Critica de Disco - Quijotes al ajillo (Sergio Dawi) (29-12-08)

Quijotes al ajillo

En su segundo disco, Sergio Dawi entrega un material repleto de historias ambientadas con una música que navega las aguas del funk, el rock y el reggae.

Luego de la disolución de Los Redondos, cada integrante buscó su rumbo de diferentes maneras. Si bien los casos del Indio Solari y de Skay Beilinson son los que cuentan con mayor difusión, el resto de la banda también se dedicó a expresarse ya sea a través de la pintura, como en el caso de Semilla Bucciarelli, o integrando nuevas bandas como Walter Sidotti (hoy en Heroicos Sobrevivientes) y Sergio Dawi dándole vida a su grupo, Los Estrellados.
El saxofonista, que ya había sacado su primer disco solista en el 2004, en esta oportunidad se presenta en Quijotes al Ajillo, un material mucho más maduro, con historias de perdedores y buscavidas que atraviesan diferentes situaciones, casi todas ambientadas en lugares turbios en donde el destino siempre los espera con alguna sorpresa. “La dolce far niente” con su estilo bailable juguetón intenta darle otro uso al tiempo frenético en el que se mueve el mundo y “Escorpión” es una sensual historia de amor en clave funky con un pegadizo final tarareable.
El tercer tema va subiendo en intensidad para darle paso a la voz del Indio Solari, quien canta a dúo con Dawi, acerca de la violencia actual y esa dualidad en donde hoy cualquiera puede ser “Robin Hood o Satanás”. Si hay algo que también caracteriza al álbum es la búsqueda de distintos sonidos como el scratch del dj Rodrigo Collado o el lap steel de Pablo Hadida en la alegre “Sapo de otro pozo”. En “La bagayera”, los Estrellados (Juan Benítez en guitarra, Mariano Pirato en teclados, Pablo Belmes en batería y Martín Tabuyo en bajo) se muestran compactos y le dan un marco más que interesante a la historia de una contrabandista que es simplemente una mula pero que es acusada de ser capo narco.
“Quijote”, a través de sus personajes, sintetiza la imaginería del disco en donde chicas como “Jeni Grifin” terminan escupiendo su destino. “Los sin tierra” es casi instrumental, con algunas preguntas retóricas y un saxo que marca una melodía tradicional africana sobre una base electrónica. “Su venir” es una rockera historia cosmopolita europea en la que se mezclan los idiomas y las costumbres. “Fiesta” y “Colmillo”, aparecidos en Estrellados (2004), ahora son reversionados con un poco más de fuerza en un caso y en plan reggae en el otro.
Quijotes al ajillo presenta a Sergio Dawi haciéndose cargo de su proyecto con una voz muy particular, casi teatral, y con personajes que se cocinan en su salsa, tal como lo muestra el espectacular arte que adorna el packaging (que contiene hasta un poster). Sin dudas, el ex saxofonista de Los Redondos ha sabido encontrar su lugar, al margen de la mítica banda que lo cobijó varios años y, si bien en las letras se mantiene por momentos la esencia ricotera, su búsqueda está centrada en un estilo personal y bohemio.

Sergio Dawi encuentra en Quijotes al ajillo, el punto exacto de su salsa musical y entrega uno de los mejores discos del año.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Los Gardelitos - Microestadio Argentinos (28-11-08)

El oxígeno de los inocentes

Los Gardelitos presentaron su nuevo disco en el Microestadio de Argentinos Juniors y ofrecieron un buen show ante más de dos mil personas.




Pasadas las nueve y media de la noche, Los Gardelitos subieron a escena para comenzar la presentación oficial de su muy esperado nuevo trabajo, Oxígeno, aparecido hace algunos meses. Y precisamente el tema que le da nombre al disco fue el encargado de abrir el concierto enganchada a “Cuídate del mundo” para luego seguir con el rocanrol de “Lo que mis vecinos creen”. Inmediatamente llegó el saludo de Eli Suárez (guitarra y voz), al que la gente respondió de manera efusiva y dio paso a una excelente versión de “Envuelto en llamas”.
En este tema, vale la pena hacer un paréntesis ya que cuesta creer que todavía haya gente a la que una tragedia como la de Cromañón no le haya hecho reflexionar sobre el “folklore” del rock. Es que, a poco de cumplirse cuatro años de aquella fatídica noche, sentir la explosión de una bomba de estruendo dentro de un lugar cerrado como el Microestadio de Argentinos Juniors, no puede dejar de ser preocupante. Es cierto que fue un hecho aislado pero, sin embargo, el público no puede pasar por alto este tipo de acontecimientos y debería tomar conciencia de su propia actitud y, en muchos casos, escuchar un poco mejor el mensaje que les transmiten esas bandas a las que dicen admirar.
Ahora sí, volviendo al show, todo continuó por los carriles esperados, en donde las nuevas canciones se fueron alternando con viejos clásicos. Una a una fueron pasando “Los penitentes”, “Dueños del poder” y “Volar” junto a la siempre amorosa “Máquinas viejas” y “Monoblock” dedicada a la gente del interior. En “Sueños de metal”, la voz de Eli Suárez adquirió un interesante eco para contar esa historia sobre el falso progreso del mundo y amenazas atómicas, temáticas que tanto le gustaban a su padre y fundador del grupo, Korneta Suárez.
De las nuevas composiciones, “Mezcla rara” fue la más destacada con su ritmo bailable y un riff pegadizo. A su vez, “La constelación de la virgen” sirvió para que la gente adquiera protagonismo con sus voces y también bailara rock and roll con “Novelas mexicanas”. En “Estamos podridos” Los Gardelitos sacaron a relucir su costado más crudo, que por momentos los acerca al punk, y la base conformada por Martín Ale en bajo y Horacio Ale en batería se acopló sin fisuras como en toda la noche. Ya sobre el final, la siempre festejada “Los querandíes” generó uno de los mayores pogos y “Nadie cree en mi canción” fue el grito de libertad para esas miles de bocas que cantaban extasiadas.

Sobre una escenografía austera, el trío más arrabalero del rock presentó Oxígeno con un buen show al que quizás le faltó algún invitado como para matizar un poco la velada pero que, gracias a los nuevos temas, tuvo una bocanada de aire fresco en un repertorio que ya comenzaba a tornarse repetitivo.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Beto Landoni

Indio Solari - Estadio Ciudad de La Plata (21-12-08)

Alta Fidelidad

El Indio Solari despidió el año con un doblete en el Estadio Ciudad de La Plata ante cuarenta mil fanáticos y El Bondi te acerca todo sobre la noche del domingo.

La primera fecha de las dos pactadas en La Plata ya había pasado a mejor vida cuando la mañana del domingo preocupó a todos con una insistente lluvia. Sin embargo, como si el cielo supiera que las misas paganas no deben suspenderse, con el correr del día las nubes se fueron haciendo a un lado y, ya para el atardecer, el peligro de tormenta se había disipado.
Consecuentemente, los asistentes al segundo show del Indio Solari que iban ingresando sin parar al Estadio Ciudad comenzaban a prepararse para la fiesta adornando el lugar con numerosas banderas y poniendo un poco de color con pirotecnia, que en muchos casos explotaba peligrosamente (desde bengalas hasta tres tiros, hubo de todo y esto no pareció importarle a nadie).
Pasadas las diez de la noche, las luces se apagaron y, como en toda la gira de este año, la voz en off del Indio anunció a Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, para arrancar con “Pedía siempre temas en la radio”, “Ramas desnudas” y “Porco Rex”. Con un sonido notablemente mejor que el del día sábado, la banda sonó más ajustada y con más claridad. Los guitarristas Gaspar Benegas y Baltazar Comotto se lucieron con sus solos sostenidos rítmicamente por el bajista Marcelo Torres y el baterista Hernán Aramberri. En un costado, Deborah Dixon y Luciana Palacios ayudaron con sus coros. Por su lado, Pablo Sbaraglia fue el más histriónico de todos cuando por momentos dejaba atrás su teclado, y con una acústica al hombro, se paseaba por todo el escenario en temas como “Pabellón séptimo”.
El primer agite de la noche llegó con el punteo de “Un poco de amor francés” y con una sorpresa, “Fusilados por la cruz roja”, en la que la gente acompañó con su voz el saxo de Alejo Von Der Pahlen. La dolorosa “Y mientras tanto el sol se muere” junto a “Vuelo a Sidney” fueron las dos que cerraron la primera parte al mismo tiempo que las pantallas ubicadas en el fondo y a los costados del escenario, reproducían imágenes psicodélicas con el arte de Porco Rex.
En la segunda mitad del show el Indio anunció “una de la época de los pubs” para darle paso a “El infierno está encantador” a la que le siguió la rocanrolera “Mariposa Pontiac”, muy festejada por el público. Con Martín Carrizo en la batería, “¿Por qué será que Dios no me quiere?” invitó al baile y dejó las tablas calientes para que llegue el momento más esperado de la noche. “Recíbanlo como yo recibiría a un amigo de ustedes” dijo el ex cantante de Los Redondos y así hizo su ingreso Andrés Calamaro para interpretar “Veneno paciente”, la excelente “Esa estrella era mi lujo” (en la que más sobresalió el dúo) y “El salmón”, dándole vida así a un crossover que quedará guardado para siempre en la historia del rock argentino. Si bien la gente no se mostró eufórica ante la situación, los aplausos respetuosos despidieron a un Calamaro que pudo darse un gusto muchas veces anhelado por él.
Para el final, “Ángel para tu soledad”, el enganchado “Nadie es perfecto”/”Ñam fri fru fi fali fru” y “Juguetes perdidos” hicieron de puente para terminar con “Fligh 956” y “Jijiji” coronando de esta manera una nueva fiesta ricotera.

A un año del lanzamiento de Porco Rex, el Indio Solari cerró la gira presentación del disco con dos buenos shows en el Estadio Ciudad de La Plata y contó con Andrés Calamaro como invitado de lujo.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Beto Landoni

Critica de Disco - Tres (La Triple Nelson) (09-12-08)

Tres

Tercer disco de estudio para La Triple Nelson, una banda uruguaya que hace de la potencia su principal estandarte y busca aplastarte en cada tema.

Ya desde el título, La Triple Nelson deja bien en claro de qué se trata este nuevo trabajo. El número tres recorre todo el álbum, ya sea desde la gráfica como desde lo musical, en donde la banda integrada por Christian Cary en guitarra y voz, Paco Pintos en bajo y Mape Bossio en batería se asienta plenamente en el formato power trío para derrochar potencia a través de las diecisiete composiciones.
Como todo trío que cante en castellano, la comparación con Divididos es casi inevitable aunque en este caso los uruguayos no se quedan pegados a esta influencia sino que su música se encuentra más emparentada con los sonidos valvulares de los 70´s. “Despertar lejos” abre el disco con una demoledora base y el bajo de Paco Pintos haciendo que cada nota suene gorda y pesada. “Mi razón” es un rock and roll acelerado y “Tiempo” se destaca por la inclusión del bombo legüero en una auténtica chacarera rock que es de lo mejor del álbum.
El blues también está presente con una particular densidad en “Nada más que hablar”, cuyo intermedio lento le permite a Christian Cary que puntee su viola en un plan intimista. “Extraño” es un hermoso tema de amor en donde la voz de Cary destila sentimiento como si a través de la letra exorcizara el recuerdo de alguien querido aunque luego la percusión del invitado Nicolás Arnicho permite salir de ese espeso aire y adorna el reggae de “Seguí tus huellas”.
Las guitarras acústicas hacen de “Subiendo” un auténtico country que engancha perfecto con “Tan abajo” (que aparece nuevamente al final del disco con la incorporación de violines) y “Este lugar”, dos temas tranquilos para bajar los decibeles. “La yara” es una especie de funk potente que anuncia los dos covers del disco: “Purple Haze” de Hendrix, sin grandes cambios con respecto al original, y “Mejor no hablar de ciertas cosas” de Sumo, en una versión casi punk.

