficialmente su segundo disco en el Roxy Live.

La perseverancia y el trabajo de hormiga parece ser lo que mejor define a La Condena de Caín. Formada definitivamente en el 2004, la banda compuesta por músicos de Puerto Madryn y de Capital Federal ha recorrido un largo camino en estos seis años, con actuaciones en todos los recintos under de Buenos Aires. El pasado jueves fue el turno de la presentación oficial de En el letargo de los pensados (2010), su segundo disco, en el Roxy Live y hacia allí nos dirigimos.
Pasadas las nueve y cuarto de la noche, el quinteto integrado por Sawa Mielnik en voz, Matías Westerkamp en guitarra, Marcelo Di Giovanni en bajo, Héctor Cantin en saxo y Daniel Jinkis en batería salió a escena con dos temas de su última producción: “Remo” y “Carne blanda”. Al escuchar los primeros acordes, la gente que todavía estaba afuera o deambulaba por el hall del Roxy se apuró a entrar y para “Tan free shop” el recinto lucía con su capacidad casi al tope.
“Freak show”, perteneciente al primer EP del grupo, continuó en la lista y el legendario Kubero Díaz fue el primer invitado de la noche. Su guitarra rockera se sumó a la potencia de “Susurro de un náufrago” y luego el quinteto se despachó con “Qué cansador es ser siempre uno mismo”, un excelente blues con aire zeppeliano. El arranque a puro saxo de “Lo inerte y lo real” emparentó a La Condena con Los Redondos, quizás la máxima influencia de la banda tanto desde el lado estético como el musical. Los riffs y las melodías de la guitarra de Matías Westerkamp son claramente de la escuela de Skay Beilinson pero la voz de Sawa Mielnik no tiene ningún parentesco con la del Indio Solari por lo que La Condena está exenta de cualquier tributo ricotero encubierto.
Sin embargo, la aparición de Sergio Dawi para encargarse del solo de saxo de “Rufián entre otros tantos” no dejó de excitar al público que por un rato sintió la magia de Patricio Rey. El funk de “Mosquito”, con su medley de temas clásicos de Deep Purple, Pink Floyd, y Zeppelin, fue de lo mejor de la noche mientras que en “Hombres de ciencia ficción” la voz invitada de Joana Gieco los acercó un poco al folk.
En el final, se sucedieron una tras otra “Peste negra”, “Sediento de amor” y “Fábula de la quimera” para que luego de un breve intermedio el show concluyera con la potencia rockera de “El oro y la pólvora”.

La Condena de Caín presentó en el Roxy Live su segundo disco con una buena combinación de bases rockeras y riffs herederos de la escuela ricotera.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Jools Holland - Teatro Gran Rex (05-04-10)

Elegancia inglesa

Jools Holland presentó en el Gran Rex su big band de rhythm and blues y cautivó al público a fuerza de grandes interpretaciones.

No hay muchas alternativas en la actualidad para ver big bands en nuestro país por lo tanto cuando se presenta la oportunidad hay que aprovechar ese instante al máximo. Y justamente eso fue lo que hicieron los espectadores que se acercaron al teatro Gran Rex el pasado jueves para presenciar el show de Jools Holland y su Rhythm and Blues Band.
Holland es conocido en el mundo por ser el conductor de un programa televisivo en el cual desfilan grandes figuras como Paul McCartney o Metallica y también artistas ignotos que intentan darse a conocer en esa vidriera musical. Paralelamente a su trabajo como animador, este inglés de cincuenta y dos años incursiona en la música junto a su orquesta y desde su piano dirige un gran combinado de rhythm and blues, soul y woogie woogie.
En su primera visita al país, el conductor que fue encargado de entrevistar a los Beatles para los compilados Anthology, demostró durante dos horas la vigencia y la calidad de temas de Muddy Waters (“Mojo Workin´) o Edith Piaf entre otros. Pero también hubo lugar para sus propias composiciones y es allí donde cada uno de los veinte músicos pudo lucirse, desde el guitarrista Mark Flanagan, pasando por el baterista Gilson Lavis hasta llegar a la morena “reina del soul” Ruby Turner quien con su voz encantó a todos los presentes.
El trombonista Rico Rodriguez fue el más ovacionado de la noche e incluso cantó algunas estrofas en el clásico ska “Enjoy yourself”. Por su parte, el público acompañó con sus palmas y se puso de pie al ritmo de los numerosos woogie woogies que por momentos convirtieron al Gran Rex en un gran salón de baile e hicieron de la noche del jueves una fiesta musical.

