Critica de disco Hadobaco - Espíritus del camino (22-12-10)

Espíritus del camino

La banda de nombre mitológico hace su debut con un álbum de guitarras fuertes.

Cuenta la historia que el nombre Hadobaco proviene de dos dioses mitológicos greco-romanos: Hades, el Dios de los muertos y Baco que es el Dios tracio del vino, quien además tenía influencias sociales y beneficiosas. Y la banda en su trayectoria ha tenido que lidiar con duros golpes que podrían haberla hecho desaparecer (la muerte de su primer líder y cantante fue uno de esos golpes) pero supo renacer hasta quedar conformada por sus actuales integrantes quienes este año grabaron Espíritus del Camino, su debut discográfico.
Luego de una introducción espacial, las guitarras pesadas de Nicolás Collebechi y Alejandro Savisky dan comienzo a “Chacal” y marcan el hilo conductor de todo el disco. En “Sueños y realidades” aparecen los riffs junto con los punteos con el wah wah que terminan de condimentar ese rock duro que Hadobaco lleva adelante. “Ellos, los dignos” junto a “Ya no más” sirven para bajar un cambio, reforzar la voz de Hugo Hanzel con coros y ponerse un tanto más climáticos.
La crítica a la política imperialista yanqui se hace carne en la oscuridad de “Imperio” mientras que en “Arancha” la letra relata las aventuras de una mujer sin muchas pretensiones. Las acústicas mandan en “Te dejaste llevar”, lo más parecido a una balada que tiene el álbum, y se diferencian claramente de las dos partes eléctricas de “Soledad” y las guitarras combativas de “Mundo tomado”. El final llega con el tema que da título al disco y que muestra a la banda en un plan más íntimo e introspectivo.

Espíritus del camino es un álbum de guitarras duras, con cercanía al metal e ideal para los amantes del hard.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Heroes del Asfalto - Enfermo de Rock (20-12-10)

Enfermo de rock

Héroes del Asfalto enciende su motor a bordo del viejo carro del hard rock.

Si decimos que el nombre de la banda proviene de un tema de Riff y el baterista golpeaba los parches en dicho grupo, ya tenemos resuelto el 90% de la incógnita que nos puede representar Héroes del Asfalto. Sin embargo, sería injusto decir que la actual agrupación liderada por Michel Peyronel es una copia de Riff ya que en Enfermo de rock se animan a explorar algunos otros estilos aunque sin apartarse mucho del hard rock que identifica al ex ladero de Pappo.
En la trilogía del comienzo integrada por “Sin salida”, “Enfermo de rock” y “Coctel de redención”, los Héroes del Asfalto siguen la línea del clásico rock rutero: guitarras entrecortadas, letras que hablan de motos y chicas y una crudeza que permite imaginar a la banda en vivo. Hasta allí no hay muchas novedades pero a partir de “Rita dinamita” la cosa comienza a versatilizarse un poco más, allí aparece un tratamiento un tanto más pop y hasta aires reggae. Las acústicas marcan el comienzo de “Vuelvo a Marte”, una prolija balada eléctrica, mientras en “Noches blancas en la Nueva Havana” se atreven a imaginar una nueva era de manipulaciones genéticas.
“Bienvenida a mi pasado” sorprende por la inclusión del bandoneón, “Hombre de la frontera” contiene una de las mejores letras del álbum y “Por la Ruta 40” es un rock and roll clásico homenaje a la legendaria ruta que une todo el país de norte a sur. En “Desorientado” el grupo que completan Juan Tarjan en voz, Ponch y Jean-Jacques Peyronel en guitarras y Garfield Candenas en bajo se despacha con un estupendo blues al que el saxo invitado de Pablo Puntoriero le aporta sensualidad. Sobre el final aparece “Amante desalmado” un viejo tema de Riff, con música de Pappo, que permanecía inédito.

El primer disco de Héroes del Asfalto sienta sus bases en el hard rock y desde allí se expande por momentos hacia terrenos más amplios como las baladas y ciertos arreglos tangueros y reggaes.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco La Buenos Ayres Blues Band - Escondido (16-12-10)

Escondido

Fiesta de blues local en el primer disco de La Buenos Ayres.

Oriunda de Lomas de Zamora, La Buenos Ayres Blues Band es una banda con diez años de existencia y un gran rodaje en el under que incluye presentaciones junto a grandes artistas del blues local como La Mississippi y Las Blacanblus. En Escondido, su primer disco, el grupo saca a relucir su experiencia en doce temas con un gran trabajo de producción y letras picantes que retratan la vida urbana y los vaivenes del amor.
Lo primero que se destaca en Escondido son los vientos a cargo de Mauro Rodríguez y Matías Mazzucco ya que cumplen un importante papel en todo el álbum, al frente en temas bluseros como “No sabes” o más rockeros como “Te invito a bailar”. Las influencias boogie dicen presente en “El desocupado” mientras que la sensualidad de bar nocturno llega acompañada de la armónica de Federico Rodríguez en “La piedra”.
La voz invitada de Silvana Yaques se luce en “El único remedio” donde la banda se acerca un poco al jazz y Maxi Hermosilla desgarra su guitarra en el solo de “Parque otoñal”. Las letras son un gran atractivo ya sea pintando un clásico paisaje barrial en “Mi barrio”, anhelando el amor en la acústica “Necesito” o bien retratando el ambiente cabaretero de Constitución (“Trece pesos”).

La Buenos Ayres brinda un buen puñado de canciones bluseras en su primer disco y se destaca por sus letras urbanas y cotidianas. La vasta experiencia de la banda se hace notar en la producción y corona así un gran debut.

Christian Alliana para http://www.elbondi.com/

Critica de disco Lumbre - El nido de los ojos y el oido (06-12-10)

El nido de los ojos y el oído

Lumbre presenta un disco experimental en el que combinan poesía y sonidos.

La historia de Lumbre comienza en el 2001 cuando se disuelve El Negro y su maquinita de afeitar y los mismos integrantes comienzan una nueva etapa bajo otro nombre y otro concepto. De esta manera, Oke, Christian Stella y Elvio Antonaccio editan en 2007 el primer disco, Bajo la avenida hay un río, mientras continúan con las presentaciones en vivo. Luego del alejamiento de Oke, ingresa Hernán Calvo Pardo y la banda queda definitivamente establecida para grabar su segundo álbum, El nido de los ojos y el oído, integrado por diez canciones de corte experimental.
A lo largo de la placa dominan los sonidos experimentales sobre los que la banda se acopla en algunos casos poniendo al frente la voz (“Mil poemas”) y en otros, saliendo adelante con guitarras eléctricas como en “Caminata virtual”. Aires lúgubres, influencias hindúes y hasta reminiscencias spinetteanas aparecen en “Pies maderosos”, “Día” y “Kamikaze” respectivamente. “El viento que pasa” es un instrumental que conecta bien con “Traigan un poco de amor” donde asoman tintes jazzeros.
Por su parte, las letras hablan tanto de cuestiones existenciales como de amor, y en “Homenaje a Tupac Amaru” se permiten recordar e invocar al gran luchador inca. La poesía es parte central de El nido de los ojos y el oído, ya que las palabras cumplen una función primordial en cada tema.

El segundo disco de Lumbre se caracteriza por explorar sonidos experimentales y por su poesía que convierten al álbum en una interesante extrañeza y abierta sólo a aquellos oyentes ávidos de material distinto, alejado de toda veta comercial.

Cobertura Adicta - N/D Ateneo (03-12-10)

Pop Art

Adicta festejó sus diez años en el N/D Ateneo

El pasado viernes a la medianoche, Adicta festejó una década de vida junto a sus seguidores en el teatro N/D Ateneo. Y si bien al llegar al recinto en la boletería se podía leer un cartel anunciando que ese día no iba a estar disponible el nuevo disco de la banda, esto no empañó en lo más mínimo la celebración. El público heterogéneo que sigue al grupo brindó su buena predisposición en todo momento y aportó lo suyo desde abajo.
“Love me” fue la encargada de abrir el show a puro pop para que luego “Allí estaré” pusiera a todos los presentes de pie e incluso invite a la mayoría a abandonar sus lugares y olvidarse por un rato de los estrictos reglamentos teatrales. Las guitarras punzantes a cargo de Julián Fraus, el bajo grueso de Diego Rodríguez y el pulso correcto del baterista Sergio Sotomayor comenzaron a destacarse a partir de “Quise la gloria”. Pero como buena banda de pop, en Adicta lo que mandan son los teclados y las programaciones llevadas adelante por el histórico Rudie Martínez, quien junto al cantante Toto son los destinatarios de todas las miradas.
En el repaso de estos diez años, el grupo alternó canciones de todas sus épocas desde “Febo”, incluido en Shhh (2000) hasta “Antes de irme” de la placa doble Cátedras (2008). Incluso hubo lugar para un estreno: “Nadie sin ti” que será incluido en el álbum que por problemas de imprenta no pudo ver la luz el mismo día del show. Tampoco faltó el feliz cumpleaños cantado por la gente y, aunque entre tema y tema hubo muchos baches, la sensación de festejo invadió el lugar de principio a fin.