La Triple Nelson aplica en Tres su característica potencia aunque los diecisiete tracks hacen que el disco se torne un tanto largo y por momentos repetitivo. Sin embargo, la inclusión de mid tempos y un reggae ayudan a descomprimir ese sonido valvular que tan bien le sienta a este power trío.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Pez - La Trastienda (05-12-08)

La musicalidad

Pez festejó sus 15 años de trayectoria ante una Trastienda repleta.

Cuando a fines de 1993 Ariel Minimal fundó Pez seguramente no habrá sospechado que quince años después, esa banda tendría un lugar ganado en el under nacional y se transformaría en un grupo casi de culto. Pensamientos y suposiciones al margen, lo cierto es que el pasado viernes La Trastienda acogió en su escenario al cuarteto también integrado por Franco Salvador en batería, Fósforo García en bajo y Pepo Limeres en piano eléctrico y órgano para festejar su cuarto de siglo.
El concierto recorrió todas las etapas de la banda, que a lo largo de diez discos no sólo ha sufrido varios cambios en su formación sino que también ha ido explorando diferentes estilos como el rock progresivo, el punk y la psicodelia. Claras muestras de este inquieto viaje musical fueron “Vientodestino en vidamar”, un extenso tema con largos pasajes experimentales, “El cuerpo es un momento”, un rock bien pesado y “Haciendo real el sueño imposible” con el saxo invitado de Pablo Puntoriero.
A su vez, Pez remite al viejo rock nacional de la década del setenta, con letras voladas y el aura del antiguo Spinetta influenciándolos. Por eso, no fue extraño que a mitad del show subiera a cantar el ex bajista de Almendra, Emilio Del Guercio, y entonara dos composiciones suyas llamadas “Camino difícil” (del disco doble Almendra 2) y “Canto desde el fondo de las ruinas” (de su etapa en Aquelarre). Obviamente, la gente lo despidió con una ovación y el músico agradeció a Pez por “mantener la llama viva del rock argentino”.
Este recital en La Trastienda también le sirvió al grupo liderado por, el ahora pelado, Ariel Minimal para presentar “El porvenir”, un tema nuevo que integrará el próximo disco de la banda y que será el sucesor de “Los Orfebres”, editado el año pasado. Alejado ya definitivamente de los Cadillacs, luego de un paso trascendental dentro de la agrupación de Vicentico y Flavio, ahora Minimal se dedica únicamente a su primer amor y sorprende gratamente con su exquisitez musical que le permite lograr cosas impensadas hoy en día. Es que sin dudas, observar como cientos de personas entran en trance con “Confuso como un héroe”, un tema instrumental (¡!) es algo que llama poderosamente la atención en estos tiempos donde lo que se premia es el hit pegajoso y el éxito comercial.

En un cierre de año en donde pareciera que nada interesante ha ocurrido, por suerte existen bandas como Pez, que logran que la desesperanza por esta situación no sea tan angustiante e invitan a creer que el rock puede ser algo más que un simple negocio en donde la música es lo último que se tiene en cuenta.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Critica de Disco - Sonríe (250 centavos) (01-12-08)

Sonrie...mañana será peor

Los cordobeses de 250 centavos llegan por primera vez al larga duración de la mano de un punk poco ortodoxo.

Formados en el 2001 en la provincia de Córdoba, 250 centavos muestra en su disco debut un punk rock que se corre de los lugares comunes en que suele caer el género. Desde el inicio, el álbum sorprende con “Sudaca”, un tema antiimperialista que gracias a la inclusión del saxo, comienza a advertir que lo de los cordobeses va más allá de la típica banda de punk ortodoxa. Este estilo propio continúa acentuándose con “Caer” en donde el teclado le imprime un sabor pop a esta canción, sin que por eso pierda fuerza ni potencia.
En “No me importa más nada” y “Hey”, 250 centavos muestra también que a pesar de la inclusión de sonidos distintos, no deja de ser una banda punk pero que también sabe cómo utilizar fragmentos del rock and roll (como en “Nunca aprenderé”) o pasearse por estilos como el reggae o el ska. “Desconfianza”, donde las guitarras a contrapunto invitan a dar imaginarios saltos cortos, “Por qué será”, que comienza como un auténtico reggae playero, y “Rosas negras” que adquiere distorsión en el estribillo sobre una base de estilo jamaiquino, son claros ejemplos de esta apertura musical.
Desde las letras, la banda cordobesa integrada por Agustín Ninci en batería, Seba Martínez en guitarras, Juanito Ninci en voz y saxo, Germán Mercado en bajo y Lucas Ninci en teclados apela a la protesta directa contra el sistema y la injusticia pero sin caer en la demagogia. Así se van alternando las críticas contra los medios de comunicación (en “No radio, No tv”), los políticos (“Falsas sonrisas”) y la policía (por las noches al pasar / inocentes te llevás / al más fuerte obedecés / y al más débil castigás cantan en “Desconfianza”).

Con una interesante muestra de punk rock mezclado con reggae y ska, 250 centavos pide pista desde Córdoba e intenta afianzarse como una propuesta distinta dentro del homogéneo estilo punk. “Sonríe…mañana será peor” es un buen puntapié inicial para lograr dicho objetivo.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Edelmiro Molinari - El Condado (30-11-08)

Fuera del tiempo

Edelmiro Molinari se presentó en El Condado para recordar viejas épocas y dejar en claro por qué es una pieza fundamental dentro del rock argentino.

Después de un fin de semana en donde la lluvia hizo estragos, el guitarrista Edelmiro Molinari llegó con su oportuno disco “Expreso de Agua Santa” (2006) hasta El Condado de la calle Niceto Vega para deleitar a todos los presentes con su rock inclaudicable. El show comenzó de manera mística con “Hace casi dos mil años”, “Cosas rústicas” y “Larga vida al sol”, todos clásicos de Color Humano, legendaria banda de principios de los setenta que Edelmiro reflotará en el 2009 con nueva formación.
En esta ocasión, el ex Almendra estuvo secundado por el histórico bajista Rinaldo Rafanelli y el gran baterista Sebastián Peyceré (ex Dulces 16), quien precisamente reemplazará al recordado Oscar Moro en el nuevo Color Humano. Y si bien el año que viene será la presentación oficial del trío, este recital en El Condado sirvió para ir calentando motores y desempolvar la vieja máquina. Sin embargo, no faltaron los temas de “Expreso de Agua Santa”, la última producción discográfica de Molinari, editada hace tres años luego de un autoexilio de más de una dos décadas en las que el guitarrista se dio el gusto de tocar por Estados Unidos con diversos músicos.
Así fueron pasando “Amantes solitarios”, “Atemporal” y “Teta de amor” mezcladas con nuevas versiones de clásicos de Almendra como “Mestizo”, “A estos hombres tristes” y “Color Humano”, todas grandes canciones de la banda también integrada por el bajista Emilio Del Guercio, quien siguió el show atentamente desde su asiento. A pesar de que la noche se desarrolló en un clima distendido y de alto vuelo musical, los espacios entre tema y tema hicieron que por momentos la impaciencia se hiciera sentir en los espectadores.
El recital contó con algunas perlitas como “Adonde está la libertad”, dedicada obviamente a Pappo, y “El vuelo 144”, de “Edelmiro y la Galletita” (1983), el primer disco solista del barbudo guitarrista, en donde toca un, por ese entonces, ignoto Skay Beilinson y que hoy es una pieza preciada para los coleccionistas ricoteros. El final fue a todo trapo con Rinaldo Rafanelli y Sebastián Peyceré luciéndose en sendos solos y el trío rockeando a full en “Mañana por la noche”.

En un show colmado de misticismo, recuerdos y calidad, Edelmiro Molinari deleitó al público durante más de una hora y dejó el terreno fértil para el regreso de una banda legendaria de nuestro rock, Color Humano.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Beto Landoni

Entrevista Malditos Gusanos (30-11-08)

"Somos una banda de otra época"

El Bondi charló con Martín, cantante de Malditos Gusanos, una auténtica banda de rock and roll que quiere abrirse paso en la dura escena local.

-Malditos Gusanos se presenta, musical y estéticamente, como una banda de rock and roll puro. Hoy en día que el rock argentino está lleno de bandas de este estilo ¿Qué tienen ustedes que los distinga de los demás?

Principalmente el sonido y lo que uno ve en el escenario ya que no parece una banda más, es una banda de otra época. Esa siempre fue la idea, que aquel que nos vea o nos escuche se transporte a otra época, a los años 60. Lo que pasa es que siempre que uno escucha una banda de rock and roll nacional dice: “se parece a Ratones, se parece a Viejas Locas”. Por eso nosotros intentamos que cuando uno escuche a Malditos Gusanos diga: “se parece a los años ’60, se parece a los Who, a Hendrix”. Somos una banda un tanto hippie, un tanto psicodélica y nos gusta vestir con ropa de colores, Oxford, botas y saltar por el escenario, es una necesidad que nos sale del alma, porque es nuestra forma de ser, nuestra forma de vida. En definitiva, Malditos Gusanos es una banda de los años 60 pero en el 2008.
-Malditos Gusanos es un grupo integrado por personas jóvenes, que no vivieron los 60 ¿Cómo fue que llegaron a influenciarse por esa época del rock?

Todos los que formamos la banda venimos de influencias de esos años, crecimos escuchando a Los Beatles, Los Stones, Zeppelin y Doors. Todo eso se plasma claramente en nuestra música: el sonido de equipos valvulares, la elaboración minuciosa de cada parte de cada canción, los punteos están cuidadosamente trabajados, las letras mezclan metáforas, poesía y la crudeza de vivir el rock and roll. Es decir, no hay nada librado al azar.Si bien el que más edad tiene es Luis y el más chico es Facu, todos crecimos siendo fanáticos de una época increíble y si pudiésemos elegir a donde ir, ese lugar sería a Woodstock `69.
-Martín, vos venís tocando desde el 99 con Los Gusanos pero la actual formación, bajo el nombre de Malditos Gusanos, es relativamente nueva ¿qué diferencias hay entre esta etapa y la anterior?

La diferencia fundamental es que después de tanto tiempo la banda se siente como una unidad. Los cinco somos uno en el escenario y a la vez cada uno tiene su rol y su forma de ser al tocar en vivo. Logramos sonar compactos y vamos todos para el mismo lado.
-En esta última etapa incorporaron el sitar como instrumento novedoso ¿cómo surgió la idea y qué cosas importantes aportó?

La idea surgió quizás como influencia directa de Brian Jones o George Harrison. Como mencioné anteriormente, el amor que tenemos por los `60 es muy grande y por eso siempre estamos buscando incorporar cosas que recuerden a esa época. La verdad que costó mucho encontrar un profesor de sitar, hasta que apareció, comencé a tomas clases y finalmente me conseguí un sitar totalmente artesanal que me mandaron de la India. En el futuro, tenemos en mente agregar más instrumentos como la Tabla Hindú e instrumentos de viento y percusión que se usaban por esos tiempos y que hoy parecen olvidados.
-Ustedes tuvieron la posibilidad de grabar con Gaba y Adrián de Blues Motel, Fernando Pita de los Heroicos Sobrevivientes y Sarco de Ratones, todos ellos importantes referentes del rock nacional ¿cómo nació esa relación?