Acompañado de una correctísima big band, Jools Holland deleitó por primera vez al público argentino con grandes versiones de rhythm and blues, woogie woogie y soul.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Implosion - Implosion (21-03-10)

Implosión

En su debut homónimo, Implosión ofrece un buen combinado de power pop punk.

Con diez años sobre sus espaldas, la banda platense Implosión editó finalmente su primer disco bajo la producción de Ray Fajardo (ex integrante de El Otro Yo). El grupo integrado por el bajista Matt, el baterista Joan Moko y el cantante y guitarrista Marian Deimp, único sobreviviente de la formación original, recorre a través de diez temas una buena paleta estilística que se asienta principalmente en la veta pop punk pero sin descuidar el costado cancionero.
Las guitarras punzantes y el ritmo bailable de “La nueva sociedad llegó” recuerdan a las bandas inglesas de principio de milenio e invita a despertarse a pesar del dolor que trae aparejado la evolución. “Viajar” presenta una calma guitarrera que deriva en un final puramente grunge y esta línea continúa en “Demasiado lejos”. En “Te ví partir”, la banda se acerca a la balada rock y domina el acompañamiento acústico al igual que en “A las estrellas”, una típica canción para el fogón.
“Voy mal” alterna entre un swing entrecortado y estribillos más rápidos que luego le dan paso a “Recuerdos”, otra canción fogonera con sabor radial. El juego de guitarras en “Voy por más” junto a la base rítmica con cierto aire jazzero en las estrofas convierten al tema en lo más destacado del álbum. Ya en el final, “Mirándote” cuenta con la participación de un invitado llamado DC, quien aporta dos instrumentos inusuales, el théremin y el kaosilator, para generar un oscuro clima melancólico. El piano se hace presente en “Podrías morir” acompañando así la suavidad de esta hermosa balada que cierra el disco.
El buen arte de tapa junto al booklet donde figuran las letras manuscritas terminan de englobar el concepto de inocencia juvenil que la lírica destaca a través de todo el trabajo.
En tan solo media hora, Implosión plasma su disco debut con diez temas que rondan los tres minutos cada uno y alternan entre la potencia del pop punk y la suavidad de las baladas.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica Hoy Somos Duendes - Del mas aca (08-03-10)

Del más acá

Hoy somos duendes debuta con un primer álbum que mezcla rock, reggae y ritmos latinoamericanos.

Formada en el tormentoso año 2002 y proveniente del barrio de Villa Urquiza, Hoy somos duendes es una banda que ha pasado por los casi ineludibles cambios de integrantes y hasta una separación de un año y medio. Sin embargo, luego de un demo de tres temas que vio la luz un largo tiempo atrás, finalmente en 2009 logran afianzarse con la aparición de su primer disco llamado Del más acá y que fue grabado en el Estudio del Nuevo Mundo, propiedad de Litto Nebbia.
A lo largo de doce temas, el grupo muestra una interesante versatilidad para moverse por distintos géneros. La acústica y la voz de Agustín Schreiber dan comienzo a “No quiero verme en calma”, una canción rockera que da paso a los vientos de Faffner da Frenchi, Matías Marquez y José Sterren, quienes junto a la percusión de Gonzalo Arevalo hacen de “En busca” un buen ska saltarín. “Hoy queda lejos” es el mejor tema del disco, un reggae abolerado en el que se destaca la precisa batería de Patricio Otero a la cual se le pega la onda latina de “Que no daría”.
“En vida injusta” las guitarras de Francisco Schreiber toman el mando de este potente rock y contrastan con la murga estilo Piojos de “Señorín francés”, una crítica a los niños bien de nuestra sociedad. En “Cura sin enfermedad”, el propio Francisco presta su voz que mantiene la suave calma que domina la armonía del tema y que se hermana con “Miel de abejas”, cantada por el bajista Hernán Gómez.
El reggae vuelve en “¿Quién sos?”, con un buen trabajo en los coros y un estilo similar a La Vela Puerca, al tiempo que la invitada Julieta Lizzoli ayuda con su voz en el precioso “Huaynito, del más acá” y que conecta a la banda con el norte argentino. El trompetista Faffner da Frenchi es otro de los que también muestran sus dotes vocales en “Deja de llover” para cerrar así el álbum con un rock bien rioplatense.

En su ópera prima, Hoy somos duendes logra un disco más que aceptable, con buenas combinaciones de rock, reggae y ska sumado al buen desempeño instrumental de cada uno de sus integrantes.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Goro Wins - Libario (05-03-10)

Sobran las palabras

La banda de fusión instrumental Goro Wins brindó un concierto memorable en Libario Bar.