En poco más de una hora y media, Adicta dio un repaso de su década de vida ante un público incondicional que se subió al tren de la alegría pop.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Toponauta - Un dia marcado (29-11-10)

Un día marcado

Los santafesinos de Toponauta lanzan su tercer disco de estudio.

Instalado en Buenos Aires desde el 2004, Toponauta nace como trío en el 2001 en la ciudad de Santa Fe y cuenta con dos discos y un EP en su haber. Un día marcado es su tercera placa discográfica y allí, el ahora cuarteto integrado por Francisco Cantero en voz y guitarra, Cesar Cantero en bajo, Sebastián Furman teclados y Sebastián Quintanilla en batería muestra una faceta pop rock con buenos arreglos instrumentales y de voces.
El comienzo con “Ladrón” va dando señales del camino que transitará el disco: melodías pop y programaciones apoyando las bases se suceden en los tres minutos que dura el tema. El álbum también cuenta con un par de hits ocultos, de esos que pueden servir para musicalizar series de televisión, como “Mi Karma” (no casualmente compuesta para el corto Tema de otro de Leanza y Tomiozzo), o bien para sonar en cualquier radio como “Abro la herida”, que cuenta con un gran trabajo instrumental.
Las guitarras rockeras asoman en “Caracolas” mientras que la pasividad llega con “Jardín de oro”, de cepa spinetteana, y “En llamas”, de interesante estirpe jazzera. La influencia beatle se hace presente en “El ombú” y “Un día marcado” en donde se aprecia un minucioso cuidado en los arreglos.

La tercer placa de Toponauta se destaca por un detallista trabajo de producción que realza aún más los temas de impronta pop.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Las Trampas de Lily - Todo de nuevo (15-11-10)

Todo de nuevo

Las Trampas de Lily transitan el camino de la canción folk-rock en su tercer disco.

Nacido hace casi diez años en la ciudad de Río Gallegos, provincia de Santa Cruz, Las Trampas de Lily es un grupo que se asienta en las bases del rock y desde allí se deja llevar hacia distintos matices que pueden incluir el folk, la balada y hasta el punk entre otros. Con dos discos bajo el brazo (La calle que brilla de 2005 y Escucho las voces de 2007), este año el cuarteto integrado por Miguel Jancich en guitarra y voz, Duffy D en bajo, Marcelo Merlino en teclados y Fernando Jasen en batería editó Todo de Nuevo, producido artísticamente por Ulises Butrón.
Estas diez nuevas composiciones se reparten en apenas media hora como si hubiera una urgencia por escupir sentimientos casi sin descanso. Es que las letras retratan historias de amor desafortunadas, casi siempre en primera persona, que buscan la identificación en el oyente. Por su parte, la música ambienta esas historias con sonidos folk en donde las guitarras acústicas y los teclados y hasta las circunstanciales armónicas adquieren un papel primordial. Las guitarras eléctricas, procesadas en varios casos por distintos efectos, le dan a los temas el infaltable toque de energía.
“A veces no alcanza”, “La fiebre” y “Todo de nuevo” son las mejores representantes del disco, en donde se reúnen los distintos matices pero sin dejar de lado el costado más rockero del grupo. En el tema que cierra el álbum, “La cadena”, los de Río Gallegos se ponen aún más intimistas y reflexionan sobre la rutina en la que vivimos en una balada interpretada por el piano y la voz.

En Todo de nuevo, su tercer trabajo discográfico, Las Trampas de Lily expresan melancolía y desamor y lo conjugan con toques folk que también se combinan con guitarras rockeras.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Paul McCartney - Estadio River (11-11-10)

Magical mistery Paul

Paul McCartney regresó a la Argentina luego de diecisiete años y brindo dos conciertos memorables. El Bondi estuvo el jueves en la cancha de River y te cuenta todo lo que pasó.

Como esos sueños que uno anhela y parece que nunca van a llegar pero finalmente se hacen realidad, así se vivieron los dos conciertos que ofreció Paul McCartney su segunda visita al país. Luego de su primera presentación el miércoles por la noche, el fervor por el ex beatle no decayó en ningún momento y más de cuarenta mil personas se juntaron nuevamente el jueves en la cancha de River para ver al mito viviente que representa este señor inglés, considerado uno de los compositores más importantes de la historia.

Pasadas las siete y media de la tarde, subió a escena el ex cantante de Los Piojos, Andrés Ciro Martinez, junto a los guitarristas de su nueva banda, Los Persas, para interpretar un par de temas en formato acústico. Ante un público que lo respetó pero que no se interesó demasiado en el set, Ciro entonó algunos clásicos de su ex grupo como “Al Atardecer”, “Amor de perros” y “Tan solo”, además de “Insisto” y “Noche de hoy”, pertenecientes a su etapa actual solista. En media hora, el cantante cumplió un nuevo sueño como aquella vez de 2006 que, junto a Los Piojos, teloneó a los Rolling Stones.
Pasado el crédito local, ahora sí ya estaba todo listo para el show de Paul McCartney, que se hizo presente a las nueve y cuarto de la noche y luego del correspondiente saludo arrancó el show quemando naves con “Magical Mistery Tour”. Ahí nomás, pegadita, sonó “Jet” y otra gema beatle, “All my loving”, que sirvió para preguntarse nuevamente cómo hace para cantar así de afinado mientras realiza ese histórico walking en el bajo. Como no podía ser de otra manera, Sir Paul alternó temas de sus distintas etapas e intercaló potencia (“Drive my car”, “Live and let die”) con tiernas baladas como “The long and winding road” y “My love” entre otras.
También hubo espacio para los homenajes comenzando por “Purple Haze” de Hendrix sobre el final de “Let me roll it”, seguido por “Give peace a chance” de John Lennon enganchada a “A day in the life” y el recuerdo de George Harrison en la excelente versión de “Something” con ukelele incluido. Y la nostalgia fue uno de los principales motivos por los cuales gente de distintas edades se acercaron a River para emocionarse hasta las lagrimas con himnos como “Eleonor Rigby”, la abolerada “And I love her” y las acústicas “Blackbird” y “Yesterday”.
Con un buen sonido (a veces condicionado por el intenso viento) y un gran juego de luces, la banda integrada por Rusty Anderson y Brian Ray en guitarras, Paul Wickens en teclados y el carismático Abraham Laboriel Jr. en batería fue el soporte ideal para que Macca sienta sus espaldas bien cubiertas e interactúe con el público en un español guionado que le sirve para meterse a todos en el bolsillo (como si hiciera falta) con frases como “ustedes son buena onda” o “estamos muy contentos de estar nuevamente acá”.
Y como toda gran fiesta merece un final a toda orquesta, Paul se encargó que esto sea así regalando ocho temas seguidos de Los Beatles entre los que se encontraron “Hey Jude” (y el “nananaranana” coreado por absolutamente todos los presentes), el riff mortal de “Day Tripper”, el proto heavy metal “Helter Skelter” y la versión reprise de “Sgt. Pepper” junto a los temas finales del disco Abbey Road.

A sus 68 años, Paul McCartney volvió a la Argentina para brindar un concierto antológico, de esos que uno nunca quiere que terminen y que son una caricia al alma. Con canciones de su etapa solista y los infaltables clásicos de Los Beatles, el bajista inglés repasó durante casi tres horas buena parte de su carrera dejando a los presentes con la sensación de haber sido parte por un momento de un pedazo grande de la historia de la música.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotografo: Beto Landoni

Critica de disco Esonoes - Aun (01-11-10)

Aún

El disco debut de Esonoes se distingue por sus distintas paletas sonoras y la búsqueda constante del clima perfecto.

En el 2004, el contrabajista Lisandro Fiks, el baterista Emanuel “Kiki” Gaggino, el guitarrista Santiago Lesca y el tecladista Agustín Insausti tenían un grupo, Papanegra, marcado por una impronta rockera y que tuvo la oportunidad de grabar una versión de “Cantata de puentes amarillos” de Luis Alberto Spinetta en Una celebración del rock argentino, el box set dirigido por Litto Nebbia y que recién vio la luz este año. En el 2008 Santiago Lesca dejó la banda y, a partir de allí, el resto de los integrantes, focalizándose en la utilización de nuevos recursos sonoros que permitan explotar aún más su condición de multiinstrumentistas, forman Esonoes.
En Aún los arreglos de cuerdas y vientos son una constante como así también las diferentes atmósferas por las que atraviesan los temas. De un arranque pop rock guitarrero como “Irreal” pueden pasar a un clima intimista con predominio total del piano como en “Donde aclara” o “La liebre”, donde el que manda es el violín. Dentro del amplio abanico por el que se mueve Esonoes, también hay espacio para un pseudo bolero con influencias tangueras (“Quién”) y un gran blues llamado “Me puso blus”.
Si bien el disco se caracteriza por canciones en las que intervienen distintas paletas sonoras y cada arreglo parece cuidado a la perfección, el trío no se olvida de sus orígenes rockeros y se despacha con “Adentro”, un rock and roll crudo. El pop vuelve de la mano de “Espiral” y el rockabilly “Elefante rosa”, que se destaca por el juego de voces, pone punto final al álbum.