La relación viene de hace muchos años, de noches de salir, de ir a verlos ya que eran las tres bandas que más nos movían. Ir a ver a Bluesmo era como ver a los Black Crowes, en cuanto a música y estética y era un flash. Con los Heroicos y los Ratones nos unía el sentimiento por los Stones mas que nada. Todas son bandas que conocemos desde los primeros shows, de verlos tocar en bares de la costa y después de tantos años todo eso se transformó en amistad.
-¿Cómo viene la preparación del disco nuevo y qué diferencias va a tener con el otro disco que salió bajo el nombre de Los Gusanos en el 2004?

El disco se empieza a grabar en Marzo y lo vamos a estar presentando en Junio del año que viene. Va a contar con un gran referente del rock and roll como productor artístico y grandes invitados del rock nacional pero todavía no queremos adelantar nada. Va a ser totalmente psicodélico desde la música hasta el arte de tapa, va a tener boggie, funk, rock n roll bien crudo, baladas al estilo “stone”, todo mezclándolo con el sitar hindú y otros sonidos extraños. Van a ser dos meses de grabación increíbles y a la vez terribles. Lo que sí podemos decir es que va a ser muy diferente a “Los gusanos” ya que la banda creció mucho musicalmente y es casi seguro que va a ser grabado semi en vivo, al igual que se grababan los discos de los años 60. Lamentablemente, el disco “Los gusanos” fue grabado de forma muy interrumpida, suena bien pero no sobresale de la forma en que se busca en esta etapa.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Sponsors - La Trastienda (22-11-08)

Subido a un nuevo caballo

Sponsors presentó oficialmente 110% en La Trastienda ante un entusiasta público que no paró de gritar por su líder, Joaquín Levinton.

En la noche del sábado, La Trastienda se puso más coqueta que de costumbre para recibir a Sponsors, la nueva banda de Joaquín Levinton, y la audiencia que llegó hasta el reducto de San Telmo eligió su mejor vestimenta para escuchar las composiciones del flaco cantante.
Con una inusual puntualidad, el show comenzó con los mismos temas que abren el disco debut del grupo: “De vuelta” y “No me voy a peinar” y realmente sorprendió a todos el buen sonido y la justeza de la banda. Con “Sexo, droga y reggaeton”, el ex cantante de Turf dio rienda suelta a su histrionismo y su palabra filosa que desafía a cualquiera al punto de cantar frases como “el rock de hoy es una puta barata”. Sin embargo, luego de despotricar de esa manera contra la actualidad del género más popular del mundo, Levinton se despachó paradójicamente con “Que sea rock” de Riff y demostró que es un artista difícil de encasillar, que hace y deshace a su gusto sin importarle lo que digan los demás.
Hacia la mitad del recital, llegaron los temas más cancioneros, de la mano de “Caballos de mar”, dedicada al decadente Jorge Serrano (quien presta su voz en el disco), y “Nada” que se enganchó con un viejo tema de Turf, “Cuatro personalidades”, del disco Turfshow (2001). Claro que tampoco faltaron los hits como “Pasos al costado” o la bella y pegadiza “Magia blanca”.
El público sorprendió al cantar absolutamente todas las canciones y darle de esta manera una excelente bienvenida a este nuevo proyecto de Levinton, quien se mostró agradecido y no paró de hacer chistes entre tema y tema. “Solo y acompañado” mostró en un dulce mid tempo que Joaquín puede ser un muy buen compositor y que su actitud no se circunscribe únicamente a esa pose de playboy que ensaya continuamente. Las dos canciones elegidas para terminar el recital, “No se llama amor” y “Vacaciones 24hs”, sirvieron a su vez para confirmar que la banda suena increíblemente bien. Así, Guty en guitarra, Pica en bajo, Mr. Ganja en batería y Agustín en teclados se llevaron sus merecidos aplausos.

En su nueva etapa, Joaquín Levinton comenzó a darle ruedo a su banda y eligió La Trastienda para iniciar este camino. Con un show corto pero efectivo, el ex cantante de Turf aprobó el primer examen, ahora resta saber qué deparará el destino para Sponsors.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Vox Dei - Teatro Coliseo (15-11-08)

Razones para seguir

Vox Dei festejó su aniversario número 41 en el Teatro Coliseo y sacó a relucir su legendario rock.

En uno de sus clásicos festejos anuales, Vox Dei volvió al Teatro Coliseo para auto agasajarse por sus más de cuarenta años en la música y en dos horas recorrió parte de su repertorio clásico y también temas de su última producción independiente, “En el camino” (2005). Si bien al tratarse de una banda histórica uno puede pensar que el público sólo está compuesto por adultos nostálgicos, en este caso la realidad es otra ya que entre la audiencia, el sábado se encontraban numerosos jóvenes que ni siquiera habían nacido cuando el grupo pisó por primera vez un escenario en 1967.
El recital arrancó con “Tengo razones para seguir” y “Azúcar amarga” pero los problemas de sonido hacían estragos y tanto la banda como la gente se mostraban fastidiosas ante estas inclemencias. Para colmo, entre tema y tema se producían largos silencios en los que se colaba una radio zonal a través de los parlantes de la sala, aumentando así el malestar general. Sin embargo, a partir del quinto tema las cosas comenzaron a mejorar lentamente y la banda sacó a relucir todo su profesionalismo y sobre todo, su rock and roll clásico.
Así fueron pasando “Esta noche”, en donde el cantante y bajista Willy Quiroga mostró toda su técnica con un walking bien blusero, “Torcazas” y “No quiero dormir”. En “Tito” y “Carrera loca” el baterista Rubén Basoalto se hizo cargo del micrófono con su voz aguardentosa mientras que Carlos Gardellini comenzaba a sacarle chispas a su guitarra. La primera parte concluyó con viejos clásicos de “La Biblia”, uno de los discos fundamentales del rock argentino y clásico indiscutible del grupo, como “Libros sapienciales”, “Las guerras”, “Apocalipsis” y una increíble versión de “Génesis” que incluyó una extensísima zapada con aires setentistas.
Luego del intervalo, el recital continuó con “Jeremías, pies de plomo” y “Dr. Jeckill” en donde Vox Dei mostró su costado más pesado, ese que influenció a muchas bandas actuales, conocidas como La Renga o under como Pegaso. Pero “Sin separarnos más” también sirvió para conocer el lado sensible y poético de la banda antes de que suba el líder de Granja X, Simón Quiroga (hijo de Willy), para sentarse en la batería de “Extraña visita”. Y como no podía ser de otra manera, el final llegó con “Presente”, en donde la gente se unió en un gran coro.

A pesar del paso del tiempo y de las modas, grupos como Vox Dei no caducan y demuestran que aún en el año 2008 se puede mantener una propuesta con base en los setentas pero que busca continuamente actualizarse y no quedarse añorando el glorioso pasado.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Critica de Disco - Sin mirar atrás (Vs. Clown) (14-11-08)

Sin mirar atrás

Tercer disco para los muchachos punk de Vs. Clown.

Nacido en 1999 en la ciudad de Campana, Vs. Clown ha estado tocando a lo largo de casi una década en diversos puntos del país y se ha encolumnado tras las filas del punk melódico que tiene como embanderados a bandas del estilo de Shaila por ejemplo. Sin embargo, en "Sin mirar atrás" el cuarteto que asume como principales influencias a NOFX, Pearl Jam, Bad Religion y Green Day, por momentos va más allá y logra adentrarse en el reggae y hasta se arrima al pop.
El disco abre con “Cuando él ya no está” en donde el bajo de Melisa Dopazo marca la melodía del tema por detrás de su voz en una clara historia de amor. En el segundo y tercer track ya aparece el clásico punk de la banda, esta vez en manos del cantante y guitarrista Betino Bonola, y en poco más de cinco minutos resume el costado más salvaje del grupo. “Ajeno al mal” da pie a la apertura de estilos con un buen comienzo reggae que se mantiene durante casi toda la canción para luego acelerarse hasta el final.
En “Astros” retorna nuevamente la voz de Melisa con otro canto de amor antes de que aparezca la guitarra acústica en “Un lugar así”, lo más parecido a una balada rocker que contiene el álbum. Los arpegios de “A vos” dan comienzo al tema más pop-radial de Vs. Clown para luego pegársele el cover ramonero de “One love” de Bob Marley seguida de “Dolor”, bien metalera y pesada.
Finalmente, “Te arrepentirás” cierra el circuito punk y el “Vals del pescador” funciona como un bonus track, ya que se diferencia totalmente de sus antecesores y, tal como su nombre lo indica, es un vals porturario con sabor nostálgico gracias al acordeón de Beto Bonola y marca nuevamente el horizonte que Vs. Clown trata de expandir en este nuevo disco.

Luego de Cerca de Holybutt (2000) y Cada día más (2002), Vs. Clown muestra en Sin mirar atrás una cierta apertura hacia un punk más tranquilo y melódico con ciertas influencias pop.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Entrevista Maldita Suerte (11-10-08)

El Maldito Librock

En un nuevo cruce entre tecnología y rock, entrevistamos por mail a Juanjo, cantante y guitarrista de Maldita Suerte, para que nos cuente detalles de “Sangre, Sudor y Lágrimas”, el nuevo disco de la banda.

En su cuarta producción de estudio, Maldita Suerte decidió jugar todas sus fichas a este proyecto ya desde la presentación y decidió acompañar el CD con un estupendo libro de lujo, casi bíblico, en el que las letras de los temas se encuentran dentro de historias de oprimidos y luchadores. El Bondi quiso saber cuál fue la motivación de la banda de Mataderos para adentrarse en esta aventura y esto es lo que nos respondió el cantante Juanjo:
¿Cómo definirían ustedes a “Sangre, Sudor y Lágrimas” y en qué se diferencia este trabajo de los anteriores?
Es un disco donde intentamos cosas nuevas tratando de nunca perder la fuerza que tanto caracteriza a la banda y creo que eso se logró a pesar de que grabamos pianos, teclados, guitarras criollas, coros. La incorporación de estos instrumentos es una de las cosas que más diferencian este disco de los anteriores pero esto no logró ablandar el sonido.
Este es el cuarto trabajo discográfico ¿ya lograron encontrar el sonido que buscaban a la hora de entrar a estudios?
Es el primer disco en que pudimos plasmar realmente el sonido de la banda en el estudio. Se logró un muy buen trabajo de pre-producción y eso nos facilitó mucho las cosas porque pudimos entrar con los temas bastante masticados y buscar sólo el sonido que queríamos. A su vez, el aporte de Germán Weidemer (productor del álbum y ex tecladista de Memphis) nos aportó mucho, nos ordenó los tiempos y se supo acomodar muy bien a nuestros gustos en cuanto a los teclados y coros ya que para nosotros era algo nuevo. Realmente trabaja de forma muy profesional y aparte de eso logró meterse muy bien en nuestro grupo humano lo que generó que todo sea más fluido.
¿Cómo y cuándo surgió la idea de hacer un libro en lugar de un booklet común para acompañar al nuevo material?
Nosotros siempre tratamos de hacer cosas diferentes desde el packaging, creemos que es algo copado que puede enriquecerlo. La idea general surgió de tres o cuatro cabezas: el libro lo propuso Gusty (guitarrista), la propuesta de que las letras de las canciones estén intercaladas con las historias la tiró el Colo (coordinador general) y entre Eduardo Vacelar (autor de las historias y colaborador de la banda) y yo nos pusimos de acuerdo para darle la forma final a las Historias/Canciones. Este último punto fue una de las cosas más difíciles pero confiamos en Edu ya que él escribe, tiene dos libros (“Desangelados” y “La rebelión Daltónica”), y al momento de decidir qué era lo que queríamos hacer no dudamos un segundo en darle esa responsabilidad a él.