Cuenta la historia que Goro Wins se formó en el 2008 casi de casualidad cuando tres de sus actuales integrantes estaban de visita en el Estudio Santa Marta. Al ver los instrumentos a su alcance, Martín Atala (bajo), Hugo Basualdo (guitarra) y Santiago “T-Rex” Suárez (batería) decidieron improvisar un rato y al sentir que entre ellos existía una química ideal resolvieron armar un proyecto en conjunto. Con la incorporación de Lisandro Federici en teclados, en el 2009 comenzaron las presentaciones en vivo y el proceso de grabación de su primer EP denominado Fatality y que tuvo su primer fogueo en público el pasado viernes en Libario Bar.
Pasadas las doce y media de la noche, la banda a pleno dio comienzo al show con una improvisación de base funk que sirvió para ir calentando motores. Inmediatamente después dieron a conocer los temas que integran el EP y que fueron apareciendo de a poco en el set list. El primer turno fue para “Hombre lobo”, un reposo casi soul con pasajes bien rockeros, que se acopló perfectamente al oscuro riff, con ciertos aires “santanescos”, de “Ocaso en Madrid”.
“Aruba” trajo la calma necesaria para que Hugo Basualdo demuestre su exquisitez a la hora de solear y el tecladista Lisandro Federici aporte los climas correctos que luego dieron paso a la sección funk integrada por “Riffomatico” (con extractos de música disco) y “Pimienta”. Allí la base formada por Martín Atala y Santiago Suárez demostró entenderse a la perfección y dio auténticas lecciones de bajo y batería. Es interesante ver como cada integrante tiene su momento para lucirse pero ninguno de ellos recurre a la virtuosidad sino que aplica la dosis de calidad que cada tema pide.
“Push up” y “Demencia”, junto a un tema aún sin nombre, sirvieron como adelanto de las nuevas composiciones que esperan ser grabadas en el primer disco del grupo y que fueron muy bien recibidas por un público que, además de colmar el recinto, ovacionó a la banda en todo momento.

Con apenas dos años de historia, Goro Wins es uno de los grupos con más futuro dentro del under porteño. Su mezcla de rock, jazz y funk instrumental hacen de la banda uno de los hallazgos más interesantes de los últimos años.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Anabella Reggiani

Entrevista Bela Lugosi (01-03-10)

"Hicimos un disco alejado del interés comercial"

Las continuas lluvias en Capital nos impidieron encontrarnos con ellos pero, navegando a través de la red de redes, concretamos por mail esta entrevista con Bela Lugosi para hablar de "Desde el Puente" su última producción discográfica.

En sus más de quince años de existencia, Bela Lugosi ha trascendido las fronteras de su Mendoza natal para darse a conocer por varias provincias y principalmente Buenos Aires, donde están afianzados hace ya bastante tiempo. En el camino han compartido escenario con bandas como Los Piojos, La Renga, Divididos y Las Pelotas, además de haber grabado cinco discos incluyendo el reciente Desde el puente (2009) que motivó esta charla virtual con el cantante y guitarrista, Marcelo Zoloa.

¿Qué diferencias ven ustedes mismos entre este disco y el anterior?

En este disco, si bien sigue la línea de Tomándoselo con Calma (2007), se buscó llegar a lo más esencial de la banda. Si hacíamos un reggae teníamos que ser nosotros haciendo reggae y no intentar ser una banda jamaiquina. Este es un disco que transita por varios caminos y personalmente me interesaba que fuera como un álbum de fotos de distintos paisajes...el mar, la montaña, el asfalto, la resignación y la fe. Y en cuanto a lo musical, que todos estuviéramos satisfechos con el sonido de su instrumento y de lo que tocamos. Fue duro llegar a eso, buscábamos que el resultado de este disco representara los 16 años de banda y lo que somos en vivo.Según su propia definición, este disco está despojado de sonidos producidos.

¿A qué se debió? ¿Qué buscaron al encarar el trabajo de esa manera?