Esonoes ofrece en Aún un interesante primer disco en el cual se mezclan elementos de pop, rock, tango y jazz, todos hilvanados por cuidadosos arreglos y una amplia instrumentación.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Percobarocho - Condicionando al destino (25-10-10)

Condicionando al destino

La suma de grandes canciones, buenas letras y rock maduro da como resultado el tercer disco de Percobarocho.

Diez años pasaron desde la formación de Percobarocho en la ciudad de Avellaneda y luego de dos discos en el camino, en este 2010 editaron Condicionando al destino cuya portada y arte interior homenajea al histórico Bar El Progreso de Barracas. Además el packaging se destaca por tener la posibilidad de convertirse en almanaque y contener una completísima ficha técnica, además de las letras.
En el plano musical, la banda integrada por Fernando Rimmaudo en voz y guitarra, Martín Rodríguez Monti en guitarra, Gonzalo Zapata en bajo, Matías Dhers en armónica, Anibal Buonarcorso en teclados y Facundo D´Angelo en batería hace hincapié en un rock sólido, en algunos momentos crudo y en otros más tranquilo. Pero si hay algo que nunca desaparece en los doce temas del álbum es el cuidado por la canción, destacándose así las melodías y la función de cada instrumento.
El álbum arranca a toda máquina con el riff de “Sin rumbo” y un interesante trabajo de guitarras. “Guardianes de turno” sigue ese camino con una buena línea melódica en la voz y el agregado de la armónica junto al piano. En “Nada” aparece un aire más denso acentuado por la voz de Anibal Buonacorso y los coros casi líricos que aporta la invitada Joana Gieco mientras que Matías Dhers se pone al frente del micrófono en “Así es la vida” y coquetea con un fraseo cercano al rap.
Percobarocho también muestra su costado sensible en temas como “El progreso”, dedicado al bar homónimo, y “Vacíos conocidos”, una canción ideal para que las chicas se suban a los hombros de conocidos y extraños en cada show del grupo. En “Brazos equivocados” los vientos formados por Franco Boroccioni en saxo tenor y Lucas Colamussi en trompeta suman potencia mientras que en “Para todos” y “Tu mundo” los arreglos de cuerdas imprimen tensión y acompañan de manera épica el cierre del disco.

En Condicionando al destino Percobarocho demuestra que es posible hacer rock con buenas melodías, letras interesantes y un buen trabajo de producción.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco La Ponderosa - Sigo, sigo, sigo (25-10-10)

Sigo, sigo, sigo

La Ponderosa apunta al rock and roll directo en su segundo material discográfico.

Nacida hace diez años en Berazategui, La Ponderosa es una banda que comenzó su historia interpretando covers de grandes artistas del rock nacional e internacional como Pappo, Sumo, The Beatles, Eric Clapton, Bob Dylan y The Rolling Stones. En 2001 el grupo grabó su primer álbum homónimo y este año registró Sigo, Sigo, Sigo con su nueva formación: Marcos Ferreirone en voz, guitarra y coros; Federico Varela en primera guitarra, voz y coros, Maximiliano Kucharski en bajo y coros, Gustavo Núñez en armónicas y Mariano Assad en batería.
El disco atraviesa distintas vertientes pero siempre bajo el paraguas del rock and roll. En casi cuarenta minutos coexisten la crudeza del rock más directo (“Algo de mí”, “Resulta que”) con vertientes country (“Calavera de la noche”) y pinceladas cancioneras de la escuela Calamaro (“Jueves santo”, “Otra vez”). Las guitarras se mantienen bien al frente interactuando continuamente entre ellas y la armónica se suma como refuerzo en varias ocasiones como ocurre en “Noche de gloria”.
Lo más destacable llega cuando la banda se aleja de la influencia directa de los Stones y se acerca al folk dylaniano ya que allí logra muy buenos resultados (“El tren pasó”). Por su parte, las letras reflejan situaciones cotidianas que mezclan el barrio, los amores y algunos vicios aunque por momentos esto hace que caigan en lugares comunes.

El segundo álbum de La Ponderosa reafirma el camino del rock and roll que toma el grupo y encuentra sus mejores momentos en los pasajes folk.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco La Saga de Sayweke - Hipnotico Affair (18-10-10)

Hipnótico Affair

La Saga de Sayweke regresa con un interesante giro en su carrera.

Es muy raro encontrar en Argentina bandas que se dediquen completamente a la experimentación artística sin importarles cual es la tendencia del mercado para poder vender más y alcanzar el éxito. La Saga de Sayweke es uno de esos grupos que, desde sus comienzos en 1993, siempre se mantuvieron al margen de lo establecido, transitando un camino paralelo que los lleva a hacer siempre lo que se les da la gana.
En todos estos años de trayectoria editaron cuatro discos y un EP y cambiaron de formación varias veces. Sin embargo, Claudio Quartero, bajista y líder histórico del combo platense, nunca claudicó a su proyecto y desde 2004 decidió que era hora de dejar las palabras de lado dejándole así el camino a la música instrumental. Hipnótico Affair es el primer paso en esta aventura y, según la propia banda, “es el más anárquico de los CD que hemos hecho por haber logrado hacer de nuestro talento una profesión”.
En poco más de media hora, La Saga te invita a pasear por distintas texturas sonoras y estados de excitación (“Ultravioleta”) mezclados con tensas calmas. Guitarras acústicas dan toques más soft mientras que hay un gran uso de las programaciones, que van y vienen a lo largo de todos los tracks imprimiendo sonidos progresivos y floydianos. Partiendo de la premisa de que para ellos lo neurótico, insomne y patético se convierte en canción, los platenses profundizan una búsqueda que va más allá del rock, llegando a intrincadas fusiones que pueden incluir canzonettas (“Décimo primer barroco”) y coqueteos folklóricos (“Nostalgias de etanol”).
El tándem integrado por Claudio Quartero (encargado de todos los instrumentos armónicos) y Leandro Sánchez (encargado de todos los instrumentos percusivos), únicos músicos que grabaron el álbum, logra su mejor entendimiento en “Con mis ojos”, una bonita canción con exquisitos violines y grandes colchones de teclados, todo sostenido por una interesante base rítmica. El único link a la vieja etapa de la banda aparece en “Tullido apasionado”, que es una reminiscencia a “El tullido”, tema aparecido en Antes (1998).

Hipnótico Affair es un disco prácticamente inclasificable, de esos que los críticos prefieren esquivar ya que no se amoldan a nada establecido y se alejan de cualquier etiqueta. Y allí reside su valor, porque no sólo es un outsider musical sino que contiene interesantes experimentaciones, ideales para ser escuchadas con auriculares (¡hagan la prueba!). Así que joven argentino, ¡adelante!, despójate de tus ideales conservadores y atrévete a esa aventura sonora por la que te lleva La Saga de Sayweke.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Los Rancheros - Estimulante (28-09-10)

Estimulante

Los Rancheros festejan su vigésimo aniversario con un nuevo disco.

Autores de varios hits durante la década del noventa, Los Rancheros pasaron por una etapa de éxito (Andrés Calamaro produjo su primer álbum) y luego se disolvieron de repente. Sin embargo, en 2007 retornaron con un compilado junto a varios invitados de renombre y en este 2010 regresan definitivamente para festejar su vigésimo aniversario con un disco de once temas propios y un cover.
En Estimulante siguen predominando las baladas y las letras de amor que caracterizaron a la banda durante todos estos años, además de una producción impecable. “Ey” y “Estimulante” respaldan esta afirmación, con sus tempos lentos, las guitarras rítmicas algo distorsionadas y el infaltable acompañamiento del piano. Sin embargo, no todo es soft en el mundo ranchero y prueba de ello es “Bizarro”, con sus punteos cinematográficos, casi surfer, y una historia marginal que involucra enfrentamientos con la policía y cigarros de marihuana.
En toda celebración no pueden faltar los invitados por lo que Litto Nebbia se suma para cantar una linda versión de su clásico “Rosemary”, Leo García hace lo propio en “Navegar” y Marciano Cantero de Los Enanitos Verdes aporta su voz en “Adivinaré” en donde se destacan los arreglos de cuerdas. En “Parabrisas”, la banda liderada por Meno Fernández incursiona en la cumbia con una importante presencia de la percusión y el “Bolero lento” expande esa búsqueda de ritmos latinoamericanos.
“Hablaba de él” y “El disfraz” retoman las historias de amor al tiempo que “Palabras” atraviesa el pop antes de llegar al final melancólico de “Adiós Mickey Mouse”. El arte del disco se destaca por dar la posibilidad de tener un propio portarretratos ranchero y además por jugar con la idea bíblica de la tentación ya que la tapa simula ser una manzana pero cuando uno saca el cartón que la protege aparece el torso húmedo y desnudo de una señorita.

En su primer álbum con temas nuevos luego de una década, Los Rancheros vuelven con un disco cargado de buenas baladas y canciones que se destacan por su excelente producción.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Almafuerte - En vivo Obras (28-09-10)

En vivo Obras

Almafuerte amplía su discografía con un nuevo disco en vivo.