Los textos de “Sangre, Sudor y Lágrimas” se caracterizan por las historias contadas por personas que sufren, que viven oprimidas por el sistema pero que en el fondo tienen una luz de esperanza, de que todo puede estar mejor. ¿Estas historias representan también lo que vive Maldita Suerte cotidianamente?

Las historias representan a aquellas personas que están viviendo con nosotros desde este lado del mundo, los que ríen y sufren a nuestro lado. Somos una banda independiente que logró grabar su cuarto disco de la manera en que lo hicimos y nada nos es gratis, todo cuesta muchísimo, y no sólo es dinero, sino también tiempo, cada uno de nosotros deja muchas cosas de lado para lograr llevar adelante a la banda. Si no tomamos como ideal que al final de cada difícil camino va a estar finalmente la luz de esperanza no podríamos tener lo que tenemos.
Ustedes que siendo independientes se animaron a esta realización, ¿cómo ven el estado del rock actual en donde cuesta encontrar acciones de este tipo? ¿Creen que las compañías discográficas sólo pueden brindar más difusión pero no proponen cosas nuevas?
Creo que en realidad tener una banda independiente por momentos significa perder. No es descabellada la idea de hacer algo dentro de los modelos establecidos, tal vez lo descabellado es sacar un libro estampado de tapa dura con un disco adentro jajaja… Las discográficas hoy por hoy te ofrecen solo difusión y no mucho más, no se comprometen demasiado pero nosotros no les cerramos las puertas aunque sabemos que sería difícil que una compañía agarre una banda con nuestras ideas.
¿Cómo se preparan para la presentación oficial del disco en The End? ¿Tienen preparado algo en especial para la ocasión?
La fecha es el sábado 15 de Noviembre y nos preparamos de forma especial como en toda presentación de disco nuevo. No es un show más porque tiene un valor agregado y bueno vamos a tratar de contar con los invitados que grabaron en el disco (Germán Wiedemer y el Tano Marciello) y además vamos a presentar el video de “Duelo sin Fingir”.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Entrevista Matasiete (01-11-08)

"Creemos en el arte como una expresión creativa"

Una vez más El Bondi se sumerge en las turbulentas y caóticas aguas del under y te presenta una nueva banda. Hoy es el turno de Matasiete, un grupo de Mataderos formado en el 2006 y que tiene su primer disco en la calle.

“Matasiete es un grupo de amigos que cree en el arte como expresión creativa, sólo es lo que sabemos y lo que queremos hacer”. Así de convencido presenta Pablo Granato (guitarra) a este combo nacido en Mataderos (Gonchi Palencia en batería, Mariano Bongiorno en bajo, Gabriel Vallejos en voz) y que se encuentra en plena promoción de “Siempre estás en un lugar mejor”, su primer disco. El Bondi quiso indagar más sobre la vida de este quinteto y esto es lo que nos contaron vía mail.
-Matasiete es una banda relativamente nueva ¿cómo sienten haber llegado a grabar un álbum tan pronto?

No hay banda si no hay canciones y la canción grabada es la consumación de la obra. Cuando vivís en un país de la periferia, desde chico te acostumbrás a soñar despierto y a no esperar la valija del millón de dólares. En este sentido, los artistas independientes manejan, como pueden, sus destinos. Es por eso que en nuestro caso como el de tantos otros, grabar nuestras canciones es sólo una decisión artística. Sólo nos regulan nuestras propias inquietudes y no necesitamos de la conformidad de terceros.
-Por lo general el trabajo en estudio suele ser traumático y estresante ¿cómo se sintieron ustedes al encarar esta experiencia por primera vez?

El trabajo fue arduo porque pasamos por cuatro estudios distintos y en diferentes etapas en las que fuimos haciendo y deshaciendo el trabajo previo. De todas formas esperamos que la próxima vez podamos laburar con más orden y liquidar el trámite de una manera más prolija. Es difícil que la experiencia en estudio no sea traumática cuando no se tiene los medios pero después que lo haces mil veces te adaptás.
-A nivel general ¿Cómo definirían ustedes su estilo?

Es una respuesta muy difícil para una banda que no es de género. Somos un grupo de rock que tiene un disco con doce canciones rockeras y que pone el acento en las melodías vocales y las letras. Quizás podamos evaluar el estilo cuando tengamos uno o dos discos más para comparar entre sí. Por ahora, sólo hay doce canciones en donde se mezclan nuestras influencias como Muse, Radiohead, The Beatles y Pink Floyd aunque no somos totalmente concientes de si algo de todos estos artistas aparece en nuestra obra.
-Al ser una banda que quiere darse a conocer ¿cuál es el método que usan para difundir lo que hacen?

Este es un trabajo que se va aprendiendo de a poco porque no tiene relación con el objeto que nos convoca. En 2008 dimos un cambio de marcha importante y pasamos del relax de una fecha por mes en Capital Federal a tocar hasta tres veces por semana y por todo el conurbano. Sin dudas, para una banda emergente llegar a diciembre habiendo tocado más de treinta veces en el año y compartido escenario con más de sesenta bandas es una buena manera de mostrar lo que hacés. De todas formas, todo es poco en este sentido. El disco y los videoclips empujan bastante y son la excusa, por el momento, para que tu jefa de prensa torture a productores y redactores que lentamente van tomando conocimiento de tu existencia. También las comunidades en Internet como myspace o facebook son una herramienta importante para la difusión de artistas independientes.
-Ya con un álbum editado ¿cuál es el camino a seguir de acá en más?

El objetivo sigue siendo hacer más y mejores canciones. Queremos seguir tocando mucho y difundir por todos los medios posibles “Siempre estás en un lugar mejor”. Estamos empezando a programar el verano en la costa atlántica, una gira a Bolivia en la que podamos documentar la experiencia para traerla para acá y empezar a bocetar el próximo disco. Por lo pronto, el 19 de diciembre vamos a cerrar el año en el Marquee (Scalabrini Ortiz 666) y esperamos que puedan venir a escuchar nuestra propuesta.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de Disco - Sillazo por el lomo (Motorblues) (27-10-08)

Sillazo por el lomo

Debut de Motorblues, buen rock con acento cordobés.

Formado en el 2001, Motorblues tuvo un debut más que auspicioso como soporte de Pappo´s Blues en un boliche de su Villa María natal. Desde ese momento, han venido compartiendo escenarios con grandes músicos consagrados como Miguel Botafogo, Alejandro Medina y Luis Robinson, además de haber organizado el Festival Blues Total!, obteniendo un gran suceso en Córdoba.
El disco debut de la banda, Sillazo por el lomo, es un buen exponente de blues y rock nacional y está interpretado por César Bravín en bajo y voz, Gastón Nigro en guitarra y Darío Vasconi en batería. La grabación se realizó en el estudio cordobés La Nube Records y contó con la supervisión del ex Riff, Vitico Bereciartúa, además de la mezcla y masterización de Gonzalo Villagra (integrante de Los Natas).
“Es su ley” abre el álbum con una letra que homenajea a Norberto “Pappo” Napolitano utilizando algunas citas de sus canciones y le siguen “Iba a suceder” y “El fondo de mi copa” en donde de a poco la guitarra comienza a tomar el protagonismo que la caracterizará durante el resto de los once temas. “Blues prestado” tiene una onda pesada al mejor estilo Steve Ray Vaughan y cuenta una historia bastante divertida aunque “Sólo a veces” insiste con el costado más hard de la banda cordobesa.
“Tu mejor hombre (sillazo por el lomo)” además de aportar el título al disco, es el primer blues que aparece y se destaca por su música lenta y oscura en donde la viola parece incendiarse con ayuda del efecto del wah-wah. La trompeta y los teclados de Mario Rodríguez aportan un nuevo sonido al grupo en “Murmullo de pieles” y en “Motorblues”, una declaración de principios con la base clásica del blues rockeado. El guitarrista Gastón Nigro se hace cargo de la voz en el acústico “Blues para mi vieja”, que al estar tocado en vivo, logra transmitir un sentimiento que invita al oyente a un viaje mental hacia las costas del río Mississippi.
Para el final quedan “No me hartes” y “Como una luz”, dos temas en donde el trío se conecta más que nunca y la batería de Darío Vasconi sirve para sacudirle la modorra a cualquier vecino en el horario de siesta capitalina o cordobesa.

Desde Villa María, Motorblues presenta en su álbum debut buenas dosis de blues y rock que hacen preveer un futuro interesante para este trío cordobés.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Entrevista Profesor Bukowski (21-10-08)

“Mutamos sobre la base”

El Bondi aprovechó su banda ancha y se conectó con los chicos de Profesor Bukowski para que nos presenten a esta banda que cuenta con un flamante disco debut.

Antes de morir en Los Angeles (Estados Unidos), el escritor Charles Bukowski seguramente nunca se hubiera imaginado que años después, en un lejano país del sur, se fundaría una banda de rock que le haría honor a su nombre y trayectoria. Lo cierto es que en el partido de San Martín, Provincia de Buenos Aires, en 1999 sentó sus bases la primera formación de Profesor Bukowski y casi una década después llegó el debut discográfico (Un alma que vende infiernos, 2007) con temas que se pasean por el rock, el reggae y el ska. De esto y mucho más, hablamos con sus integrantes vía mail y esto nos dijeron:

-Luego de tantos años en la ruta y tres demos en su haber, ¿cómo sienten el hecho de haber llegado finalmente a la grabación del primer disco?

Es un orgullo enorme para nosotros haber podido concretar la grabación de un primer disco oficial ya que era como una asignatura pendiente que no queríamos dejar de hacer. Es el fruto de muchos años de haber regado el árbol y lo queremos compartir con toda la gente.

-“Un alma que vende infiernos” es el título del álbum. ¿La banda podría ser el alma que exorciza sus propios infiernos a través de las canciones? ¿Dejándose llevar por el instinto surge la necesidad de no encasillarse en ningún género?

Sí, pero más que la banda, el fin está en que la gente sepa descubrir ese pequeño infierno que habita en cada canción y que le encuentre el significado que más lo identifique. La música que hacemos es la música que sentimos, y creo que desde ese sentimiento se llega a un "no género" que a su vez es el género de todo eso. Muchas veces nos jugó en contra, porque la gente está acostumbrada a los encasillamientos, pero una vez que le encuentran la onda es difícil que la dejen. De eso también estamos orgullosos.
-Me imagino que antes de llegar a las once canciones que integran el disco debut hubo varios temas que quedaron en el camino. ¿Fue difícil la elección final?

Sinceramente fue una selección complicada ya que tenemos más de 100 canciones terminadas y que alguna vez tocamos. Para nosotros los temas son como hijos, y tener que elegir unos sí y otros no, no es una tarea sencilla. Pero de alguna manera las cosas fluyen y antes de que nos diéramos cuenta, el disco estaba ahí, armado, con un alma propia preparada para vender los infiernos que queríamos transmitir. Y a pesar de todo, la idea es no quedarse y ya estamos mirando de reojo la grabación de un próximo álbum para el 2009.