Siempre entendí a la música como algo espontáneo, como algo inmediato. O sea una canción si está buena, tiene poder por sí misma...podés producirla, meterle una sección de cuerdas, de vientos, y probablemente sume o quizás no. Cuando una canción es buena no necesita nada más que una buena interpretación y una guitarra criolla. Entonces pensamos que teníamos un puñado de temas que nos gustaban mucho y que queríamos grabar pero a la vez no importaba un súper estudio, ni un productor artístico, ni un súper mastering ni nada de esa mierda marketinera. Hicimos un disco alejado de todo lo que supuestamente se debería hacer para que fuera de interés comercial. Era como decirnos que confiamos en nuestra música e invitamos a un par de músicos de lujo como Facundo Guevara en percusión y Andrea Prodan que sumaron al concepto. Es un disco directo, alguien me dijo la otra vez que cuando lo terminó de escuchar tuvo la sensación de un tortazo en la cara... jajaa como en las películas...me gusto mucho eso!

¿Cuál fue el motivo de la elección de grabar "Police and thieves" de Junior Marvin?No sé si coinciden conmigo pero a mi entender lograron un sonido muy similar a The Clash aún cuando la versión de ustedes es diferente a la que solían hacer los ingleses de ese mismo tema...

Gracias. Creo que cuando uno viene influenciado por ciertas bandas es inevitable que se transparente de algún modo. No queríamos hacer una copia de los Clash pero aun así tampoco queríamos que ese ambiente original que tiene el tema se perdiera. Pienso que es una de las grandes canciones de los últimos 40 años y aunque preferimos enfrentarnos con nuestras propias aventuras (al no hacer temas de otros), esta canción nos gustó mucho tocarla y mientras mas la tocábamos le empezamos a gustar a ella. Eso pasa muchas veces con las canciones ajenas, tiene que haber una etapa de conocimiento y al final esa canción te termina amando o dejando. Asume su parte femenina creo...jaja

¿Cómo fue grabar ese cover con Andrea Prodan?

Andrea mas allá de ser el hermano de Luca es un cantante como pocos. Y en el estudio fue muy rápido todo. Hicimos un viaje de una hora para grabar su voz pensando que en dos horas terminábamos su parte, sin embargo, Andrea hizo todo de primera toma y quedó perfecto! O sea, viajamos una hora y el tipo en 10 minutos liquidó todo. Es la madera Prodan supongo. Encima Andrea nos dijo que se había emocionado al escucharnos tocarlo ya que recordó que él no lo escuchaba en vivo desde 1977 cuando vio precisamente a The Clash en Londres junto a Luca. Así que teníamos más que un buen motivo para invitarlo a cantar ese tema

Hay un costado pelotero en Bela Lugosi que es indudable ("El pájaro rojo" es un ejemplo). ¿Siguen tomando a Las Pelotas como un gran referente?

Con Germán, con el bocha Sokol y con Timmy hubo y hay una relación de amistad. Ellos vienen de la escuela de Sumo directo, nosotros indirectamente. Seguimos esos caminos. No creo que este disco tenga mucho que ver con lo pelotero. “El pájaro rojo” es un tema bastante mas emparentado a la onda Black Sabbath que a Sumo. Y la verdad que a la hora de componer no tomamos referentes. Tal vez sí pasó en el primer disco pero, bueno, si lo que escuchas de Bela Lugosi te hace acordar a otra banda y aun así te gusta, bienvenido. Si hubiéramos sacado este disco hace 50 años atrás, te estaría convenciendo que somos una banda de vanguardia jaja

Hace ya un tiempo largo que viven en Buenos Aires. ¿Se sienten afianzados en este circuito? ¿Qué encontraron de bueno y de malo acá?

Ahora cada vez más gente nos conoce y eso es bueno. Es el segundo disco que hacemos instalados acá y la gente se fue sumando de a poco. Lo bueno es haber encontrado un lugar y lo malo es darte cuenta que solo la música no alcanza cuando tenés que empezar de cero. El rock dejó de ser algo interesante desde el concepto y acá lo ves mejor porque acá está la industria que genera que tu música llegue a la gente. Están los sellos discográficos, los grandes medios gráficos, radios y la televisión aunque en realidad a todos ellos no les importa un carajo la calidad sino la cantidad. Entonces ves todo eso de un modo claro, por ahí desde afuera sos más ingenuo. Prefiero seguir haciendo música, apuntando a los que comparten este viaje con nosotros, y alejarnos lo más posible de esa manga de farsantes.

¿Cómo viene la preparación para el concierto del 12 de marzo en el Marquee? ¿Hay algo especial para esa fecha?

Esta es nuestra primera fecha grande que hacemos solos. Y por suerte todo indica que será una gran noche donde haremos todo el disco nuevo y un repaso de los anteriores con muchos invitados, amigos que hemos cosechado acá. Se me ocurre que no va a faltar nada esa noche.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/