En quince años de historia Almafuerte grabó once discos, de los cuales cuatro son en vivo. Con semejante productividad, estos álbumes en directo funcionan como actualización del momento de la banda y no persiguen la novedad sino simplemente reafirmar por qué el grupo se ganó el mote de “lo mejor del heavy nacional”. Y justamente esa frase es la que pronuncia el presentador del show en el comienzo del recital llevado a cabo el 10 de mayo de 2008 y que quedó inmortalizado en este En vivo Obras (que también se consigue acompañado por el primer DVD de la banda).
En esta nueva producción no faltan los clásicos de siempre como la historia suburbana de “El Pibe Tigre”, el himno existencialista “Sé vos” o la hermandad de “A vos amigo”. Tampoco están ausentes las canciones que los seguidores del grupo liderado por el cantante Ricardo Iorio hacen propias como “Todo es en vano, si no hay amor” y Debes saberlo”.
Por su parte, En vivo Obras confirma una vez más al guitarrista Claudio “Tano” Marciello como el motor musical de Almafuerte. Su sonido pesado y crudo se aprecia constantemente (“Yo traigo la semilla”, “Triunfo”) pero su versatilidad le permite también ponerse sutil y melódico (“Toro y Pampa”) e incluso despacharse con un instrumental incluido en uno de sus discos solistas (“De pie”). Por su parte, la base rítmica integrada por el bajista Beto Ceriotti y el baterista Bin Valencia suena sólida, aguantando desde atrás la potencia característica del grupo.
“Homenaje”, “De la carne” y “Sirva otra vuelta pulpero” completan este álbum que viene con un booklet ilustrado con excelentes fotos del concierto y que encuentra su verdadera razón de ser en la versión acompañada por el DVD del show.

En su cuarto disco en vivo Almafuerte repasa nuevamente sus clásicos y agrega temas de su última etapa.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Javier Malosetti - Ten (21-09-10)

Ten

Javier Malosetti presenta su último disco solista en su mejor momento.

El año pasado el bajista Javier Malosetti decidió darle un nuevo rumbo a su carrera al cambiar a los músicos que lo acompañaron hasta ese momento y dándole también un nuevo giro a su música. De esa manera, el trío que integró durante varios años junto al tecladista Hernán Jacinto y al baterista Oscar Giunta llegó a su fin y le dio paso a su nueva banda, Electrohope, formada por Hernán Segret en bajo y guitarra, Nicolás Raffetta en teclados, Tomi Sainz en batería y Damián Carballal en percusión.
La inclusión de estos jóvenes talentos caló hondo en el espíritu de la música de Malosetti, quien dejó de lado su veta más jazzera para adentrarse plenamente en caminos más rockeros y bluseros, sin olvidarse del funk y la fusión. Desde el comienzo con la personal versión de “Disco Inferno”, clásico de The Trammps, el trabajo del ex bajista de Spinetta ya suena renovado, con fuerza y con nuevos timbres sonoros. La incorporación de Hernán Segret también le permitió a Malosetti liberarse por momentos del bajo y dedicarse cada vez más a la guitarra como se oye en “Memorie del treno”.
A lo largo del disco, hay temas dedicados e inspirados en distintas personas como “El Benja”, donde participa Julian Malosetti en Garrahand, la preciosa “Albie & Ally”, dedicada a sus gatas y “Delpo” en homenaje al tenista Juan Martín del Potro, estas dos ultimas con la colaboración de Gillespi en vientos y un gran trabajo de Nicolás Raffetta. Por su parte, “Juguicho” invita al baile dulzón y contrasta con el medley que comienza con “Abide with me”, sigue con “Two rails” y termina en “Dance of Maya” de la Maravishnu Orchestra e invita más a la escucha que al movimiento.
“Money for nothing” de Dire Straits adquiere perfil blusero en manos de Electrohope, que la adapta a su estilo en una versión de alto nivel y hace lo propio con “Maybe I´m Leo” de Deep Purple en una exquisita interpretación funky que muestra lo mejor de la banda. La fusión “Crazy B.” junto a la intimista “Flowers Island” coronan un álbum que se destaca de principio a fin por su elevada calidad.

Ten permite apreciar al mejor Javier Malosetti, ese que se desenvuelve por distintos géneros como el funk, el jazz y la fusión pero que con su nueva banda Electrohope se acerca al rock (musical y espiritualmente) logrando así su mejor disco.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Las Pelotas - Luna Park (11-09-10)

MAS QUE UN DESEO

Las Pelotas ofrecieron un gran show en su primer Luna Park.

El sábado por la noche Las Pelotas llegaron por primera vez al Luna Park y en tres horas recorrieron buena parte de su historia. Focalizados principalmente en su producción más reciente, la primera parte del concierto estuvo dedicada a temas de esta década: “La semilla”, “Qué podés dar”, “Saben” y “Basta”. La gente, que llenó el lugar, tuvo que esperar un rato antes de desatar su algarabía aunque en todo momento se respiró un aire festivo en el ambiente, de reconocimiento constante hacia una banda que supo luchar y ganarse su lugar actual en el rock argentino.

“Ya no estás” y “Orugas” fueron las primeras que invocaron el recuerdo de Alejandro Sokol, ex cantante del grupo que falleció el año pasado, y comenzaron así un ida y vuelta entre el pasado y el presente. Antiguas canciones de la época cordobesa como “Si supieras”, “Transparente” y “Bombachitas rosas” se mezclaron con otras más recientes como las preciosas “Pasajeros” y “Personalmente”. De esta manera, también se alternaron bloques más potentes (“Capitán América”, “Desaparecido”) con otros más íntimos (en donde se destacó la bajista Gabriela Martinez cantando “Menos mal” sola con guitarra).
Por su parte, el cantante y guitarrista Germán Daffunchio se mostró más sólido en su rol de frontman gracias a la nueva incorporación del ex piojo Tavo Kupinsky en guitarra quien se suma también al otro violero Tomas Sussman. Gustavo Jove, baterista, y Alejandro Gomez, percusionista y trompetista, se encargaron de sostener la parte rítmica mientras el tecladista Sebastián Schachtel demostró una vez más que es una pieza fundamental en la rueda pelotera. Parrafo aparte merecen los reggaes que Las Pelotas interpretan de manera extraordinaria, con un entendimiento del estilo que pocas bandas nacionales tienen.
Como en toda fiesta no faltaron los invitados. Fernando Ruiz Díaz de Catupecu Machu sumó su guitarra y voz en “Si quisiste ver”, Gillespi se unió nuevamente a su ex grupo para una festejadísima “Hawai” y Roberto Pettinato, junto a Germán Daffunchio, homenajeó a Luca Prodan en una versión de “Perdedores Hermosos” y luego se quedó para “Los cinco magníficos”. El cierre llegó con “El ojo blindado” junto a todos los invitados de la noche.

En su debut en el Palacio de los Deportes, Las Pelotas dieron un muy buen concierto en el que se destacaron los momentos climáticos aunque de a ratos el orden de la lista de temas resultó algo incómodo al alternar continuamente canciones poderosas con otras más tranquilas.

Christian Alliana, exclusivo para este blog.

Foto: gentileza Beto Landoni

Cobertura Los Enanitos Verdes - Teatro ND Ateneo (13-09-10)

Amores Cercanos

Los Enanitos Verdes revitalizaron el amor con su público en un demoledor show en el ND Ateneo.

El viernes por la noche, Los Enanitos Verdes presentaron en el ND Ateneo su nuevo disco, Ineditos (2010), en una sala repleta que disfrutó el show de principio a fin. Apenas pasadas las nueve de la noche, los mendocinos subieron a escena y arrancaron el concierto con “Cordillera” seguida de “Te vi en un tren”, en una versión arrolladora. Desde el comienzo, la banda liderada por los históricos Marciano Cantero (bajo y voz) y Felipe Staiti (guitarra) sacó a relucir toda su profesionalidad y se destacaron por un impecable sonido.
“Mil horas” de Los Abuelos de la Nada sorprendió a los más desprevenidos mientras que “Amores lejanos” puso a todo el público a cantar. Tampoco faltaron los hits como “Amigos” y “La muralla verde” que incluyó guiños a “Walking on the moon” de The Police. Sin embargo, en las dos horas de show los mendocinos demostraron que son un grupo que se sostiene más allá de sus éxitos y han influencia indirectamente a varias bandas argentinas y latinoamericanas. Prueba de eso fue la aparición en escena de Manuel Quieto de La Mancha de Rolando para sumar su guitarra y voz en “Tequila” y Mario Barassi de los Super Ratones, quien metió coros en “Mariposas”; todo seguido con atención por Marcelo Corvalán de Carajo desde la platea.
“Por el resto” sonó más pesada que la original y allí donde los mendocinos mostraron su costado más hard, los guitarristas Felipe Staiti, Juan Pablo Staiti y el invitado Javier Cantero jugaron a ser guitar heroes por un rato. La inclusión del experimentado Jota Morelli en la batería, tras la partida de Daniel Piccolo, no pasó desapercibida y el ex baterista de Spinetta se ganó merecidos aplausos en varios tramos de la noche.
Ya sobre el final, “Tu cárcel” fue muy festejada por las chicas presentes mientras “Lamento boliviano” fue cantada hasta por los acomodadores del teatro. Sin posibilidad de extenderse en los bises debido a una cuestión contractual de tiempo, “Guitarras blancas” coronó una noche que dejó al público pidiendo más por un largo rato.