Como toda banda independiente, Profesor Bukoswki sufre las consecuencias del efecto Cromañón que se ve reflejada en la falta de lugares para tocar y en la casi monopolización de la escena en manos de sponsors o productoras de espectáculos. Sin embargo, la lucha es diaria y el grupo de San Martín intenta mantenerse en pie a su manera, incluso aún habiendo sufrido varios cambios de formación.
-Ustedes que vienen del Gran Buenos Aires, ¿cómo hacen para tratar de hacerse un lugar en el circuito de Capital ante la falta de espacios para el rock?

Lamentablemente, como bien decís, a las bandas cada vez se les complica más encontrar lugares en donde demostrar su arte, pero la onda es no bajar los brazos y, como estamos haciendo, buscar circuitos alternativos como plazas, clubes y lugares no convencionales con la ayuda de amigos que se ocupan cada uno de una tarea específica.

-Profesor Bukowski ha tocado en el Festival en contra de las papeleras y en los corsos de San Telmo por ejemplo… pareciera que les gusta estar más en contacto con la gente, con la calle antes que en escenarios masivos. Teniendo en cuenta que desde hace un tiempo están de moda los grandes festivales auspiciados por marcas de gaseosa o cerveza. ¿Cuál es su postura al respecto? ¿Les interesa entrar en esa movida o prefieren mantenerse al margen?

Sinceramente preferimos estar al margen ya que no nos gusta tener que transar con cierta gente y poner plata para estar en ciertos festivales, porque no siempre tocan los mejores sino los que tienen mayor poder adquisitivo o más contactos. Creemos que nuestra gente se identifica con nosotros por ciertas conductas que lleva la banda arriba y abajo del escenario.

-En casi diez años de trayectoria, sufrieron varios cambios de formación. ¿Cómo hicieron para afrontar esa situación y seguir adelante? ¿Nunca pensaron en abandonar el proyecto?

Siempre fuimos conscientes de que mientras esté la base, la banda puede fusionarse con cualquier clase de músicos que siempre va a seguir siendo Profesor Bukowski. Ese es nuestro secreto: mutamos sobre la base.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de Disco - 110% (Sponsors) (19-10-08)

110 %

Luego de la separación de Turf, Joaquín Levinton vuelve al ruedo con Sponsors.

En épocas en donde las grandes empresas aportan el dinero necesario para la realización de conciertos de rock, que una banda se llame Sponsors no debería sorprender a nadie. Pero si tenemos en cuenta que vivimos en Argentina y la hipocresía reina aún en lugares como el rock, que Joaquín Levinton se haga cargo de esa realidad es por lo menos una actitud provocativa.
Acostumbrado a romper ciertos moldes, incluso al separar a Turf cuando el grupo aún disfrutaba del éxito conseguido desde fines de los 90´s, Levinton editó en “110%” once canciones que continúan con las melodías gancheras y las letras cómicas que tan bien le salen. Los primeros quince segundos del disco son llenados con una pequeño riff de guitarra que luego pasa a segundo plano para darle vía libre a la voz y una frase que puede leerse como una declaración de principios: “yo quiero volver a nacer para hacer todo de vuelta” (“De vuelta”). En “No me voy a peinar” la onda disco toma más vuelo gracias a la sección de vientos de Ervin Stutz, Alejo Von der Pahlen (músicos del Indio Solari) y Juan Scalona, matizada por los cellos de Agustín Della Croce.
“Caballos de mar” suena a un lento de los Decadentes gracias a la voz invitada de Jorge Serrano y su tristeza poética (“todo lo que necesito es alguien que pueda llenar, los huecos de mi corazón, los huecos en mí”). El ex guitarrista de Vox Dei, Ricardo Soulé, se hace presente con su voz en “El adivino”, uno de los temas más interesantes del álbum gracias a su mezcla de tango y rock. “Dame lumbre” es un funk con un sonido de cuerdas que le dan un tinte oscuro y “Presente” se sostiene en el feeling que le da el bajo de Rodrigo Bosco.
Unas palabras de Pity Alvarez dan inicio a “Arrepentida”, la más rockera del disco y cierra de esa manera la primera etapa para darle paso a una seguidilla final caracterizada por el humor y la provocación. La triada “Derroche”, “Vacaciones 24hs” y “Sexo, droga y reggaeton” resume en seis minutos el costado bailable y de excesos que guarda Joaquín Levinton, quién también aprovecha la ocasión para despacharse contra viejos y nuevos enemigos con frases de la talla de “el rock de hoy para mí es una puta barata” o “los amigos pollerudos me parecen pelotudos pero nadie más tarado que el drogón rehabilitado” (ambas de “Sexo, drogas y reggaeton”). Sin embargo, el final llega con “Solo y acompañado”, un dulce mid tempo, con un puente que tiene remiscencias a “El día que apagaron la luz” del Sui Generis modelo 2000, y que sirve para descomprimir la onda bolichera.

Joaquín Levinton debuta en 110% con nueva banda y se toma pequeñas revanchas musicales contra propios y ajenos, tanto desde la gráfica del disco (caracterizada por la repetición del signo pesos) como desde las letras.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Skay Beilinson - Teatro Roxy (17-10-08)

Un poco de felicidad

Skay Beilinson hizo doblete en el Teatro Roxy de Colegiales y El Bondi estuvo ahí nuevamente para contarte todo sobre la fiesta ricotera.

Luego de la primera función del día viernes, el sábado el Teatro Roxy lucía un marco aún más completo para la presentación de Skay Beilinson. Cerca de las nueve y media y con una moderna introducción que se disparó desde los teclados de Javier Lecumberry, la banda salió a escena con “Paria” y “El gourmet del infierno” (un viejo tema de la primera etapa de Los Redondos al cual Skay le cambió la letra y grabó en su segundo disco solista, Talismán, editado en 2004).
Con el correr de los minutos, tanto el artista como el público fueron tomando mayor calor e intensidad y lograron un ida y vuelta que fue creciendo con cada tema. Interactuando con la gente aún más que el día anterior, Beilinson intercaló pegadizos riffs de guitarras (liderados por “Oda a la sin nombre”) con bases bluseras (“Canción de cuna”) y momentos hipnóticos como en “El fantasma del 5to piso”. Si uno tuviera que trazar un paralelismo histórico al ver estas situaciones casi místicas, sin dudas lo del Flaco en vivo se emparenta bastante con aquel Hendrix del Festival de Monterrey `67 que, en estado de trance, incendió su instrumento en escena.
Si los recitales de Los Redondos eran misas, los conciertos de Skay son pequeñas comuniones en donde la gente consume una y otra vez la hostia sagrada del rock. Y como apoyo, Los Seguidores de la Diosa Kali, es decir los músicos que acompañan al guitarrista en esta cruzada, aportan todo su talento para que el barco llegue a buen puerto. Por un lado, están el Topo Espíndola en batería y Claudio Quartero en bajo, los encargados de que la base no sufra fisuras y la potencia sea la bandera de este grupo. Y por el otro lado, el ya mencionado Javier Lecumberry en teclados y Oscar Reyna en guitarra (ambos también integrantes de La Doblaba) son quienes adornan los temas con colchones sonoros o solos de slide –fue notable el trabajo de Reyna en “Los caminos del viento”-.
Por todos estos motivos, el público ya no sólo canta por los viejos temas ricoteros sino que apoya el emprendimiento solitario del ex coequiper del Indio Solari. Aunque obviamente no faltaron los clásicos redondos que llegaron de la mano de “Todo un palo” y “El pibe de los Astilleros” (el viernes fue el turno de “Rock para los dientes” y “Nuestro amo juega al esclavo”), todos adaptados al plan Beilinson 2008. Sin embargo, estas canciones fueron como pequeños recreos nostálgicos y la actualidad irrumpió una y otra vez como queriendo demostrar que este hombre no vive de recuerdos. Por eso, “Astrolabio” y “El viaje de las partículas” sirvieron para terminar de engrandecer aún más al protagonista de esta historia.
Ya sobre el final del show y cuando muchos esperaban la aparición de otro ex redondito de ricota, el saxofonista Sergio Dawi, quién había estado como público el día anterior, los acordes de “Jijiji” pegados a “El Golem de Paternal” derrumbaron esa ilusión. Pero como recompensa, el Flaco regaló un último tema que había sido tocado en vivo por primera vez el viernes: “Bye bye” en una versión más rápida que la grabada en estudio y con una base con reminiscencias a “Kashmir” de Led Zeppelin.

Lejos de los grandes estadios y las multitudes, que parecen ser propiedad indiscutida del Indio Solari, Skay Beilinson disfruta de la cercanía con el público y desde sus seis cuerdas transmite el sentimiento propio de los viejos rockers.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Beto Landoni

The Cult - Pepsi Music 2008 (04-10-08)

El Culto al Rock

La sexta jornada del Pepsi Music se destacó por la gran presentación de The Cult y la nueva propuesta de Las Pelotas.

Con un clima ideal y el sol calentando a pleno el Club Ciudad de Buenos Aires, el sexto día del festival más largo del año arrancó temprano en el tercer escenario denominado Sónica con las presentaciones de Caminante, Cabezamil y Ravioles, tres bandas casi desconocidas pero que aprovecharon la ocasión para mostrar lo suyo ante los madrugadores de siempre.
Por su lado, los muchachos de Zumbadores fueron los encargados de abrir el tablado principal y continuaron presentando su último disco, El Colibrí (2008). Curiosamente, unas horas después se trasladarían hasta la carpa Sónica para brindar un segundo show y cerrar las presentaciones del día en ese espacio ubicado en la isla que hay en el lago del Club Ciudad. Y cuando la tarde se iba despidiendo de a poco, Bulldog y Pampa Yakuza, con estilos diferentes, dejaron entrever por qué están llenando todos los lugares under en donde se presentan. Unos a base de punk y rock y los otros sostenidos por el ska y el reggae siguen pidiendo pista en las ligas mayores aunque la tarea todavía es trabajosa.
El escenario Claro, segundo en importancia por infraestructura, fue testigo también de la presentación de Hijos del Oeste, grupo con el cual Toti Iglesias pretende reemplazar a Jóvenes Pordioseros aunque la propuesta siga siendo la misma (incluso el logo de la banda que se mostraba por las pantallas de a ratos se convertía en el mismo que su anterior grupo). Tanto es así que los temas nuevos como “100% pordiosero” (próximo a incluirse en Estalla, el disco nuevo) casi no se distinguieron de canciones como “Cuando me muera” o “No la quiero dejar”, de su etapa pordiosera. Para el final, quedó el infaltable “Satisfaction” stone y la trepada de Toti por la estructura de la iluminación en una actitud made in Juanse.
Y justamente, los Ratones Paranoicos fueron los continuadores de la fiesta rollinga que pretendió generar Hijos del Oeste y a las seis de la tarde comenzaron a rocanrolear con “El vampiro” y “Sucio gas”. Si bien el sonido no fue el mejor, tantos años de experiencia hicieron que Juanse, Sarco, Roy y Pablo Memi (con bajo beatle incluido) sortearan las adversidades con gran cintura y regalaran buenas improvisaciones como en “Boogie”.
A pesar de que esta sexta jornada no gozó de una convocatoria masiva, bandas como Tierra de Fuego, Ovejas, Kyosko, Hereford y el ex Árbol, Edu Schmidt, lograron atraer una interesante cantidad de curiosos a la carpa Sónica. A su vez, el público se encontró con dos escenarios que no estaban anunciados: el Vans y el Roxy. En el primero, ubicado al lado de una pista de skate, actuaron grupos emparentados con ese estilo (Massacre no hubiera desentonado en ese sector) y en el segundo, la consigna era tributar a clásicos del hard rock como los Guns N’ Roses.
Pasados los turnos de Pier y de los hardcores alemanes de Beatsteaks sin grandes novedades, llegó el momento de la vuelta de Las Pelotas a un festival en Capital, ya sin el histórico Alejandro Sokol en la voz. Sin dudas, toda la atención estaba centrada en cómo resolverían esa ausencia el resto de los integrantes de la banda ya que quedarse sin su frontman principal no es algo sencillo. Y el resultado generó sensaciones disímiles: por un lado, la actuación fue muy sólida y de gran calidad y por el otro, la poca movilidad de Germán Daffunchio le restó interacción con la gente que siguió el show atentamente pero sin mayor entusiasmo.
Sin embargo, hubo perlitas que acompañaron una muy buena lista de temas que incluyó un adelanto de lo nuevo que se viene: el reggae “Que estés sonriendo”. “Perdedores hermosos”, del Luca Prodan en plan solista, sonó grandiosa junto al saxo de Roberto Pettinato, quien luego volvió para cerrar la noche con una versión semi acústica de “Mañana en el Abasto” y el poder característico de “El ojo blindado”. También hubo espacio para “La colina de la vida”, en una versión cargada de dramatismo.
El último acto fue para The Cult, que en una nueva visita al país, dio una clase magistral de hard rock con un Ian Asbury jugando mejor que nunca su papel de frontman provocativo (tiró varias panderetas al público y luchó todo el set contra un monitor en el cual se le enredaba el cable del micrófono). Pero ningún tipo de performance visual podría sostenerse sin grandes canciones y The Cult las tiene. Así sonaron clásicos como “Lil´ devil”, “Fire woman”, “Edie”, “Sweet soul sister” y “Dirty little rockstar” dedicada a Diego Maradona. Luego de algunas escaramuzas en el público por motivos no muy claros, el final fue bien rockero de la mano de “She sells sanctuary” que confirmó a los ingleses como una de las mejores bandas en su estilo.