Los treinta años de historia de Los Enanitos Verdes se vieron reflejados en un excelente show en el ND Ateneo el pasado viernes. Grandes momentos de rock y baladas fueron la combinación ideal para un concierto impecable que despertó en el público una pasión poca veces vista.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Critica de disco La Billy - Tempestades de locura (07-09-10)

Tempestades de locura

El cuarto disco de La Billy se asienta en distintas combinaciones punk.

Con catorce años de trayectoria y tres discos de estudio, La Billy presenta en este 2010 su nuevo álbum llamado Tempestades de locura. En esta ocasión, la banda oriunda de Bella Vista vuelve a hacer hincapié en el punk rock pero con vertientes melódicas que sin embargo no hacen perder la agresividad innata del género.
La furia y las guitarras machacantes dan la bienvenida en “Las horas”, una oda a la tiranía del tiempo y a una forma de vida con la cual no concuerdan y que se ve reflejado en varias letras como “Sin brújula” o “El regalo”. En “Solo libertad” el cuarteto formado por Tuta en bajo y voz, Martín en guitarra y voz, Manu en guitarra y voz y Leo en batería asume su costado más melódico y muestra intenciones pop.
Cuando La Billy se aleja un poco del punk ortodoxo aparecen las mejores canciones: “Subir”, con sutiles intervenciones de teclados, y “No me merezco estar”, en la que afloran arreglos de vientos son los mejores ejemplos de esto. Acentuando el costado más pesado, “¿No quedan más opciones?” aporta guitarras bien marcadas al estilo heavy.
El trío final integrado por “Más allá”, “Juro por mí” y el rockero “No es lo mismo” no cambia demasiado el resultado final del álbum que cumple de manera adecuada los preceptos del género punk.

En Tempestades de locura, La Billy sigue en la ruta del punk rock y muestra por momentos algunos desvíos interesantes.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura El Bordo - El Teatro Flores (21-08-10)

Tiempos de madurez

El Bordo presentó Historias Perdidas en Flores.

A lo largo de sus doce años de vida, El Bordo construyó su trayectoria de manera firme y continua. Sin saltearse ningún escalón, la banda recorrió todo el under hasta llegar a sitios más masivos como la cancha auxiliar de Ferro o el Microestadio de Argentinos Juniors. Consecuentemente con el crecimiento de su convocatoria, el grupo de ex alumnos del Colegio Carlos Pellegrini logró superarse disco tras disco y el sábado, el Teatro de Flores fue testigo de esta madurez durante la presentación del flamante Historias Perdidas (2010).
Luego del show del ex saxofonista de Los Redondos Sergio Dawi (junto a Los Estrellados) llegó el turno de El Bordo. El quinteto de Villa Crespo hizo su aparición con “Donde vagan los sueños”, perteneciente a su última placa, y “Me da igual” en donde se sumaron Pablo Fortuna en saxo y Fabián Veglio en trompeta para ampliar un poco el espectro sonoro. “El insatisfecho” trajo el rock and roll y “No quiero”, con un buen trabajo de Leo Kohon en armónica, le imprimió la fuerza que viene caracterizando a la banda de un tiempo a esta parte.
Y justamente el grupo logró su mejor plenitud cuando indagó en sus dos últimos discos, el mencionado Historias perdidas y Yacanto (2007). El cantante y guitarrista Alejandro Kurz, el guitarrista Diego Kurz, el bajista Pablo Spivak y el baterista Miguel Soifer mostraron la madurez alcanzada en temas como “Puerto escondido”, “Soñando despierto” y “Siento”. El costado cancionero y los arreglos sutiles aparecieron cuando bajaron los decibeles y se adentraron en melodías amables como “El día me avisó”, “Pensando en vos” o “Llueve en Buenos Aires”, una de las mejores del repertorio.
Por su parte, el público recibió de buena manera el nuevo material pero se encendió en clásicos de la talla de “Jazz Barrial”, “La banda”, “El Grito” y “En la vereda de enfrente”. Para rememorar esas viejas épocas, Ezequiel Puga colaboró con la percusión en varios pasajes del recital para finalmente coronar la noche con “Los Perdidos” y “A mi favor”.

En cualquier banda siempre es destacable el intento por madurar y explorar nuevos horizontes y allí es donde se encuentra parado El Bordo en estos momentos. Cada vez más interesados por la producción de sus temas, el grupo logra en sus shows una buena combinación de potencia y arreglos más sutiles que permite entrever un auspicioso futuro.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Anabella Reggiani

Revista Ruleta China - Agosto 2010

RCh Discos "STRIPPED" de The Rolling Stones (1995)

En el living de tu casa

POR CHRISTIAN ALLIANA

En 1995 los Rolling Stones decidieron que era necesario alejarse por un rato de los mega estadios y emprendieron una pequeña gira por clubes y teatros de mediana convocatoria de Inglaterra, Holanda, Francia y Portugal. El resultado de esa aventura quedó plasmado en el disco Stripped que, a diferencia de los MTV unplugged tan de moda por esa época, refleja el calor de la gente cerca de la banda transpirando codo a codo el alma stone en versiones acústicas. A su vez, un par de temas grabados también en vivo pero dentro de un estudio en Japón confirman la magia del tándem Jagger-Richards.
El comienzo con la combativa Street fighting man va adentrando al oyente a un recorrido por todas las etapas del legendario grupo que además se da el gusto de regalar algunas perlitas como la tremenda versión de Like a rolling stone de Bob Dylan o el gran blues Love in vain . Por su parte, Keith Richards no sólo da cátedra de guitarra acústica a lo largo de los catorce tracks sino que también se hace cargo de la voz en la tranquila Slipping away y mete unos excelentes coros en la bellísima interpretación de Wild horses.
Dead Flowers sucede a Let it bleed y ambas conforman una dupla unida por el country rock con la sobresaliente voz de Mick Jagger y el slide de Ron Wood bien al frente. El toque sutil del baterista Charlie Watts se siente en el clásico Angie que pasa dándole pie a los aires folk de Sweet Virginia y al blues Little Baby , con gran participación del tecladista Chuck Leavell.
Y así, casi sin quererlo, se termina Stripped y a uno le dan ganas de escuchar esos temas una y otra vez. Muchas veces se dice que las canciones buenas son aquellas que son capaces de emocionar al ser tocadas simplemente con una guitarra acústica. Bueno señores, este disco confirma esa regla y muestra a los Stones como son. Y si tienen alguna duda, apaguen la luz, denle play al equipo, cierren los ojos y sientan por un momento que los ingleses están tocando en el living de su casa.

Critica de disco La Centenera - Tormenta (17-08-10)

Tormenta

La Centenera ofrece en su segundo disco doce canciones de puro rocanrol argentino.

En sus siete años de trayectoria, La Centenera ha estado tocando en distintos reductos del under y ha atravesado algunos cambios de formación hasta llegar a los integrantes que grabaron Tormenta (2009), el segundo álbum de esta banda oriunda de Parque Chacabuco. Para este disco, a los historicos Mariano Sanguinetti (voz y armonica), Leandro Ferraro y Ariel Campesi (ambos en guitarras), se le sumaron el baterista Luciano Campesi y Federico Sica, mas conocido como Sikus, ex bajista de Jovenes Pordioseros.
En Tormenta, La Centenera hace hincapie en el rock and roll y en las baladas con aires acústicos. Daniel “Piti” Fernandez, ex Los Piojos y actual La Franela, junto a Nicolás Bereciartua de Viticus, aportan sus guitarras en la rockera “Más” y en las tranquilas “Conexión” y “Espejo” (con remiscencias piojosas). Otro invitado de renombre es la batersta Andrea Álvarez quien suma su percusión en la bailable “Secuelas”, donde también aparecen los vientos de Pablo Fortuna y Alejandro Martín.
Musicalmente el quinteto de Parque Chacabuco entrega su mejor performance cuando rockea, ya sea de manera clásica como en “Brisa” o cuando se pone más hard como en la crítica “Estallar”. Sin embargo, no sólo se abocan al rock sino que se le animan al sentimiento tanguero (“Lucecitas”) y a la canción fogonera (“Jugando”). La voz de Mariano Sanguinetti por momentos se acerca demasiado a los fraseos de Andres Ciro Martinez y ese es quizás el punto débil del grupo. Por otro lado, cabe destacar el buen arte del libro interno que muestra distintas etapas de una tormenta que finalmente se disipa y da paso al sol.