En una de las jornadas más rockeras de todo el festival, el Pepsi Music 2008 tuvo en su sexto día grandes actuaciones de The Cult y Las Pelotas y mostró algunos buenos exponentes del under como Pampa Yakuza y los uruguayos de Hereford.

Critica de Disco - Rocker (Dread Negast) (23-09-08)

Rocker

Rock argentino al estilo reggae con resultados para todos los gustos.

Luego de más de diez años al frente de la banda platense Negusa Negast, su ex cantante, Leo “Dread” Falbo decidió seguir adelante con algunos de sus antiguos compañeros y reclutó a otros nuevos para intentar trasladar clásicos argentinos al ritmo jamaiquino. El resultado es Rocker, el primer disco de la Dread Negast Reggae Band, que contiene catorce temas y cuenta con la colaboración de Pablo Clavijo y Goy Ogalde de Karamelo Santo.
El álbum se caracteriza por abordar canciones emblemáticas de nuestro rock y por buscarle una vuelta de tuerca a las mismas aunque el resultado no siempre sea el más favorable. “Rezo por vos” (Spinetta-García) adquiere un ritmo demasiado alegre, casi playero, que le hace perder la intensidad dramática de la original, algo similar a lo que ocurre con “Desconfío” (Pappo), el cual al convertirse en reggae deja en el camino su sentimiento blusero y confirma lo difícil que será que alguien pueda conseguir buenos resultados trasladando ese tema a otro género (basta recordar sino la versión hecha por Smitten en “Pappo versionado”).
Sin embargo, el disco también cuenta con grandes interpretaciones como Motorpsico (Redonditos de Ricota) y Trigal (Sandro) que es lo mejor del repertorio, ya que mantiene la esencia del bolero y los coros femeninos ayudan en el resultado final. Las versiones más arriesgadas están en el innovador “Rock de la mujer perdida” (Los Gatos), que coquetea con el dancehall en la voz de Rancho MC y el “Himno de mi corazón” (Los Abuelos de la Nada) en su plan acústico.
“Regtest” de Sumo presenta la particularidad de estar cantado en castellano y “Una casa con diez pinos” (Manal) ofrece el solo de guitarra más rockero del larga duración a cargo de Rodo Nader, otro ex Negusa Negast. Por su parte, “Costumbres argentinas” (Los Abuelos de la Nada), “Amor de primavera” (Tanguito) y “Muchacha ojos de papel” (Almendra) también se suman al homenaje, aunque sin grandes novedades, hasta que suena “Astral”, de la banda patagónica La Moto, y genera uno de los momentos más emotivos de Rocker. Su estupenda letra sumada al recuerdo del autor de la misma, el recientemente fallecido cantante Raul Salvi, logran generar en el aire una sensación conmovedora antes de darle paso al jamaiquino Lion Patrick Pain, quien improvisa en inglés sobre las pistas grabadas de “Trigal” y “Motorpsico”.

El primer disco de Dread Negast es un homenaje al rock argentino en donde Spinetta, Los Redondos, Sumo y otros clásicos son invitados a formar parte del universo reggae. Sin dudas, Rocker es un paso arriesgado no apto para conservadores.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Dancing Mood - Luna Park (25-09-08)

Baile de Lujo

Dancing Mood volvió a vestirse de gala ante un Luna Park que disfrutó las tres horas de show.

Como hace casi un año atrás, el trompetista y creador de Dancing Mood, Hugo Lobo, volvió a juntar a más de 60 músicos sobre un escenario de Avenida Corrientes. Pero en este caso, la cita ya no era en un teatro sino que la apuesta era más fuerte: nada más ni nada menos que el Luna Park, el histórico recinto del boxeo.
Cerca de las diez de la noche, Claudio Orellano, el conductor estrella que tuvo Crónica TV durante varios años, subió al escenario para presentar a los músicos. Inmediatamente después Lobo se paró frente a la orquesta y comenzó a dirigir la “Rocky Overture”, a la que le siguieron “Take five” y “Skafrica” con Maikel de Kapanga como invitado en guitarra. “The Chicken” sonó con mucho swing antes de que Mimi Maura se hiciera presente con su sensualidad en “Yesterday once more” y “Close to you”. La boricua aportó su excelente voz y se llevó los aplausos de todo el público masculino.
Si bien la puesta en escena fue sobria, la atención estuvo puesta constantemente en el nivel musical que no decayó en ningún momento y logró sortear eficazmente el siempre traicionero sonido del Luna Park. Esto permitió que cada músico se luciera y Dancing Mood reivindicara una vez más por qué es una de las mejores bandas nacionales. Así hubo tiempo para que los vientos soplaran más fuerte que nunca (con el saxofonista Sergio Colombo a la cabeza) y la base que conforman el excelente bajista Diego González y Alejandro “Mono” Avellaneda llevara el ritmo con una precisión asombrosa.
Como buena celebración, la fiesta no podía ser tal sin contar con varios amigos invitados. Por eso, a Mimi Maura y Maikel, también se les sumaron el cumbiero Pablo Lescano en “Confucious”, Patricia Sosa en “Just don´t want to be lonely” y Valentino en “Just friends”, que brindó un exquisito solo de viola. Pero no fueron los únicos, ya que el desfile fue incesante y continuó con Johnny, cantante de Suburband, en la versión reggae de “Have you ever seen the rain” y Dread Mar I aportando romanticismo en “You baby”.
Si bien se rumoreaba que Skay Beilinson diría presente nuevamente tal como ocurrió en el Opera, esta vez el ex redondito de ricota no fue de la partida aunque su ausencia fue suplida con dos grandes sorpresas. Primero, sonó “Police woman” que desató una algarabía generalizada, con pogo incluido, y luego de colar estrofas de “La bestia pop” dio paso a Rafael, un viejo cantante cubano que deleitó al público improvisando una letra. Sin dudas, una idea más que original que rindió con creces y dejó el terreno caliente para que luego hicieran su aparición el bajista Diego Arnedo (Divididos) y el guitarrista Dante Spinetta, quienes se sumaron a “Fantasy”, de Earth, Wind and Fire.
Ya sobre el final, cuando el espectáculo promediaba las dos horas y media de duración, y con un Hugo Lobo emocionado por la respuesta de la gente, “Enjoy yourself” (con Fidel Nadal) generó un baile espontáneo que siguió con “It´s must be love” (con Flavio y Rotman de los Cadillacs) y terminó con el público haciendo un gran “trencito” durante “Occupation”.

Nuevamente en su versión Deluxe, Dancing Mood desplegó toda su calidad junto a importantes invitados para deleite del numeroso público que se acercó hasta el Luna Park y que se fue pidiendo la continuidad de este tipo de espectáculos.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Fotógrafo: Beto Landoni

Entrevista Dancing Mood (23-09-08)

"Llegar al Luna es un flash"

Antes de debutar en el Luna Park, Hugo Lobo, la cabeza que sostiene al cuerpo Dancing Mood, charló con El Bondi sobre el pasado, presente y futuro de la orquesta más rockera del país.

Pizzas, empanadas, fernet y cerveza. Saxos, trombones, violines y contrabajos. Esas son algunas de las cosas que conviven en el ensayo de Dancing Mood y por más contrapuestas que parezcan, en este particular universo todo encaja a la perfección. Tan sólo unos días antes de que la banda pise el escenario del Palacio de los Deportes nuevamente en su versión deluxe, nos acercamos para hablar con su creador, el carismático Hugo Lobo, y como no podía ser de otra manera, la charla recorrió varios temas.

-¿Cómo se están preparando para el Luna Park? ¿Cuál es la idea que tienen en mente?

Estamos preparándolo a full, con un laburo bastante diferente a lo que fue el Ópera (en octubre de 2007), por las dimensiones que tiene el Luna Park y porque ahora tenemos que tener en cuenta que mucha gente va a estar de pie y no sentada en silencio. Por lo tanto se movieron un par de cosas en el armado y en el repertorio aunque la idea sigue siendo tocar con la orquesta de fondo. Además van a estar los mismos invitados que la vez anterior y hay algunos nuevos que son sorpresa.

-Con respecto a la lista de temas ¿qué cosas fueron modificando?

Básicamente vamos a respetar el repertorio que teníamos, agregando un par de temas más. Las principales modificaciones se dan en las canciones que no están orquestadas ya que, como te decía, el año pasado habíamos elegido temas más tranquilos pero en este caso como va a haber mucha gente parada, buscamos una onda más arriba ya que el lugar se presta para la fiesta.

-¿La elección del Luna se debe a que vieron que funcionó bien la movida anterior?

Por un lado está eso y por el otro están las ganas de tirarse a la pileta también, como lo hicimos siempre. Tuvimos un buen resultado con el Ópera, lo que no quiere decir que lo tengamos con el Luna Park, pero siempre está bueno apostar un poquito a más. Las expectativas obviamente son mayores porque es un lugar bastante grande y para nosotros llegar ahí es bastante flashero pero lo vivimos con tranquilidad y estamos disfrutándolo.

-Hasta ahora siempre han versionado temas de autores extranjeros, ¿para esta ocasión tienen pensado algún tema de rock nacional?

No, en realidad los temas los elijo yo basándome en la música que escucho y la verdad es que rock nacional nunca consumí, salvo los Cadillacs o alguna que otra banda de rock pero ninguna que tenga que ver con el estilo que hacemos nosotros. Ningún grupo de acá me gusta más que Madness por ejemplo y no porque sea feo sino porque no es la música que yo escuché siempre.