En su segundo álbum, La Centenera da a conocer doce temas caracterizados por el buen rock and roll y algunos matices como las baladas y los aires tangueros.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Asuntos de familia - Los Perez Garcia (09-08-10)

Asuntos de familia

El cuarto disco de estudio de Los Perez García mantiene la misma línea cancionera de sus trabajos anteriores.

Casualidad o no, en 1994 se formaron dos de las bandas más importantes del género canción-rock: Estelares y Los Perez García. Los primeros la remaron desde abajo durante muchos años en su La Plata natal hasta llegar a oídos de Juanchi Baleiron quien con su producción los llevó a jugar en las grandes ligas. Por su parte, la banda integrada por Beto Olguín (voz), Federico Esquivel (guitarra), Mingo Catanzariti (bajo), Julio Medina (teclados), Hernán Garibaldi (percusión), Martín Sarceda (saxo tenor) y Pablo Tofanari (batería) todavía no ha logrado trascender la frontera del under aunque cuenta con un numeroso público que los sigue a todos lados.
En Asuntos de Familia (2009), Los Perez García no se corren demasiado de su clásico estilo cancionero. Por esta senda transitan “Bajo un árbol” y “Cenizas”, con las acústicas bien al frente, mientras que el costado más rockero aflora en “Knock out”, “Temporal” (la más cercana a la fórmula Estelares) y el buen corte de difusión “Magdalena”, con guitarras deudoras de Los Rodríguez. Los vientos y la percusión acercan al grupo a ritmos rioplatenses y latinos que son explorados en “Ecos” y “Tomala”.
“Llegando” aporta un interesante costado ska, una faceta más festiva que se acentúa en “Sigue la noche”. Los arreglos de cuerdas de “Fakir” visten el tema de una melancolía que también es característica del grupo de Aldo Bonzi y que se ve claramente en las letras de Beto Olguín. Situaciones cotidianas de desencuentros amorosos atraviesan casi todas las canciones y se alternan con pasiones como la música, el fútbol y los amigos (“Noche soñada”).
El cuidado arte, con retratos de los integrantes del grupo en distintas etapas de su vida y un relieve en la tapa que simula ser un pin, hacen que los fans seguramente busquen tener el disco original.

En la entrevista que nos otorgaran el año pasado, los integrantes de Los Perez García nos confesaban que lo que une a la banda es el amor hacia las canciones. En Asuntos de Familia esa declaración se reafirma a lo largo de dieciséis tracks que por momentos también coquetean con ritmos rioplatenses y el ska.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Atropello Carregal - Marilyn Munro (27-07-10)

Marilyn Munro

En su primera producción, Atropello Carregal pisa firme sobre el camino del rock alternando ritmos rioplatenses y toques reggae.

Atropello Carregal es un quinteto formado en 2005 y que en 2007 grabó de forma independiente un EP homónimo en el que comenzaba a insinuar el estilo que ahora profundizan en Marilyn Munro (2008), su primer larga duración. Caracterizados por tocar mucho en vivo, en los trece temas que integran la placa se nota el rodaje del grupo y la experiencia que los tuvo actuando en festivales como el Pepsi Music.
Durante todo el disco se alternan la solidez del rock con inquietas guitarras y grooves funkys como en “Mientras me callás”. La voz de Juan Ignacio Franke por momentos es demasiado similar a la de Andrés Ciro y esto va en detrimento de la búsqueda de personalidad propia sobre todo en los dos primeros temas. Ya en “Vanidad huerfanita” se comienza a vislumbrar intenciones más originales con arpegios que entran y salen y una intensidad que va in crescendo.
Las guitarras de Gonzalo Fernández y Guido Parisi comandan el rock de “Ya está” que se complementa bien con cierta oscuridad en “Muerte lenta” y la tranquilidad de la balada “Se vuelven a dar”. La fuerza del punk se oye en “Agujero” mientras el sonido opresivo de “El condensador” presenta toques floydianos en los coros. También hay espacio para el reggae como en “Quebrando quebradas” y los ritmos rioplatenses bien llevados por el bajista Ignacio Basello y el baterista Juan Manuel Fernández en “Sur” antes del cierre final con “En tu voz” y “En la contradicción”.

A través de trece temas, Atropello Carregal esgrime en Marilyn Munro muestras de buen rock aunque todavía les resta despegarse de sus influencias y hacer más hincapié en un camino propio que vislumbra buenas señales.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Mensajeros - Así (20-07-10)

Así

Mensajeros continúa su senda reggae en su quinto disco.

La historia de Mensajeros comienza como la de tantas otras bandas que al sentirse atraídas por la música reggae dejaron la actitud pasiva de escucha y se calzaron los instrumentos para tocar su ritmo predilecto. Desde aquel primer ensayo en 1996 hasta esta actualidad, el grupo ha tenido diversos cambios en la formación (solo se mantiene el guitarrista Germán Abuin como miembro original) y ha sufrido la partida de su cantante Mariano Castro, más conocido como Dread Mar I, quien emprendió un exitoso camino en solitario. Sin embargo, la banda supo rearmarse y en Así (2009), con Christian Ayala, Alejandro Ponce y el mencionado Abuin alternándose en la voz, siguen apostando por el reggae.
Desde el colorido y psicodélico arte del álbum, Mensajeros aporta una idea de lo que se va a escuchar. A través de doce temas, hay climas veraniegos y distendidos como “Así” y “Si vas a dejarme” mixturados con momentos más calmos como el corte de difusión “Náufrago” que cuenta con la voz invitada de Nestor Ramljak de Nonpalidece.
El canto al amor sobrevuela todo el disco y es en esos temas donde las guitarras de Germán Abuin y Federico Marré entregan los mejores arreglos. “Aún no es tarde” es un buen ejemplo de esto al igual que “Te voy a encontrar” con Juanchi Baleiron de Pericos aportando su steel guitar. La conciencia social encuentra su espacio en temas como “Revolución”, de pulso lento y esencia rockera, “Futuro” e “Importante”.
Por su parte, “Cosas mínimas” invita a no preocuparse por lo material mientras que “Pelea” hace hincapié en aquellos que luchan por sus ideales y en el que se descata la trompeta con tintes jazzeros de Gustavo Levi. Sobre el final, en “Learnin” se acercan al sonido jamaiquino de los 70´s y en el último track terminan cantando su amor por la “Música”.

Luego de un disco en vivo en el 2006, Mensajeros retorna con un álbum atravesado por las temáticas de amor y la conciencia social.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Nube 9 - The Cavern (09-07-10)

CANCIONES INMORTALES

Nube 9 recorrió las gemas beatles Rubber Soul y Revolver en un intenso concierto en The Cavern.

En la fría noche del viernes patriótico, Nube 9 volvió a The Cavern para realizar un nuevo show temático de homenaje a The Beatles. En esta ocasión, el turno fue para los discos Rubber Soul (1965) y Revolver (1966), los dos puntapiés iniciales en la maduración del cuarteto de Liverpool que a partir de dichos álbumes llegaría a grandes picos como el Álbum Blanco (1968) o Abbey Road (1969).
Pasada la medianoche, el grupo liderado por Fernando Blanco, ex bajista de los Súper Ratones, salió a escena para dar comienzo al concierto con “Drive my car”. A partir de allí y en orden cronológico se fueron sucediendo una a una las canciones de Rubber Soul, además de los simples de la época, ejecutadas con personalidad propia y evadiendo el intento de copiar el tema exactamente como fue grabado sin que esto implique deformarlo. Altos puntos de potencia (“Nowhere man”, “Think for yourself”) se mezclaron con toques sensitivos (“Michelle”, “In my life”) que confirmaron continuamente la grandeza de los Fab Four.
Además, Fernando Blanco, autor del libro Beatlend junto al periodista Sergio Marchi, sacó a relucir su enciclopedia cuando entre tema y tema contó pequeñas anécdotas de la composición de esas canciones que revolucionaron el siglo xx. Bien secundado por Lucrecia López Sanz en guitarra, por momentos ambos intercalaron sus voces dándole así un toque particular al show.
La segunda parte llegó obviamente con “Revolver” y allí se pudo escuchar el primer acercamiento del cuarteto liderado por John Lennon y Paul McCartney a la psicodelia que luego reflejarían muy bien en Sgt. Pepper. En este disco también se da una interesante mezcla de estilos compositivos como el rock contestario de “Taxman”, de George Harrison, y la melodía aniñada de “Yellow Submarine”, cantada por Ringo Starr. Cabe destacar la versatilidad con la que Nube 9 logra atravesar distintos momentos de intensidad (“Good day Sunshine”, “Doctor Robert”) y conjugarlos con piezas de amor inigualables como “Eleonor Rigby” o “Here, there and everywhere”. Sin dudas, la presencia de buenos músicos como Julián Carranza en guitarra, Emanuel Gaggino en batería y los tecladistas Juan Pablo Ezquerra y Fernando Viola permiten que la banda en ningún momento se resienta y salga adelante incluso en aventuras sonoras como “Tomorrow never knows”.

En un nuevo show temático, Nube 9 recordó Rubber Soul y Revolver ante un público que se fue entusiasmando con el correr de los minutos y que incluyó desde jóvenes que no habían nacido en la época beatle hasta adultos que crecieron junto a la música de los Fab Four (una pena que el tecladista Ciro Fogliatta, presente en la sala, no se haya sumado en algún tema). Sin necesidad de peinarse ni vestirse como los genios de Liverpool, el sexteto creado por Fernando Blanco demostró una vez más que la inmortalidad de esas canciones está por encima de cualquier pose.

Christian Alliana

Critica de disco La Mofeta - Contra la corriente (05-06-10)

Contra la corriente

La Mofeta debuta sin novedades en el frente.

La Mofeta es una banda formada en 2004 que a lo largo de su historia ha ido variando sus integrantes hasta quedar definitivamente conformada por Nicolás Loria en voz, Marcelo Henin en guitarra y coros, Federico Barrios en guitarra, Juan Ignacio Scarpino en bajo y Matías Azconzábal en batería. Ellos definen a su primer álbum como “una foto del momento en que se grabó pero también un nuevo punto de partida para seguir alimentando al grupo y a la gente que lo sigue”.
“Contra la corriente”, tema que da nombre al disco, abre con arpegios de guitarras que se rompen con la entrada de toda la banda en una onda pelotera que sumado al punteo inicial de “Alma”, coinciden en una mezcla un tanto comprimida, a la que se le nota la falta de graves. Los invitados Martín Roca y Gonzalo Gutierrez aportan percusión y armónica respectivamente en “Sin fumar” que se ve un tanto opacada por una mezcla algo despareja.
Lo más destacado del álbum llega cuando la banda apuesta por un poco más como en el caso del funk “El vaso del placer”, con un buen aporte del tecladista Pablo Nomdedeu, o el rock and roll sucio de “Karma”.
La historia de “La minita” se cuenta sobre una base con netas reminiscencias a Los Piojos y “Para adelante” trae un aire oscuro que las guitarras de “Perdido” se encargan de levantar. Pasadas “Un mendigo” y “Un sake”, llega el final intimista, en plan ronda de amigos que ofrece “Ciudad de heridas” donde la banda se despide como si estuviera en un fogón.

En Contra la corriente, La Mofeta insinúa algunas buenas intenciones pero no logra consolidarse en gran parte debido a una mezcla que carece del buen sustento de los graves y que por momentos suena un tanto comprimida.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Cobertura Javier Malosetti - N/D Ateneo (02-06-10)

Dar es dar

Javier Malosetti presentó Ten en el N/D Ateneo.

El viernes por la noche, el multiinstrumentista Javier Malosetti dio la primera de las dos presentaciones programadas en el Teatro N/D Ateneo (la otra será el 16 de julio). En un clima distendido, el hijo del guitarrista de jazz Walter Malosetti, junto a su banda Electrohope, dio a conocer los temas de su último disco Ten editado hace pocos días. Apenas pasada la medianoche, el grupo comenzó la velada con “Disco Inferno” en una versión bluseada de ese clásico de The Trammps a la que le siguió “Memorie del treno”, ambas pertenecientes a la placa que estaba siendo estrenada.
A continuación, Malosetti tomó una particular flauta que hizo sonar de manera climática para adentrarse así en “El benja”, una fusión en donde los músicos demostraron el nivel de afinidad que lograron luego de este año y medio de estar tocando juntos. La especie de cumbia que es “Juguicho” contrastó con la tranquilidad de “Two rails” que tuvo un final tétrico con los acordes de “Dance of Maya” de la Maravishnu Orchestra. Una hermosa interpretación de “Albie & Ally” marcó el cierre de la primera etapa del concierto.
Ya sin la banda y ubicado solo en el centro del escenario, Javier Malosetti entretuvo a los presentes durante algunos minutos demostrando por qué es considerado uno de los mejores bajistas argentinos. Alternando segmentos instrumentales, en los cuales jugó con sus pedaleras, con fragmentos cantados, como “Bring me your cup”, el ex acompañante de Spinetta se ganó todos los aplausos del público y dio paso al tecladista Nico Rafetta que dio una clase magistral de boogie boogie.
La segunda parte del show, nuevamente con Electrohope a pleno, comenzó con “Acampantes”, una oda a los boy scout que pasó de ser un chiste interno del excelente bajista y cantante Hernán Segret y que terminó convirtiéndose en un tema propio. En “Money for nothing”, (de Dire Straits) la joven banda, con el baterista Tommy Sainz a la cabeza, sacó a relucir su chapa rockera, la diferencia más notoria entre estos músicos y los anteriores que acompañaron a Malosetti, quienes estaban más volcados al jazz.
Por su parte, “Maybe I´m Leo” trajo la infaltable cuota de funk y “Delpo” fue dedicado al tenista Martín Del Potro aunque el propio Javier bromeó acerca de si haber grabado ese tema no le trajo mala suerte al tandilense que todavía sigue recuperándose de una lesión. Los bises llegaron con “Credulidad” y “Primavera 0” y sonaron a modo de homenaje a Pescado Rabioso y de plegaria por la salud de Gustavo Cerati respectivamente. Varios minutos de aplausos fueron el agradecimiento del público para esos grandes músicos que coronaron así una noche muy especial.

El álbum número diez de Javier Malosetti tuvo su presentación oficial en el bonito Teatro N/D Ateneo ante un numeroso público que disfrutó con la música del bajista y de su joven banda.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Fotógrafo: Leandro Ciaffone

Critica de disco Venaticos - Venaticos (28-06-10)

Venáticos - EP

Primer disco para una banda con un largo recorrido en el under.

Venáticos es un grupo formado a principios de la década del noventa, que en 2002 pasó a llamarse Rocamadour y que luego de una disolución, se volvió a juntar bajo su nombre original para editar su primer álbum homónimo. A través de siete temas, el quinteto integrado por Lucio Vaquero (voz y armónica), Juan Manuel Polo (guitarra), Lucas Redondo (guitarra), Sebastián Voyatjides (bajo y teclados) y Nicolás Camporino (batería) da muestras de buenas melodías orientadas al rock cancionero.
El comienzo con “Por los dos” marca el rumbo de todo el EP: electricidad rockera y base de canción con punteos de guitarras que entran y salen continuamente. En “Más allá de vos” hay buena interacción entre las violas de Polo y Redondo con un ritmo acolchonado por el órgano de Voyatjides (también tecladista de Blues Motel).
Y justamente la influencia de la banda de Tigre se hace presente en la hermosa “Roto el corazón” al tiempo que en el track siguiente, “Gris melancolía”, aparecen los coros invitados de Francisco Bochatón y David Vera. “Ocultar tu soledad” y “Morir en el mar” son dos rock clásicos, apoyados en las guitarras eléctricas que finalmente dan paso a las acústicas que se suman a la voz de Lucio Vaquero en “Estrella de la tarde”, el último tema del EP.

La primera carta de presentación de Venáticos parece estar hecha a medida de los amantes del género rock-canción, esos que disfrutan tanto de la crudeza de las guitarras eléctricas como de la sensibilidad de los rasgueos acústicos.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Mas que humano (22-06-10)

Más Que Humano

Debut discográfico para una banda que se afirma en la potencia del rock.

El origen de Más Que Humano se remonta al año 2003 cuando Pablo Lanzillota (voz) y Diego Ferrabone (guitarra y coros) conformaron The Magic Box, una banda de covers que interpretaba temas de Queen, The Beatles y The Police entre otros. Con la renovación de algunos integrantes y el inicio de un repertorio propio, en 2005 el grupo adquirió su nombre actual con el cual registraron Vidas Paralelas, un EP de cuatro temas que fue reeditado en 2007, ya con la formación actual que incluye a Nahuel Castelao (Bajo) y Leonel Ditarcio (batería).
En su disco debut, la banda utiliza la potencia del rock sumado al brillo del pop a través de once tracks. El espíritu adolescente de “No puedo volver atrás” se conjuga con el aire críptico de “Palabras”, en donde las guitarras comienzan a tomar protagonismo por medio de distintos efectos. El ex baterista de Pappo, Bolsa González, se hace cargo de los arreglos de batería en “Ella está bien” y su mano se nota en esos minutos amables que dan paso a la influencia beatle de “Viaje pesado”.
Luego de “Cerca de ti” y “Apariciones”, los coros apoyan las guitarras pop de “Norte sur” y la distorsión rompe por momentos la calma acústica de “Redención”. Pasa “Solo voces” y a continuación aparecen los elementos hard rockeros de “Vuela”, con cambios de ritmo incluidos. Para el final queda la balada “Ángeles y piedras” que comienza con la voz de Pablo Lanzillota junto al piano de Javier Mareco hasta que la banda a pleno aporta su poder y las guitarras dobladas enfatizan el solo.

Más Que Humano subraya en su primer disco homónimo sus influencias rock-pop internacionales y entrega un material que por momentos se torna algo homogéneo pero en el cual se destacan diversos arreglos de guitarra.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Kevin Johansen - En vivo en Buenos Aires (14-06-10)

En vivo en Buenos Aires

Registro en vivo de las presentaciones de Kevin Johansen junto al dibujante Liniers.