Hazlo tú mismo (o sé tu propio jefe)

Nosotros notamos que con toda la movida deluxe, se empezó a hablar mucho más de Dancing en los medios. ¿Por qué creés que pudo haber pasado eso?

Sí, en mínima escala pasó pero, al no estar con una compañía, es limitada la exposición que tenemos. Creo que lo que viene pasando se debe a que, hasta lo que yo tengo memoria, nunca se hizo un show así, de esa magnitud, con tantos músicos en escena, y menos hablando del rock, porque nosotros estamos metidos en la movida del rock, no de la música clásica ni del jazz. Creo que eso marca la diferencia y lo que puede llamar la atención es que todo esto está tomado de como se hacía mucho tiempo atrás, en los años 50 o en los 60.

-Recién hablabas de la independencia de la banda ¿es una postura ideológica o el día de mañana podrían llegar a estar en una compañía?

No, no, es una postura netamente ideológica de cómo manejarnos en todo sentido. Creo que es mucho más costoso al principio pero en un momento se arma la pelota y después uno puede tener el control de todo. Además estando en una compañía no podríamos haber hecho lo del Ópera porque vos vas y les decís que vas a hacer un show con 60 músicos y que hay que pagarles a todos, te pegan un voleo en el orto. En una palabra, yo elegí ser músico para no tener patrón, para que mi jefe sea yo y si vos estás en una discográfica es lo mismo que laburar en una oficina, tenés que ir a lidiar con un pelotudo que lo único que sabe es de números y la música le importa tres carajos.

-Por esa razón, Dancing también vende sus discos en los shows a un precio económico…

Es que los discos son caros porque hay un montón de intereses detrás, lógicos, pero que podrían pasarse por alto. El precio final de fabricar un compact es de 4 pesos, entonces no te lo pueden vender a 50 mangos y mucho menos si al músico le va un 1 peso por disco. Por eso creo que vendiendo nuestros discos a diez pesos no te llenarás los bolsillos pero la gente te los compra y no los piratean. Tené en cuenta que en un boliche un fernet te lo cobran 15 mangos así que mirá si no es negocio…

Un lobo que aúlla en todas partes: Los Cadillacs, Skay y Pablo Lescano.

-¿Cómo fue la invitación de Los Fabulosos Cadillacs a tocar con ellos en esta nueva reunión?

Eso es algo que se viene dando hace muchísimos años, de tanto compartir escenarios con muchos de ellos como Flavio o Gaby, además del Toto Rotblat que tocaba con nosotros. Por suerte es un placer que nos venimos dando hace mucho tiempo y para mí significa terminar de cerrar un círculo de la vida, ya que toco la trompeta, escucho y hago la música que hago gracias a los Cadillacs. Es como un sueño, tocar con la banda que a uno le gusta.

-¿A la hora de tocar como invitado de otros músicos siempre lo hacés por gusto o a veces puede darse que lo encares tipo sesionista?

No, hace bastantes años que lo hago por gusto, con los que no tengo afinidad no lo hago. Tengo otras prioridades en la vida que tocar con gente que no me agrada, en otro momento quizás lo he hecho pero ya no.
-Incluso te diste el gusto de invitar a Skay Beilinson a tocar con ustedes…

Si, lo de Skay fue una sorpresa para todos y un flash enorme. Pero con él venimos compartiendo música desde hace mucho tiempo, más allá del escenario, nos juntamos a escuchar discos, tenemos gustos muy parecidos y yo aprendo mucho con un músico del calibre de él. Y toda esta relación desembocó en que podamos invitarnos a tocar mutuamente en nuestros proyectos.

-Y como vos decías, tiene que existir una afinidad personal, humana, para que vos te decidas a tocar con otro músico. Hace poco declaraste tu admiración y amistad con Pablo Lescano de Damas Gratis…

Es que yo a la música siempre me la tome como tal, a mí me interesa y me gustan todos los géneros. Siempre me gustó la cumbia y de hecho en todos los discos de Dancing entre tema y tema hay una cumbia colombiana. En el caso de Pablo, creo que dentro de las bandas de su género y musicalmente hablando, mas allá de las letras, me parece que son los que más cerca están de lo colombiano así que no le veo nada de malo a los diferentes estilos.

-Sin embargo, en nuestro país sigue habiendo mucho prejuicio al respecto. ¿Por qué creés que se da esto?

Eso es algo netamente nuestro porque yo sé que en otros lados no pasa, preguntale a los pibes de (la banda puertorriqueña de reggae) Cultura Profética si no les gusta la salsa. Acá hay un prejuicio total contra todo, es copiar una movida mal y berreta, los rocanroleros por ejemplo, ¿qué rock and roll? Nadie toca como AC/DC, nadie toca como Chuck Berry, todos imitan a Mick Jagger y los Rolling Stones pero mal y existe ese prejuicio idiota pero es por ignorancia, es gente que nunca fue a una bailanta y que no sabe lo bien que se la pasa ahí.

Así de desprejuiciado se mueve Hugo Lobo y así es como lo ven los músicos de diferentes estilos que lo respetan y lo invitan continuamente a sus shows. Y antes de comenzar el ensayo, el líder de Dancing Mood no se olvida de su banda y comenta: “ya tengo tres temas propios y quizás vayan a parar al próximo disco”, anticipando así una novedad ya que hasta el momento todas las placas sólo incluyeron covers. “Es que quise mostrar la música que yo escucho y que los pibes flasheen con eso” aclara Hugo y va directo a dirigir la orquesta que acompañará a Dancing el próximo 25 de Septiembre en el Luna Park.

Christian Alliana y Gonzalo Sanchez Segovia para www.elbondi.com

Fotógrafo: Beto Landoni

Critica de Disco - Grandes éxitos de ayer y oink! (Chancho en Piedra) (15-09-08)

Grandes exitos de ayer y oink!

Chancho en Piedra sacó un buen compilado en donde recorre su historia.

Con algo más de una década en sus espaldas, los chilenos de Chancho en Piedra aprovecharon que en el 2007 se festejó el “año del cerdo dorado” y editaron sus “Grandes éxitos de ayer y oink!”, en el que recorren sus siete discos y ofrecen cuatro temas nuevos. El estilo lúdico que caracteriza a la banda se hace presente desde la gráfica en donde los integrantes aparecen vestidos como samurais listos para dar batalla.

Desde su génesis, el grupo que tomó el nombre de un condimento chileno para comidas, tuvo como principal influencia a los Red Hot Chili Peppers y eso es algo que se puede escuchar durante todo el álbum ya que lo que prima es el funk rock. “Sinfonía de cuna” y “Volantín” son buenos ejemplos de esto pero con el correr de los minutos también van apareciendo diversos matices y nuevos sonidos. La falta de prejuicios en Chancho en Piedra les permite incorporar scratchs de dj´s, flautas traversas y ritmos de cumbia como en “Multi-ricachón”, que originalmente apareció en Desde el batiscafo (2005), bajo la producción de Flavio Cianciarulo. La mentalidad abierta del grupo también los lleva a incursionar levemente tanto en el punk (“Historias de amor y condón”) como en las melodías orientales (“Lophophora oriental”) ofreciendo así una rica variedad pero manteniendo el funk como base.

Lo que se destaca de Grandes éxitos de ayer y oink! es la masterización, que le brinda a los temas una calidad sonora notable y permite apreciar cada detalle instrumental. Felipe Ilabaca (voz, bajo y coros), Eduardo Ibeas (voz y coros), Pablo Ilabaca (voz y guitarra) y Leonardo Corvalán (batería, percusión y coros) se lucen y alternan sus destrezas sin abusar del virtuosismo, logrando que el tema sea el protagonista. Desde la lírica, los Chancho en Piedra juegan con la ironía sin dejar de lado la crítica contra el sistema y la sociedad consumista aportando toques de “chilenidad” pero con un mensaje latinoamericano.

Por lo general, los compilados no suelen aportar nada nuevo a las discografías de las bandas. Sin embargo, Grandes éxitos de ayer y oink! sirve como una buena muestra para que el público argentino pueda adentrarse en el mundo de Chancho en Piedra.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de Disco - Indigencia y Distancia (Cientificos del Palo) (08-09-08)

Indigencia y Distancia

En su segundo disco, Científicos del Palo rockea en trece temas intensos.

Con más de diez años a cuesta, Científicos del Palo se va consolidando de a poco como una banda de renombre y con un público propio. Indigencia y Distancia es el resultado más claro de tanto tiempo de pelearla en el under desde su Mar del Plata natal. Y si bien en su disco debut contaron con la participación de Diego Arnedo, Ricardo Mollo y Jorge Araujo (Divididos modelo 2004), en este nuevo álbum tratan de despegarse un poco más de esa influencia aunque lo logren parcialmente.

Esta segunda placa abre bien arriba con “Camino” y en el segundo tema, “Dormijito”, hace su aparición por primera vez Ricardo Mollo para sumar su voz y su viola en este hermoso reggae dedicado al hijo del cantante y guitarrista Pepo San Martín. “Código morsa”, con sus dulces violines, continúa la línea tranquila del track anterior pero en “Until the victory” la banda vuelve al rock con una letra combativa y frases punzantes como: “la clase media es el mejor sedante para el cerebro humano”.

“Los gomías” es un homenaje a esas personas que siempre están, destacándose el baterista Nicolás Terrén quien se pasea por todos los cuerpos de su instrumento y Pepo se luce en un solo con aire setentista. Positivamente, el grupo incluye ciertos respiros que rompen con el molde del rock, en temas como “Tarde” con su ritmo medio candombero y el funk de “Dos” y “¿Pa´ quién va a ser sino? (con un gran trabajo del bajista Carlos “Popete” Andere). “Fucking amor” transmite paz y permite apreciar la calidad de cada uno de los músicos, algo que continúa en “Vietnam”, un reggae con algunas estrofas de “Exodus” de Marley y en donde se hace presente nuevamente Ricardo Mollo.

El final llega con el acústico “Vosnovasaveniradecirmequiénsoy”, una canción autorreferencial, casi psicológica, en la cual Pepo se plantea interrogantes personales y “Voy al mazo”, un rock al palo que se desarrolla en tres intensos minutos.

Indigencia y Distancia representa un nuevo camino en la madurez de Científicos del Palo y deja en claro que, más allá de la influencia de Divididos, el grupo de Mar del Plata tiene una personalidad propia que mostrar.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Informe especial - ¿Rocanrol o Rock and Roll? (25-08-08)

¿Rocanrol o Rock and Roll?

Bandas argentinas que cantan en inglés. ¿Una posibilidad factible? El Bondi rompió las barreras del idioma para acercarte este completo informe.

“Primero tenía que cantar en ingles, luego – por Malvinas – en castellano. Y ahora los tipos de CBS quieren que vuelva al inglés. A veces canto en castellano, y otras en inglés. También mezclo ambos idiomas en el mismo tema. Ya sé que la gente no entiende el inglés pero aunque Los Beatles llegaran a Obras tampoco nadie los entendería”. (Luca Prodan a la revista CantaRock, mediados de los 80`s). Así describía el líder de Sumo su situación ante la dicotomía que se le planteaba a la hora de encarar las letras de un tema. Años después varias bandas argentinas se encuentran con la misma problemática y resuelven este dilema cada una a su modo.