Durante todo el año pasado, Kevin Johansen junto a su banda, The Nada, y el dibujante Ricardo Liniers unieron fuerzas para brindar varios shows audiovisuales que recorrieron distintas ciudades del país. En vivo en Buenos Aires (2010), grabado en agosto de 2009 en el Teatro El Nacional, es la síntesis de estas presentaciones y allí el músico nacido en Alaska pero argentino por adopción, recorre buena parte de su historia musical.
Desde The Nada, aquel disco debut de 2000, Kevin ha demostrado a lo largo de esta década que sabe desenvolverse muy bien a través de distintos estilos y con letras plenas de ironías y acidez retrata de manera eficiente distintas situaciones cotidianas que involucran directa o indirectamente al oyente. En este registro en vivo la parte vocal gana un interesante protagonismo como en “Logo”, que abre el disco y en donde se suma la cantante Ileana Cabra de Calle 13.
Las canciones de Johansen también atraviesan distintos estados anímicos que van desde la alegría de “En mi cabeza” hasta la tranquilidad de “El círculo” y “La hamaca”. Por su parte, “Hindu Blues” trae toques orientales que se ubican a mitad del camino experimental de los Beatles y Oasis mientras el brasilero Paulinho Moska aporta su voz en “No voy a ser yo”.Los boleros son otra pata en donde se apoya Kevin destacándose el dúo que realiza junto al español Kiko Veneno (“Desde que te perdí”) y la híper conocida “Down with my baby”. Tampoco faltan los otros hits como “El palomo” y la divertida “Guacamole”.
La pluma encendida del ex integrante de Instrucción Cívica encuentra su apogeo en la excelente “McGuevara´s o CheDonald´s” y la historia de “Cumbiera intelectual”. En el final, aparecen los toques electrónicos de “Sos tan fashion”, el aire tanguero de “Buenos Aires Anti Social Club” junto al uruguayo Fernando Cabrera y los coros de todos los músicos en “Fin de fiesta”.
Las excelentes fotos que ilustran el librito interno retratan el ambiente de los shows aunque el combo que viene con el DVD ayuda enormemente a disfrutar los retratos que Liniers va pintando mientras The Nada ejecuta la música.

En vivo en Buenos Aires es el reflejo sonoro de la conjunción audiovisual entre Kevin Johansen y Liniers y a través de él se puede apreciar la versatilidad estilística del cantante nacido en Alaska.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Entrevista Riddim (09-06-10)

“El reggae va a estar siempre”

Pety nos cuenta de qué trata el nuevo disco de Riddim en una entrevista marcada por la buena vibra.

Desde la explosión del reggae local a partir del nuevo milenio, varias bandas argentinas han alcanzado un nivel de convocatoria impensado hace un par de años atrás. Al indiscutible liderazgo de Los Cafres y Los Pericos, en la década del 2000 se sumaron y consolidaron otros grupos seguidores del estilo que Bob Marley popularizó mundialmente. Riddim es una de esas agrupaciones y, con motivo de la edición de su nuevo disco, Donde brilla el sol, charlamos con el cantante Pety. Paz y buena onda en un entretenido intercambio de mails. -El nuevo trabajo tiene un nombre con tintes casi románticos ¿qué creen que existe allí donde brilla el sol?Luz. En las épocas oscuras uno busca luz. Y el sol representa eso, ayuda a mejorar tu día. Le damos gracias a Dios cada vez que brilla el sol. Cada amanecer es una bendición y te empuja a seguir adelante pese a todo.

-El corte de difusión elegido, “Tu amor” gira en torno a una historia amorosa que puede ser entendida tanto entre dos personas como también hacia Dios. ¿Creés que el público está empezando a aceptar un poco más las canciones de amor vinculadas al reggae?

Dread Mar I está apostando mucho por este estilo por ejemplo.El amor siempre está presente en el reggae, hasta te diría que todo el género está basado en el amor. El amor a Dios, al prójimo, a los seres queridos, a la humanidad, a la creación, es el mensaje más lindo y más sincero, todo debería girar alrededor del amor. No hay nada más lindo que eso.

-Por su parte, en “Lo que ves” incursionan en un clásico ska. ¿La idea partió del lógico parentesco entre el ska y el reggae?

El ska es el antecesor del reggae en Jamaica, su población en los 60s festejaba su independencia de la colonia británica y por eso es tan alegre. En nuestro disco anterior no habíamos incluido ningún ska, y ahora salió "Lo que ves". Tiene aires de rythm and blues que es como se componía en esa época ya que los artistas jamaiquinos estaban influenciados por las radios del sur de EE.UU. y por bandas como Fats Domino por ejemplo.

-Tratándose de un género como el reggae que, a veces al igual que el blues, puede volverse algo ortodoxo ¿cómo maneja Riddim el hecho de buscar algo distinto disco a disco?

No queremos que sea distinto. Los discos los encaramos como siempre, la diferencia es que cada uno fue grabado en distintas circunstancias, en distintos estudios y la banda ha crecido musicalmente, ha madurado. Le damos mucha prioridad a las melodías, a la canción en sí y a lo que decimos en ellas. El poderío de Riddim está en vivo y aquellos que vengan a nuestros shows se darán cuenta de lo que representa el reggae para nosotros, la forma de ejecutarlo y cómo disfrutamos de lo que hacemos.

-Hace ya varios años que el reggae tiene gran repercusión en Argentina. ¿Pensás que es algo que ya está definitivamente instalado en la cultura musical nuestra?

Muchos siguen creyendo que es una moda pasajera...El reggae está instalado en la gente desde hace muchos años y una moda dura un fin de semana. Culturalmente el reggae en castellano tiene mucho para dar todavía, es cuestión de seguir aprendiendo y dar más calidad tanto en la música como en el mensaje. Es un ritmo que no necesitó ser inflado en los medios, el crecimiento fue muy under. No es como con los floggers por ejemplo, que salían en la tele a cada rato, eso sí es una moda pasajera, que ya dejó de existir. El reggae está y va a estar siempre.

-El sábado 26 de junio, la presentación de Donde brilla el sol será con dos funciones en La Trastienda ¿Qué esperan de la fecha? ¿Habrá invitados?

Estamos armando un show especial en donde vamos a tocar todos los temas del disco. Vamos a hacer covers de bandas que nos influencian y habrá invitados de bandas amigas. También estamos preparando algunas cosas visuales en lo que respecta a la escenografía para que sea un show distinto. Esperamos que la gente se acerque y disfrute de esta presentación tanto como disfrutamos nosotros al prepararla.

Christian Alliana para www.elbondi.com

Critica de disco Tercer Ojo - Mestizo (31-05-10)

Mestizo

En su primera producción Tercer Ojo da muestras de un rock bien crudo.

Con varios años en la ruta (siete exactamente), Tercer Ojo lanzó a fines de 2009 Mestizo, su disco debut que contiene doce canciones grabadas en los Estudios Tónica, El Balcón y Néctar bajo la producción artística de Tomás Tyrrell. El cuarteto integrado por Santiago Yaya Imposti en voz, Francisco Gamas en guitarra, Francisco Palma en bajo y Agustín Ghiglione en batería asienta sus bases en el rock guitarrero con toques oscuros, letras existenciales y potencia hard.
“Entre el capo y el canapé” da inicio al álbum con las guitarras bien al frente comandando todo el tema de principio a fin. El bajo de Palma y la batería de Ghiglione se combinan de manera potente en el hard rock “Bajo el ombú” pero la voz queda muy atrás en la mezcla, casi difusa entre tanta energía. “Y así todas las noches olvidándome de vos, dando vueltas sin sentido, reclamándole a dios” canta Yaya Imposti en “Danza con lobos” y esa sensación de melancolía se ve apoyada por las acústicas y los arreglos de teclados de José Luis Berrone.
En los matices es donde Tercer Ojo muestra su mejor cara. La balada “Instinto”, con sus arreglos de cuerdas y su aire misterioso, dan cuenta de una faceta que se intensifica en “Ni siquiera amaneceres en Palermo” en el que incluyen la interesante gaita de Oscar Llovenes. El riff circular de “Si la mula se nos ríe” trae de nuevo el rock más clásico mientras que “Justiciera” e “Hijos de lo natural” son buenas herederas de Los Caballeros de la Quema y La Renga respectivamente.
Por su parte, la amable “Crudo amanecer” junto a “44244”, “El saber de las moscas” y “El evangelio” completan los doce temas de Mestizo dejando en claro que la propuesta del cuarteto es el rock más crudo e intenso posible. Mención aparte merece la excelente tapa que muestra a dos hormigas sosteniendo un tornillo y que bien podría simbolizar, además del trabajo, la aspereza de la música de Tercer Ojo.

Luego de siete años de vida, en 2009 Tercer Ojo finalmente logró editar su primer disco basado en canciones rockeras del palo más duro. Con un sonido que intenta rescatar ese espíritu, Mestizo presenta algunos vaivenes en cuanto a la mezcla y los temas más sobresalientes son aquellos en los cuales no solamente mandan las guitarras.

Christian Alliana para www.elbondi.com