Desde las denominadas “invasiones inglesas” de mediados de los años `60 nuestro rock se vio influenciado por grupos extranjeros de Estados Unidos pero principalmente de Inglaterra como los Beatles y los Rolling Stones e incluso muchas bandas que se gestaron en aquél momento como Los Jets, Los Mockers y Los Shakers (provenientes de Uruguay) comenzaron sus carreras imitando a aquellas en todos sus aspectos. Tuvieron que pasar varios años para que nuestro idioma comenzara a entrar en el universo de la cultura rock con los primeros singles de Los Beatniks, Manal, Almendra y Los Gatos quienes fueron pioneros en eso de tener letras en castellano mostrando de esta manera que ese camino era posible. Incluso es conocida la anécdota en donde Luis Alberto Spinetta, al término de un show de Mach 4 (luego Vox Dei), les dijo a sus integrantes: “Loco, la banda suena un montón, pero ¿por qué teniendo todo el idioma, cantan en inglés?”. El bajista Willy Quiroga le respondió: “¿Sabés que tenés razón?” y así fue que tradujeron todas las letras cambiando su manera de componer.

En la actualidad, son pocas las bandas que utilizan el inglés como medio de expresión, motivo por el cual El Bondi investigó a fondo sobre esta otra variante y recolectó varias opiniones. Consultado sobre las razones por las cuales deciden seguir este difícil camino, Buco, cantante de Lashaout, nos dijo: “Me es mucho más difícil terminar una buena canción en castellano ya que el inglés me resulta más fácil para entonar. También hay muchos fraseos que quedan bien de esa manera y que en español quedarían ridículos.” Idéntico es el caso de Andrea Prodan de Romapagana: “naturalmente me sale expresarme así, podría utilizar el italiano también pero no serviría para el rock”. Por su parte Gastón Bar-rabía, guitarrista de Pork, coincidió en que “componer en nuestro idioma me resultaría más complicado, los argentinos somos más rebuscados a la hora de hablar por lo que las letras son como más poéticas”.

Sin embargo, el baterista de Headphones, Emiliano Pasqualicchio, habló sobre las influencias de las bandas extranjeras sobre las nacionales, agregando de este modo una nueva razón a las ya mencionadas y afirmando que “es una cuestión de formato y de hacer lo mismo que escuchás como es el punk británico en nuestro caso”. Javier Gomez de T.O.C apoya esa idea aduciendo también que “está el prejuicio de que si sos de acá, tenés que cantar en el mismo idioma en que hablás”. Un poco más tajante fue la declaración que dio Diego Arango, baterista de Los Álamos, a la revista VuenosAirez: “cantamos en inglés porque no hacemos rock nacional”.

NINGUNOS IMPROVISADOS…

Todas las bandas consultadas coinciden en el valor de aprender correctamente el idioma en cuestión para no ser improvisados en el tema. Claro que aquellos que vivieron en países anglosajones tienen una ventaja sobre los que comenzaron dejándose llevar por la sonoridad, como nos explicó Buco: “arranqué cantando por fonética, sin saber si algunas palabras estaban bien o mal pero siempre estudié y lo sigo haciendo para poder perfeccionarme”. Por su parte, Gastón (Pork) vivió en Estados Unidos cuando era chico y su primer acercamiento a la música se dio en el país del norte, incluso formando algunos grupos con influencias del grunge, por lo que el acercamiento al idioma se dio por decantación.

Como bien se sabe, desde hace mucho tiempo el inglés es la lengua predominante en el mundo y por lo tanto, saber hablarlo tiene numerosas ventajas. En el ambiente de la música, el mayor beneficio está en la posibilidad de establecer contactos que permitan abrir puertas en el exterior y de esta manera poder difundir los trabajos de las bandas. Tal es el caso de Lash Out, cuyos integrantes se mandan mails con grupos de todo el mundo, se ponen en contacto con los sellos discográficos internacionales e incluso lograron que este año se edite su disco en Estados Unidos y Alemania. En el caso de estas bandas, la barrera que representa el idioma parece achicarse pero no todo es color de rosa ya que Headphones, por ejemplo, también envió su disco a Inglaterra y a España aunque a ellos les pidieron que vayan a tocar allá para poder defender su música en vivo y esto muchas veces no es posible dado que no todos los grupos cuentan con la infraestructura necesaria para realizar este viaje. A Pork, en cambio, cantar en inglés no les abrió ninguna puerta en el exterior pero según su guitarrista “nuestra misión es llegar a todo el mundo”.

EL PÚBLICO, LAS DISCOGRÁFICAS Y EL MERCADO

Claro que antes de mirar afuera, las bandas argentinas intentan ganar al público local aunque esto a veces sea muy difícil ya que la gente tiene prejuicios al respecto e incluso en muchos casos reina un cierto nacionalismo que no permite abrir la mente hacia nuevas propuestas. Por lo general, los espectadores al ver un grupo nacional esperan que ésta cante en castellano y el mejor ejemplo lo da Buco: “Al principio se nos hacía difícil tocar con público que no era nuestro porque para los argentinos las canciones llegan más por las letras que por la música. Se pierde la curiosidad por saber qué quieren decir los que cantan en otro idioma, hoy todo es tan rápido y fácil de conseguir que si no lo tenés al instante nadie se preocupa por averiguar nada”. En la vereda casi opuesta, los chicos de Pork dieron su versión afirmando que “los que asisten a los conciertos no nos ven como algo raro porque escuchan la misma música que nosotros y se dejan llevar por lo que transmitimos en vivo”. Una tercera posición es la que plantea Emanuel Sáez, voz y guitarra de Buenos Aires Karma: “Hay tres divisiones: aquél al que le gusta que la banda cante inglés, aquél que la descarta directamente y un tercero más abierto que le da una oportunidad más allá del idioma”.

Lo más curioso del asunto es que el público nacional está acostumbrado a consumir música en inglés aunque ésta siempre proviene de números extranjeros y se le presta más atención a los solos de guitarra o a las melodías que a las letras. En cambio cuando se trata de escuchar un disco o un artista de acá la gente además espera cierta lírica que tenga un mensaje, algo con lo que sentirse identificada y ahí es donde reside la mayor incógnita que deriva en la pregunta obligada: ¿por qué los argentinos consumimos casi todo lo que viene de afuera sin plantearnos nada al respecto y cuando algún local quiere expresarse de esa manera se lo cuestiona o se lo mira de reojo? Obviamente no existe una sola respuesta y como vimos varía según los casos.

Por otro lado, se encuentran las compañías discográficas que deberían darle el apoyo a las bandas nacionales para poder crecer pero que sin embargo apuestan a un mercado donde la cuota de música en inglés está cubierta por grandes grupos extranjeros que ante cada visita a nuestro país llenan estadios a piaccere. Emiliano de Headphones parece afirmar esta realidad: “El público nos acepta, los que nos cerraron las puertas están en el negocio de la música. Como anécdota nos quedó la vez que en Musimundo pusieron nuestro disco en la batea de artistas internacionales, eso te pinta un poco el panorama”.

Los chicos de Buenos Aires Karma están por editar su tercer álbum que, por sugerencia de su productor, en su mayoría está cantado en español y si bien ellos decidieron probarlo, tomando este hecho como algo transitorio, queda la sensación de que el grupo debiera adaptarse así a lo que el mercado espera de una propuesta nacional. Nuevamente, el rock y el sistema parecen darse la mano dejando acorraladas a las expresiones artísticas que plantean nuevas alternativas vislumbrando de este modo un horizonte no muy alentador.

SUMO: LA EXCEPCIÓN

Casi todos los entrevistados reconocen a Fun People como estandarte en esta tarea de cantar en inglés pero sin dudas Sumo fue el único grupo que logró masividad y reconocimiento en este rubro. La figura emblemática de Luca Prodan, cantante italiano educado en Escocia, fue fundamental para el progreso de la banda ya que su bagaje musical trajo a la Argentina distintos conocimientos que a principios de los ochenta eran nuevos para estas tierras. En su arribo a las sierras cordobesas, el pelado no hablaba español, por lo que sus primeras composiciones se centraron en el idioma en el que fue educado pero, con el correr del tiempo, Luca fue aprendiendo castellano y esto se reflejó en sus letras que en muchas ocasiones eran un híbrido que podían mezclar también el italiano o el escocés.

Consultado sobre por qué piensa que Sumo logró alcanzar un reconocimiento popular a pesar de no cantar en español, Andrea Prodan nos dijo: “mi hermano logró cruzar la barrera de los idiomas por su personalidad. En un comienzo el público que seguía a la banda era elitista, que viajaba al exterior y que cuando veía acá a un tipo haciendo lo mismo que en Europa o Estados Unidos, quedaba fascinada”. Buco de Lash Out cree que “Luca fue un privilegiado porque todos sabían que había vivido en Inglaterra y por eso nadie le cuestionaba que cantara en otro idioma, fue algo excepcional”. Sin embargo, este caso fue único en nuestro país ya que hasta el día de hoy no hubo ni hay una banda argentina que cante en inglés y tenga la masividad que tuvo Sumo.

En el exterior, también existen muchos ejemplos de grupos que no se expresan en su lengua natal y apelan al inglés. A nivel masivo, el heavy metal de los brasileros Sepultura es el más popular pero grupos como Kreator (Alemania), Rapshody (Italia), Premiata Forneria Marconi (Italia) y The Blue Van (Dinamarca) dan a conocer su arte con letras foráneas. Sin necesidad de cruzar el océano, tenemos el caso de Guillermo Savoy, vocalista de los uruguayos Silicon Fly, quien opina que “hay un concepto que es más global, hay cosas muy regionales todavía pero La Abuela Coca y La Vela Puerca han ido a tocar a lugares dónde el español no es lo que domina y les fue bien. Hoy en día hay una aceptación de la música por lo que es, por el mensaje que trasmite y cómo lo trasmite más allá de si cantan en inglés o español”.

NO FUTURE?

Desde sus comienzos el rock argentino se vio influenciado por artistas anglosajones e incluso las primeras bandas comenzaron cantando en ese idioma. Luego, cuando el movimiento comenzó a tomar otro rumbo, los artistas empezaron a componer en castellano y se dieron cuenta de que no sólo la música era lo importante sino que también podían decir sus verdades utilizando otra faceta. A partir de entonces, las letras siempre tuvieron una lírica muy especial que se ganó el respeto en todo el mundo de habla hispana.

En estos días los grupos nacionales que cantan en inglés son muy pocos y se mueven en el circuito under (¿o debería decirse subterráneo?). Si bien son varias las razones por las cuales utilizan otro idioma como medio de expresión, en general son sus influencias las que los motivan a transitar ese camino, en coincidencia con lo que hacían las primeras bandas de acá a comienzos de los años sesenta. Claro que encarar un proyecto de estas características no es fácil y en muchas ocasiones genera trabas difíciles de sortear sobre todo con el público que, si bien está acostumbrado a consumir música en inglés, cuando escucha una agrupación local espera que ésta cante en castellano. El ejemplo más significativo está en que ningún grupo de este estilo llegó a la masividad excepto Sumo pero esto se dio principalmente porque su cantante era europeo y en nuestro país se desenvolvió de acuerdo al bagaje musical que arrastraba del viejo continente.

Hay que tener en cuenta también que las bandas argentinas que utilizan otro idioma tienen en su mayoría como meta llegar a mercados extranjeros aunque el camino les presenta piedras ya que, como nos dijo Andrea Prodan: “los anglosajones son muy cerrados y es difícil que acepten a un grupo extranjero aunque éste cante en inglés”. Así las cosas, estas agrupaciones no se rinden e intentar darse a conocer con su arte a pesar de las barreras. God bless them.

Christian Alliana y Gonzalo Sanchez Segovia para www.elbondi.com
Ilustración: Raúl Sanabria